法國為什麼是藝術王國

1. 為什麼古希臘和古羅馬的藝術是歐洲藝術的基石

「希臘」一詞意為典雅、優美。與這典雅、優美之名相稱，希臘是個名副其實的藝術王國。
蘇格拉底曾說:
「寧願被誤判死刑,也不逃離開自己的家鄉.」正是這片美麗的水域哺育了一個智慧和強健的民族,有持續遷徙和混合所產生的希臘人以朝氣蓬勃的活力,創造了令使人無限傾慕的文明.
神話與希臘藝術——神的世界是人類社會的寫照

希臘神話是希臘藝術的土壤，希臘神話包含著人們對自然奧秘的理性思索，它蘊育著歷史和哲學觀念的萌芽。希臘神話中「神人同形同性」的特點使神只具有人的面貌和情感，成為促使藝術與生活息息相通的有利因素。

人體與希臘藝術——人的自我意識的偉大覺醒

城邦國家的奴隸主民主政體為文化藝術的發展提供了有利的條件，城邦國家要求公民具有健壯的體格和完美的心靈，這也成為藝術創造的理想形象溫和的希臘氣候使希臘人有廣闊的露天活動和運動的場所。四年一度的奧林匹克運動會上，運動員裸體競技為藝術家提供了塑造健美人體的條件，使他們對於人體美有較早的領悟和表現。希臘藝術家正是在這種環境下創造出古代世界最傑出的藝術，給人類寶庫留下了最珍貴的遺產。

古希臘藝術的輝煌大致可分為五個時期:愛琴文化時期是古希臘文化產生的前奏和序曲,除此外可分荷馬時期，古風時期、古典時期、希臘化時期。
首先是愛琴文化時期
(約公元前3000—公元前2000間)在創造希臘古典文明的主要民族多利安和伊奧尼亞人到達本土之前，在地中海東北部的愛琴海地區就曾經存在過相當發達的文化，包括從氏族社會到奴隸制社會初期的國家。在藝術史上這一文化被稱為「愛琴文化」或「克里特-
邁錫尼文化」。.

克里特這一地區的美術主要集中於米諾斯宮。宮殿牆壁上有壁畫裝飾，壁畫以流暢的曲線、鮮明的色彩描繪出富有裝飾性的人物和圖案，手法上與埃及藝術有聯系。其中以《巴黎女郎》、《交談的婦女》、《侍女圖》等最為有名。在克里特還出土了一些小型雕像，具有寫實與裝飾技巧相結合的特點。其中較典型的有《玩蛇女郎》。

邁錫尼文化繁榮於公元前1500--前1200年間。邁錫尼人建造的城市已顯示出軍事防禦的目的。邁錫尼衛城的《獅子之門》在一塊三角形的大石板上刻著一根柱子，兩旁有一對獅子相對而立，造型粗壯有力，是西方最早的紀念碑式裝飾雕刻。在邁錫尼出土的金器皿上的浮雕典雅精美，尤其是描寫獵人捕野牛等畫面十分生動。

然後是荷馬時期（公元前12—前8世紀）
荷馬時期是根據荷馬史詩的作者名字來命名的，也就是氏族社會末期。這一時期為希臘神話形成期，也是造型藝術的萌芽時期。
荷馬時期最早的造型藝術作期是幾何紋風格的陶期，造型簡朴，大小不一，用於敬神和陪葬。這一時期的陪葬用小雕像也是幾何形的，沒有細節刻畫。因此，這一時期又被稱為「幾何風格時期」
古風時期（公元前7—前6世紀）
古風時期是造型藝術的形成期。在這一時期，東方文化通過貿易交往對希臘藝術產生了影響，而希臘藝術又通過吸收東方文化之長和逐漸擺脫東方影響而形成了自己的風格。這一時期的美術成就主要是繪畫、建築和雕刻。

繪畫：陶器是希臘人主要的日常期皿和出口商品，雅典和科林斯是陶器的重要生產中心。在古風時期，情節性繪畫的類型就已確立，先後出現了三種風格：東方風格、黑繪風格、紅繪風格。

