① 法國批判現實主義美術及特點
法國批判現實主義美術
「批判現實主義」是十九世紀盛行於歐洲的一種現實主義文藝思潮。它以暴露和批判現實為主要特徵，故稱「批判現實主義」。
提出「批判現實主義」並給它下定義的是高爾基。高爾基說：「資產階級的『浪子』的現實主義，是批判的現實主義；批判的現實主義揭發了社會的惡習，描寫了個人在家庭傳統、宗教教條和法規壓制下的『生活和冒險』，卻不能夠給人指出一條出路。批判一切現存的事物倒是容易，但除了肯定社會生活以及一般『存在』顯然毫無意義以外，卻沒有什麼可以肯定的。」
「批判現實主義」思潮曾經在歐洲取得了巨大的成就。十九世紀二十年代，批判現實主義開始形成並獲得初步的發展，從三十到四十年代，批判現實主義繼浪漫主義之後，成為歐洲文學藝術的主要潮流。
（我認為，「批判現實主義」這個詞是一個有強烈意識形態色彩和政治偏見的詞語，西方直接就是叫「現實主義 Realism」或者「寫實主義」，我們把這一章理解成法國19世紀現實主義美術就可以）
庫爾貝 (Gustave Courbet，1819-1877年)
居斯塔夫·庫爾貝出生於法國東部小鎮奧南，祖父是法國1789年大革命的雅各賓黨人，父親是葡萄園主，後來做過地方行政長官，庫爾貝幼年就接受過革命思想影響。29歲的庫爾貝到巴黎學習法律，後來竟成了自學成功的畫家。庫爾貝天生具有濃烈的藝術氣質，他的自我為中心的意識很強，總是以俯視的高傲神態看待世界和人生，他十分關心社會，積極參加革命活動，巴黎公社時期曾任公社委員和藝術家協會主席，他的名字和所有巴黎公社的英雄並列，在藝術中主張現實主義，他宣稱：「現實主義藝術就其本質來說是民主的藝術。」他所創造的藝術，是不加人工修飾再現他周圍的現實生活。
庫爾貝是一個天生性格直率的男子漢，那些學來的社會習氣絲毫掩蓋不住他那真正的陽剛氣概。他的一生命運多舛，不僅因為他爭強好勝，有虛榮心，主要是他對被壓迫者富有同情心和正義感，所以他獻身於無產者革命事業，為這個理想，他可以犧牲一切。19世紀中期庫爾貝已經是位有世界聲譽的畫家，受到世界進步人士愛戴，拿破崙三世為收買他，授給他榮譽勛章，卻被他拒絕了，他說：「除了自由制度外，他從未從屬過任何其他制度」。他贏得人民給予的最大榮譽和愛戴，1870年巴黎美術家擁護他為國家藝術品保管委員會主席。巴黎公社失敗後，他被捕入獄、示眾、罰款，最後被迫流亡瑞士，死於貧病交加之中，終年58歲。
庫爾貝重要代表作：
《奧南的葬禮》（A Burial at Ornans，1849-50，Oil on canvas，314×663 cm）
畫家所描繪的是他家鄉的風俗場景，這種地方性的葬禮往往也是當地各式各樣人物出現的場合，有官吏、商人和神父之類的頭面人物，也有死者的親屬友人。一般人物的表情神態都是嚴肅而冷漠的，唯有死者的親屬才顯出哀悼情態。這里所畫的是風俗場面，實際上是奧南地方一群人的肖像，畫家以嚴謹朴實的藝術語言，精確地塑造了眾多人物肖像，其中有畫家自己家庭的成員。當這幅畫問世時，受到官方評論的指責，說它是「粗俗的、片面的，不懂得起碼的繪畫規則」。然而卻受到青年畫家們的歡迎，他們稱贊「這幅畫是以令人驚異的技巧畫成的，風景的色彩具有絕妙的透明感，以及那些紅、白、青各色的調子，使整個畫面為之豐富起來」。在這幅畫中畫家以紀實的形式，不加任何修飾和美化，描繪了這真實而平凡的生活場面，因此有人說這幅畫是「浪漫主義的葬禮」。
《畫室》（The Painter』s Studio，A Real Allegory ，1855，Oil on canvas，361×598 cm）