公元前7世紀的繪畫主要為東方風格，出現了受埃及、兩河地區影響的獸首人身像、植物紋樣等等。黑繪風格出現於公元前6世紀初，它是把主體人物塗成黑色，背景保持陶土的赭色，使形象輪廓突出，有如剪影，細部稍用勾線表現。期代表作有《阿喀琉斯與埃阿斯玩骰子》等。紅繪風格出現於公元前6世紀末，它恰好與黑繪風格相反，是在背景上塗以黑色，留下主體部分的赭色，人物細部用線來描繪。這種風格主要流行於古典時期。繪畫表現的多為情節性場面，以神話題材和日常生活題材為主。流暢秀麗的線條表現了各種人物、戲劇性的動人場面以及細膩的感情。

建築：希臘的建築主要是神廟。古風時期，希臘神廟建築形成了它的典型形式——圍柱式，即建築周圍用柱廊環繞。兩種基本的建築柱式已經形成，即多利亞式和伊奧尼亞式。後來，在古典後期的小亞細亞地區又流行一種科林斯柱式。科林斯柱式在伊奧尼亞柱式的基礎上發展到更為華麗的裝飾，柱頭為繁密的花藍。古風時期的有名建築是埃吉娜的雅典娜神殿、以弗所的阿爾忒密斯神殿。

雕刻：古風時期的雕刻受埃及影響，人物處於正面直立的僵硬狀態。無論男女像，在表情上都帶有千篇一律的微笑，通稱為「古風的微笑」。人物通常著色，衣紋和頭發刻畫常具有裝飾性的特點。後期雕刻開始出現新的因素，產生了一些較為生動自然的男人體，這種男人體雕像被統稱為「阿波羅」。創作於公元6世紀的《荷犢的男子》便是古風時期的傑作.
其後是古典時期（公元前5—前4世紀）
這一時期是希臘藝術的繁榮期，藝術的各門類都取得了巨大的成就，其中以建築和雕刻對後世的影響最為深遠。

建築：古典時期的圍柱式建築的各部分開始形成固定的格式和比例，總的趨向是簡練合理。這一時期建築的成就相當可觀，其中最突出的代表是雅典衛城建築群。雅典衛城重建於古典初期。它包括山門、巴底農神廟、尼開神廟、伊克瑞翁神廟等建築，其主要建築是獻給雅典娜女神的巴底農神廟。巴底農神廟長70米，寬31米，列柱的比例為17∶8，柱高10．5米，採用多利亞柱式，檐壁又採用伊奧尼亞式的浮雕飾帶，東西三角楣裝飾著高浮雕。它結構勻稱、比例合理，有豐富的韻律感和節奏感。建築結構和裝飾因素、紀念性與裝飾性、內容與形式取得了高度統一、是世界藝術史上最完美的建築典範之一。伊克瑞翁神廟有苗條秀麗的伊奧尼亞柱式，它的南側有一組女像柱，姿態輕盈，形象端莊，完全沒有負重的緊張感。

雕刻：古典時期的雕刻已完全擺脫了古風時期的拘束和裝飾性，產生了寫實而理想的人體，達到了希臘雕刻藝術的鼎盛時期，出現了一批優秀的雕刻家。

米隆是古典初期雕刻家。他的作期造型准確，對人物內在的骨胳和肌肉運動有較深的理解和傳達。他的代表作《擲鐵餅者》在一個固定的動作上表現出運動的連續性，出色地解決了人體重量落在一隻腳上的重心問題，改變了雕刻中直立的程式。

古典盛期最偉大的雕刻家是菲狄亞斯。他設計了雅典衛城建築，創作了衛城內大量雕刻和裝飾浮雕。他的作品創造了典雅、靜穆的形象，是古典雕刻的理想美的典範。他為巴底農神廟創作的雅典娜女神像高達12米，用木胎包以黃金、象牙刻成，表現了女神一手托小勝利女神、一手執盾的姿態，受到同時代人及後人的崇拜。此外他還為雅典衛城廣場創作了一座雅典娜持矛的雕像，高達9米，據說在海上便可見到鍍金矛尖的閃光。他為巴底農神廟的東西三角楣所創作的高浮雕被當作古典雕刻最完美的標本，期中《命運三女神》姿勢優美，衣紋主動，既襯托出女神豐腴的體形，又具有流動柔美的運動感。

古典後期，雕刻開始側重個性的刻畫，表現人的個性和感情，人物充滿著生活的情趣和內在的激情。這種性格化的描寫標志著希臘雕刻的進一步成熟。

普拉克西特列斯以柔美、抒情為特徵，他的人物總是處在恬靜、愉悅的期氛中，但又充滿青春活力，給人以親切、詩意的感受。他喜歡描寫神話人物，如快樂而瀟灑的薩提爾，含蓄而優雅的赫爾麥斯。他也塑造了最早的全裸女人體《尼多斯的阿芙洛底德》，他那優美而流暢的人體表現很快就征服了觀眾。

與普拉克西特列斯的寧靜、抒情相反，史珂珀斯的雕刻卻傳達出一種內在的騷動和悲劇性的沖突。他的人物頭部往往處在強烈的扭動中，眼睛深凹，眉骨突出，嘴張開，嘴唇飽滿而彎曲，通過面部大的起伏造成強烈的明暗對比，表現出強烈的不安、激奮、痛苦、渴望的感情。《尼奧貝》群像可能是他的作品，雕像的面部表情和動作表達出人物的絕望、悲憤而又不甘屈服的復雜表情。

留西波斯繼承和發展了波留克列特斯的理論，他提出了人的頭部與身體的比例為1∶8的標准。與波留克列特斯的不同之處在於：他的人物既有運動員一樣健壯的體期、又有復雜的感情和充滿矛盾的內心世界。他塑造的神話人物《赫拉克列斯》表現了處在休息中的英雄，肌肉發達的身體與沉思的面部表情形成對比。

最後便是希臘化時期（公元前4世紀末——公元1世紀）這一時期，馬期頓國王亞歷山大率軍征服希臘各城邦，建立亞歷山大帝國。隨著帝國的不斷征服與擴張，產生了希臘文化向東方的傳播以及與東方文化的交流，這一時期又稱之為「泛希臘時期」。
這一時期的美術成就主要是雕刻，雕刻藝術形成了以不同的地區為中心的各種風格。
本土地區仍然保持著希臘古典傳統，技巧更為成熟。《薩摩色雷斯的勝利女神》以舒展旋轉的動作、生動自然的體態、迎風飄動的衣紋表現出勝利者喜悅的心情。人物面向海洋，佇立於船首形底座上，安放在懸崖峭壁，與環境交相輝映，構成有機的整體。
在埃及地區，風俗化雕刻流行。雕刻家表現了大量下層人物形象，如流浪漢、漁夫、乞丐、醉漢等，也著重於生活細節描寫，如《小孩與鵝》表現了兒童與動物嬉戲的生動情節。

小亞細亞地區的柏加摩斯是希臘化時期的藝術中心之一，在這里史珂珀斯的悲愴風格得到了繼續發展。《柏加摩斯宙斯祭壇》是其代表作。這一祭壇是為了紀念對高盧地區的征服而建的，期中祭壇浮雕表現了眾神與巨人之戰的情節，戰斗的場面十分激烈。還有一組高盧人的圓雕，表現了強悍的異族人被打敗後的倔強、痛苦，如《垂死的高盧人》、《殺妻後自殺的高盧人》。羅德島的《拉奧孔》在風格上接近柏加摩斯風格，表現了悲劇性情節中人物的痛苦扭動和掙扎。

希臘化時期，肖像雕刻得到了發展，出現了歌頌帝王和獨裁者的肖像。這些肖像的最大特點是強調非凡的個性，出現了理想化與個性化相結合的傾向，如《亞歷山大肖像》。同時也出現了許多哲學家、詩人、作家的肖像。
縱觀各個時期的作品,可以總結出古希臘藝術有以下幾個特點:
第一、希臘的奴隸制不同於埃及,帶有較多的民主和自由的色彩,故在美術作品中不僅反映奴隸主貴族的審美觀,同時也反映廣大自由民族階層的理想和要求。第二、古希臘美術和古希臘神話傳說有密切關系。古希臘美術家是照生活中的人來描繪塑造神的,所以他們創作出來的藝術形象頗有人情味和生活情趣,神人同性同體。第三、希臘重視表現現世生活的樂觀,美術作品中的人物形象多是歡樂的.