《畫室》的全名叫《畫家的工作室——一個現實的寓意，概括了我7年來藝術生活的情況》。畫家的立意在於展示自己從1848年以來的藝術創作生涯，並寄寓一種意味深遠的社會哲理。畫家把7年來對生活和思想有影響的朋友和他曾經畫過的模特兒集中畫在一個畫面上。另外還集中了上流社會各個階層的形象，表現一個法國社會的縮影。
在這幅畫中描繪了三十多人，每個人物都有自己的寓意：畫面中間是畫家自己正在畫一幅風景，畫前小孩代表「無邪的眼睛」；裸體女模特兒代表畫家心目中的繆斯，或真理；畫幅背後一個十字架上釘著聖徒聖賽巴先，代表僵死的學院派藝術。圍繞這個中心畫面分成兩部分：右邊坐著看書的是詩人波德萊爾，他象徵「詩」；前面站立一對男女，為「繪畫的鑒賞者」；依次每個人都有象徵意義：「散文」、「哲學」、「音樂」等。畫的另一部分，大多是畫家畫過的模特兒，可謂集社會上之三教九流，他們被隱喻為貧困、憂郁、被損害者和被剝削者。總之畫中出現的人和物都有一定的寓意，看來十分費解，但它體現了畫家的民主思想和現實主義的藝術方向。有人說他的這幅畫是驕傲的抒發、感傷的回憶，以及十足的沾沾自喜，賦予了整個的構圖以如此天真和溫暖的生命力，如此的真摯感，以致它並不顯得可笑。還有人說他以高超的表現技巧挽救了一個本來是非常幼稚的構思。但是人們不得不承認這幅畫構圖的完整、畫面氣氛的和諧，以及色彩的統一是無與倫比的，畫面中心的裸體更是美妙絕倫。有人認為丟在地上的粉紅色衣服就是一幅極好的靜物畫。這幅巨畫顯示了畫家很強的把握復雜構圖的能力以及畫家寫實的造型和色彩技巧，畫的物象具有充分的質感和量感，這一切都表明庫爾貝是偉大的現實主義大師。1855年，巴黎舉辦世界名畫展覽，評審委員會拒絕接受庫爾貝的這幅《畫室》，原因是太具有社會主義性質。於是畫家決定就在世界名畫展附近租一間房子單獨展出這件作品，並題名為「現實主義展覽館」，同時發表「現實主義宣言」，現實主義藝術流派因此得名。
《雷雨後的峭壁》（The Cliffs at Etretat after the Storm，1870?）
在這幅描繪海邊斷崖的海景畫中，庫爾貝運用挺拔的線條與堅硬的塊面，塑造了剛勁有力的斷崖峭壁，有陽剛之氣。畫中色彩的豐富變化和明亮度的提高所構成的純形式魅力，是他早期作品所無法比擬的。其粗獷的大刀闊斧的「庫爾貝式」刮刀筆觸，使畫面形象簡潔而充滿了力度感，使人感覺鏗鏘有聲。正是這些使莫奈等年輕的印象派畫家十分欽慕贊嘆，並在自己的作品中也嘗試用「庫爾貝式」的畫法。風平浪靜的大海、陡峭的山崖在陽光照射下，放射著絢麗豪華的壯美氣質，這正是庫爾貝精神氣質的再現。
《睡》（Sleep，1866，Oil on canvas，135x200cm）
庫爾貝在40歲以後越來越多地迎合巴黎人的欣賞趣味，不再畫那種粗壯有力的裸體，而去描繪巴黎的雅緻的裸女了。他於1866年畫的這幅《睡》受到公眾的歡迎，上流社會冷淡的善意歡迎卻受左拉的責難，說他轉到了敵人的營壘：「庫爾貝是一個強有力的智者，恰恰是當他已經失去了自己的一部分力量時，人們才開始贊賞他」。
此外，庫爾貝還有很多優秀的自畫像。
我們這里所說的現實主義是法國藝術發展進程中一種獨特的藝術現象，專指19世紀產生的藝術思潮，當時人們稱之為「寫實主義」，這個流派無疑是使用現實主義藝術創作方法的。它的哲學觀是求真求實，導致它的美學觀是以真為美、以實為美，它是寫實主義的主要特徵。
法國社會中的對立和斗爭，反映到畫壇上就成為古典主義與浪漫主義的爭論，一部分畫家對此種種不屑一顧，悄悄地進入巴黎郊區楓丹白露森林附近的巴比松村，他們都無限熱愛大自然，主張到大自然中去直接描繪豐富多彩的風景，他們把描繪自然的豐富奇偉、優美秀麗和內在生命作為終生追求。他們從不把自己的藝術信仰強加於他人，因為都居住在巴比松村，共同描繪大自然，所以這群畫家被稱之為「巴比松畫派」 （Barbizon School），主要代表是盧梭、科羅、特羅容等。