第四、希臘是個航海國家,一定程度上影響著其藝術風格,較開闊,不保守。第五、古希臘的藝術家把肉體的萬沒看作是神明的特徵,對裸體的崇尚是人本主義的產物,表現完美的人體當作最高的理想。第六、古希臘的建築強調明快節奏,講究勻稱的構圖。
然而，當羅馬征服希臘,希臘的世界文化中心地位就被羅馬所取代。這是否意味希臘藝術的消逝?不! 古希臘藝術永不消逝!
在軍事上,羅馬人是勝利者,然而,在藝術上,他們卻是希臘人的
「俘虜」.古希臘藝術一直影響著羅馬藝術,也一直影響著整個人類藝術的發展,馬克思曾說:
「……他們還能繼續供給我們以藝術的享受,而且在某些方面還作為一種標准和不可企及的規范.」
恩格斯在《反杜林論》書中提到:
「沒有希臘和羅馬奠定的基礎,就不可能有現代的歐洲,」古希臘是西方文明的搖籃,因此在西方文化界,存在 「
言必稱希臘」的現象.可見,古希臘藝術對後世有巨大的影響,由其是對歐洲.

文藝復興末期,希臘題材和風格的詮釋,中世紀的神話故事就是以羅馬詮釋為藍本的.最早的土耳其人統治下的雅典生活的西方人還以為現在叫希羅德.阿提庫斯劇院的地方是蘇格拉底學院呢.著名畫家拉菲爾曾畫過不朽的作品《雅典學院》.柏拉弟奧修建的別墅平面圖象一個希臘十字,它的主廊選用了愛奧尼亞柱式,整個結構都按照規矩核准確計算的尺寸行事的.此外,仔細分析這個建築之後,人們還發現了在羅馬建築中潛藏著希臘要素.
希臘在現代藝術中的影響是巨大的,多種形式的.在芭蕾藝術中,新古典主義是一種早熟的時尚.尼任斯基在它的《法烏努斯》中,採用了一種希臘味道非常濃的風格,內中希臘要素令人感受強烈.

古羅馬文學指紀元前後繁榮於古羅馬政權（包括羅馬共和國和羅馬帝國）治下的文學。其主要語言是拉丁語。盡管古羅馬共和國誕生於公元前510年（擺脫伊特魯利亞王朝的統治），但按照慣例，真正意義上的古羅馬文學則從公元前240年算起
古羅馬的文化主要是繼承希臘文化而逐漸發展起來的。在希臘化時期，羅馬就輸入了許多希臘作品，加以翻譯和摹仿。在公元前146年羅馬滅亡希臘之後，更是將全部希臘神話、詩歌和戲劇據為己有，找了許多從希臘俘虜來的奴隸來做家庭教師，讓他們編劇作詩，並研究各種科學，這使得古羅馬文學染上了濃厚的希臘色彩。以神話為例，同希臘文化接觸後，許多羅馬的神祗便同希臘的神祗結合起來。如羅馬人信奉的主神朱庇特便等同於希臘的宙斯，他的妻子朱諾則等同於赫拉。至於太陽神阿波羅和文藝女神繆斯等則直接進入羅馬神話，連名字都沒有變。
質朴務實的傳統美德 、熱愛祖國的強烈情感 、虔誠敬神的宗教態度 、遵紀守法的習慣風氣 、求實致用——羅馬文化最重要的特徵
建築藝術方面則以圓為主。
當然，古羅馬文學也並非全是古希臘文學的仿造品，因為它畢竟是羅馬社會的產物，其採用的語言是拉丁語。在西方學術界，古羅馬文學被認為是廣義的拉丁文學的一部分。與古希臘海洋民族不同，古羅馬屬於內陸民族，主要以耕牧方式生存，具有上古農民和牧民粗鄙、蒙昧、淳樸的特點。建國之後的古羅馬崇尚武力，追求社會與國家、法律與集權的強盛與完美，其文學具有更強的理性精神和集體意識，具有庄嚴崇高的氣質，卻也缺少希臘文學生動活潑的靈氣和無拘無束的兒童式的天真爛漫。古羅馬文學在藝術上強調均衡、嚴整、和諧，重視修辭與句法，技巧上偏於雕琢與矯飾。
詩歌