盧梭 (Théodore Rousseau，1812-1867年)
泰奧多爾·盧梭被認為是巴比松畫派中最光輝最敏感的代表，科羅稱他是「藝術上的革命家」。盧梭出生於巴黎的一個裁縫家庭，母親的親屬中有畫家和雕刻家，他在外婆家受到最初的藝術影響，立志要做一個畫家。他初師表舅——風景畫家聖馬當，爾後入雷蒙畫室。16歲去楓丹白露森林作畫，開始加入巴比松畫家行列，他是第一個定居巴比松村的畫家。盧梭很窮，因此不能像科羅那樣廣游他鄉，當他名利俱來時，只是將茅屋換成磚瓦房而已。他一生酷愛自然，如痴如醉，他常常帶著牛奶和麵包從早到晚不停步行於自然中觀察、寫生，爾後創作。盧梭作品的新意，用米勒的話說是「有力，首先是有力」。在盧梭的風景畫中，所表現的是法國鄉村景色的陽剛氣質美，他非常重視塑造自然界物體的堅實造型，注重構圖所能顯示的意境和對光的描繪，光在他的畫中不是一個憑借物，而是主題生命之外溢。光是大自然的生命，被巴比松畫派捕捉到了，並嘗試表現出來了，這就啟發了後來的印象畫派。
盧梭代表作有：
《山谷中一村莊》（A Village in a Valley，1820s late，23.2×40.6 cm，Oil on paper，mounted on canvas）
《諾曼底市場》（Market-Place in Normandy，1830s，29.5×38 cm，Oil on panel）
科羅 (Jean-Baptiste-Camille Corot，1796-1875年)
讓·巴蒂斯特·卡米耶·科羅的一生就像是一首才華橫溢的優秀詩篇。1796年他誕生的那一年，是法國大革命的風暴和拿破崙戰爭之間的過渡時期。他在流血和恐嚇、野心和偏執、仇恨、欺詐報復的年代中成長。但他並沒有被那年代的野蠻和愚昧所玷污。他的父親是個理發師，母親是位服裝師，勉強也算個藝術家，他們都是心地光明的人。父母希望兒子成為商人，父親願意出10萬法郎讓兒子去經商，可是科羅沒有接受這個實惠的建議，他要畫畫。這使父母親大為失望：「天哪！誰會想到我們的兒子這么不成器！」科羅堅持要畫畫，父母只好依從了，每年給他1200法郎，讓他去搞他那瘋狂的冒險。天曉得科羅直到44歲時才賣掉他的第一幅畫。
科羅曾兩次訪問過義大利，據說不是去研究義大利藝術大師的技巧，而是去欣賞義大利天空的美麗，他一生只以大自然為師，從不臨摹，總是直接寫生。他說，不要仿效別人，仿效別人總要落在人家的後面，你必須朴實無華地、按著自己的情趣去描繪大自然，絲毫不要受古代大師或當代畫家的影響。只有這樣，你才能畫出具有真實感情的作品。要遵循自己的信念，千萬不要作其他畫家的應聲蟲。科羅一生崇拜大自然，作畫忠實於自然，從不誇張自然的顏色，決不過分渲染他的畫面。他對自然忠誠勝於一切。
他終身未娶，對人說：「我唯一的情婦就是大自然。我的一生只對她忠誠，永不變心。」他在臨終前還想再看一看自然界的景色。科羅早期的風景畫受古典主義的影響，多表現在他的義大利風景畫中。而他的法蘭西風景畫才真正體現了他的藝術成就。
科羅的重要代表作是《夢特楓丹的回憶》（Recollection of Mortefontaine，1864，65×89 cm，Oil on canvas）
夢特楓丹位於巴黎北方桑利斯附近，是個景色迷人的地方。畫家在那裡，被這仙境般的美景所傾倒，這幅風景畫就是對那裡美麗景色的回憶。
在鄉村的湖邊，一個晨霧初散的時刻，清新的晨風交融著湖面散發的水氣，朦朧一片，溫潤的花草和林木的枝葉吐露著芳香，被風吹斜的古樹覆蓋畫面大部空間，另一棵枯樹曲折向上升華與之呼應，使畫面十分平衡和諧，樹木枝條的順勢造成一種流動感，從中可以領略到自然的生機。畫面中間景色是一片平滑如鏡的湖面，透過薄霧的陽光灑在湖面和草地上，四處綻開的小花，映襯著茸茸綠草，更顯現出大自然的無窮魅力。科羅喜歡在美麗的大自然中點綴人物活動，使自然與人構成藝術生命的整體。在這幅景色中，他畫了一位身著紅裙的女子正仰首摘取小樹上的野果，樹下有兩個孩子，女孩低頭采擷草地上的野花，男孩手指樹上的果子。
在這幅畫中仍含有古典主義的意蘊，如黃金律的構圖和均衡，但更多的是畫家的真情實感，科羅作畫愛添加枯枝，枝條曲伸多姿、輕飄搖曳，猶如美人翩翩起舞。色調輕柔，景物虛實中層次豐富，如夢如幻。科羅多用暖色鋪染畫面，愛用銀灰色和褐色調子，因為這類色調具有寧靜感，能使燦爛的陽光和彌漫的雲霧更具朦朧詩意。
此外，科羅還有很多優秀的風景作品以及人物肖像作品。
米勒 Jean Franois Millet (1814-1875年)
在19世紀法國畫壇上，與科羅同放異彩的是別具風格、自成一家的農民畫家米勒。讓·弗朗索瓦·米勒出生在諾曼底省的一個農民家庭，青年時代種過田。23歲時到巴黎師從於畫家德拉羅什，畫室里的同學都瞧不起他，說他是「土氣的山裡人」。老師也看不慣他，常斥責他：「你似乎全知道，但又全不知道。」這位鄉下來的年輕人實在厭惡巴黎，說這個城市簡直就是雜亂荒蕪的大沙漠，只有盧浮宮才是藝術的「綠洲」。當他走進盧浮宮的大廳時驚喜地說：「我好像不知不覺地來到一個藝術王國，這里的一切使我的幻想變成了現實。」米勒在巴黎貧困潦倒，亡妻的打擊和窮困壓得他透不過氣來。為了生存，他用素描去換鞋子穿，用油畫去換床睡覺，還曾為接生婆畫招牌去換點錢，為了迎合資產者的感官刺激，他還畫過庸俗低級的裸女。有一次他聽到人們議論他說：「這就是那個除了畫下流裸體、別的什麼也不會畫的米勒。」這使他傷透了心。從此他下決心不再迎合任何人了，堅決走自己的藝術道路。1849年巴黎流行黑熱病，他攜家遷居到巴黎郊區楓丹白露附近的巴比松村，這時他已35歲。在巴比松村他結識了科羅、盧梭、特羅容等畫家，在這個窮困閉塞的鄉村，他一住就是27年之久。米勒對大自然和農村生活有一種特殊的深厚感情，他早起晚歸，上午在田間勞動，下午就在不大通光的小屋子裡作畫，他的生活異常困苦，但這並沒有減弱他對藝術的酷愛和追求，他常常由於沒錢買顏料就自己製造木炭條畫素描。他愛生活、愛勞動、愛農民，他曾說過：「無論如何農民這個題材對於我是最合適的。」他在巴比松的第一幅代表作品是《播種者》。以後相繼創作了《拾麥穗》和《晚鍾》等名作。
《播種者》（The Sower，1850，101.6×82.6 cm，Oil on canvas）
米勒定居巴比松村的第一幅作品是《播種者》，畫了一位頂天立地、身著紅藍短衫的青年農民，邁著雄健的步伐，在夕陽下撒播種子，他那深褐色的帽子與明朗的天空形成了強烈的明暗對比，傾斜的地平線和邁步的巨人形成有力的交叉。在米勒表現的農民題材中，始終將農民形象與土地緊密聯系在一起，作為大地的主人突出在畫面上。藝術批評家戈蒂埃看了這幅畫以後指出：「播種者好像是用泥土本身塑造出來的一樣。」從這幅畫中我們看了農民和土地生命與共的關系。
《收獲者的午餐》（Harvesters Resting，1850-53，67.3×119.7 cm，Oil on canvas）
農民在高大的麥垛旁歇息午餐，晚到的村姑靦腆地低著頭不敢入餐，而那個青年農民極力勸說，其他人也以期待的目光看著她，她那忸怩遲疑的神態純朴而憨厚。米勒的畫沒有一點矯揉造作，沒有一點粉飾和誇張，用真誠眼光把農民的生活情景再現出來，看他的畫就像是看生活本身一樣。米勒所塑造的人物從不著重細節的精微刻畫，而以人物的動勢傳達內在思想感情。
《拾穗者》（The Gleaners，1857，83.5×111 cm，Oil on canvas）
1857年畫家43歲時，完成了《拾穗者》。作品問世以後產生了驚人的社會反響，評論家憑著他們的敏感，從政治上作出論斷：「畫里有農民的抗議聲。」、「這3個拾穗者如此自命不凡，簡直就像3個同命運的女神。」還有人驚呼道：「在這3個突出在天空前的拾穗者後面，有農民暴動的刀槍和1793年的斷頭台。」事實上畫家並沒有他們想得那麼多，他只是把自己的經歷和感受畫出來而已。
這幅畫的生命就在於真實，這種真實能引起人們對那個社會的懷疑。米勒在他所有的畫中都採用了簡潔手法，表現豐富的內涵，他的思想觀點都通過真實的形象和場面自然地流露了出來。他創造了一種無與倫比的農民典型，他筆下的農民具有一種朴實、善良、憨厚和稚拙的美，永遠散發著泥土的氣息。米勒是偉大的農民畫家，他的藝術是公認的農村生活的庄嚴史詩。他用畫筆和顏色表達了農民對土地的依戀，也揭示了人類圍繞土地的喜悅與悲哀。人們稱米勒是「鄉巴佬中的但丁、土包子中的米開朗琪羅」。
杜米埃 (Honoré Daumier，1808-1879年)
奧諾雷·杜米埃是法國19世紀最偉大的現實主義諷刺畫大師。他出生於馬賽一個有文學修養的玻璃匠家庭，6歲時全家遷居巴黎，由於生活貧困，杜米埃少年時就自謀生計，曾當過聽差、店員，這使他深知官場齷齪和民間疾苦，產生民主思想和正義感。杜米埃20歲時師從於法國皇家博物館館長、畫家涅努瓦學習繪畫，爾後又隨布登學習，還在業余時向石版畫家拉米列學習版畫藝術。他最初從事版畫創作，以尖銳的藝術語言揭露和諷刺社會的黑暗，他的大量諷刺作品可稱之為「沒落階級集體形象的辭典」。已經40歲的杜米埃開始畫油畫，他的油畫仍如同諷刺畫一樣，造型不求形似，只重視色塊與形體的「神肖」。他往往以棕色和粉紅為基調，從文學名著和生活中選擇表現題材，以批判的藝術眼光審視自己所創造的形象，他說過「要做一個自己時代的人」。杜米埃的藝術生涯始終與法國的現實主義相聯系，他運用現實主義和浪漫主義相結合的藝術語言，塑造自己獨特的藝術形象。為了真理和正義，他一生坎坷，遭到過監禁、罰款，作品被銷毀，難以謀生。巴黎公社時投身於革命，被選為藝術家聯合會執行委員。拿破崙三世為籠絡人心，曾授予他「榮譽勛章」而被拒絕，他始終是位不屈的為正義奮斗一生的偉大現實主義大師。
杜米埃代表作：
《洗衣婦》（The Laundress，1863，48.9×33 cm，Oil on panel）
《兩位律師》（The two Attorneys，1855-57，20.5×26.5 cm，Oil on wood）
《唐·吉訶德與桑喬·班薩》（Don Quixote and Sancho Panza，1870，100×81 cm，Oil on canvas）
杜米埃具有強烈的浪漫主義精神氣質，對現實有著高度敏感和深刻的理解，並能以自己高度誇張的藝術語言表現出自己對社會生活的認識和評價。
唐·吉訶德是塞萬提斯創造的傳奇式人物，這個人物在杜米埃的心目中是一個崇高的形象，因為他敢於為理想去冒險，去赴湯蹈火。杜米埃以極富想像又極為誇張的造型來表現這個心目中的英雄。這幅畫的造型給人以現代派的感覺，具有強烈的表現主義傾向，人物形體僅取幻影形式，與這非現實的主題完全一致。在人物的面部沒有五官，這位俠義騎士昂首挺胸騎在那匹又高又瘦的馬上，與他旁邊那位只講實利的桑喬形象構成滑稽的對比，一個激烈，一個遲鈍，一瘦一胖，一高一矮，這是生活中不可調和的對立矛盾體。為了一個幻想目標，他們目空一切，自恃高傲。這個藝術形象隱含著深刻的人生哲理。杜米埃的造型完全憑感覺，色塊、筆觸和各種線條都成為一種精神符號，藉以傳達畫家心中的意象。