早期的古羅馬詩人中頗多全能型作家。詩人埃紐斯（前239－前168）不僅改寫和創作過悲劇，而且還寫過戲劇和4至6卷諷刺詩。他的史詩《編年史》追溯羅馬的歷史，始於埃涅阿斯的經歷，止於作者生活年代的戰爭，洋洋18卷篇幅，不過已基本散佚，僅剩不到600行傳世。從文學史角度看，《編年史》擯棄了古老的神農格，採納了荷馬史詩所用的六步音長短短格。但在風格上，有明顯的模仿荷馬的痕跡。埃紐斯對古羅馬文學影響深遠，西塞羅、盧克萊修和維吉爾都表示自己曾受其影響，他被尊為「古羅馬文學之父」。

喜劇

普勞圖斯（約前254年－前184年）精通古希臘文，是共和時代最著名的劇作家。相傳普勞圖斯著有戲劇130部，但據考證僅有21部出自他的手筆，其他均系後人偽作。他的喜劇主要以希臘新喜劇作家米南德的風俗喜劇為藍本改作，諷刺羅馬社會的腐化風習。其主要作品包括《孿生兄弟》、《俘虜》、《商人》、《驢》、《蝗蟲》等。

泰倫提烏斯（前190年－前159年）生於迦太基，本是奴隸，後來獲釋。他一生共寫過六部喜劇，包括《婆母》、《兩兄弟》等代表作品都是從古希臘新喜劇改編或翻譯過來的。其喜劇結構嚴謹、語言文雅但欠生動，人物內心矛盾刻畫細膩，人物形象自然。他的喜劇不如普勞圖斯的滑稽有趣，在當時僅受到有教養的觀眾喜愛。泰倫斯對後世的喜劇產生了相當大的影響，法國的莫里哀、英國的斯梯爾和謝里丹都曾模仿過他的作品。
羅馬的雕刻

羅馬的雕刻藝術是師承希臘的，但與希臘相比又有其特點。

一、羅馬雕刻藝術帶有貴族氣息，人物雕像大多以貴族、帝王為主。

二、人物形象不及希臘生動、秀麗、而更多嚴竣、矜持的神情，但強調真實和個性。

三、缺乏希臘雕刻中那種豐富的想像力，對力量和動態美的刻劃，人物大多陷於凝神沉思中。

代表性作品：屋大維像、《馬克·奧里略騎馬銅像》 、佛拉維貴夫人像等。還有和平祭壇、紀功柱和凱旋門上的浮雕等。
古羅馬的建築藝術是古希臘建築藝術的繼承和發展。古羅馬的建築不僅藉助更為先進的技術手段，發展了古希臘藝術的輝煌成就，而且也將古希臘建築藝術風格的和諧、完美、崇高的特點，在新的社會、文化背景下，從「神殿」轉入世俗，賦予這種風格以嶄新的美學趣味和相應的形式特點。建築的基本原則應當是「須講求規例、配置、勻稱、均衡、合宜以及經濟」。這可以說是對古羅馬建築特點及其藝術風格的一種理論總結。在這些特點中，顯然仍有著古希臘建築的和諧、完美、崇高的風格內容，但是「合宜以及經濟」的杠桿，又顯然將古希臘建築風格的「神」意，轉變為了世俗的人意。這一點，可以直接地從建築類型、建築外觀的設計方面看出。
古羅馬建築是古羅馬人沿習亞平寧半島上伊特魯里亞人的建築技術，繼承古希臘建築成就，在建築形制、技術和藝術方面廣泛創新的一種建築風格。古羅馬建築一般以厚實的磚石牆、半圓形拱券、逐層挑出的門框裝飾和交叉拱頂結構為主要特點。
古埃及藝術的特點：風格穩定、等級分明，在寫實風格的基礎上進行理想化的表現，其風格壯麗、宏偉、明確。有著嚴格的規范，如正面律：人物頭部以正側面表現，眼睛、肩為正面、腰部以下為正側面

2. 法國有哪些特點

法國風土人情
交際習俗
注重服飾的華麗和式樣的更新。婦女視化妝和美容為生活之必需。時間觀念強，工作計劃性強，奉行「女士第一」的原則。習慣行握手禮，有一定社會身份的人施吻手禮。少女常施屈膝禮。男女之間，女子之間及男子之間，還有親吻面頰的習慣。社交中不願他人過問個人私事。反感向婦女贈送香水及初次見面就送禮。
信仰禁忌
大多信仰天主教。忌「13」和「星期五」。忌黃色和墨綠色。忌孔雀和仙鶴。視菊花、杜鵑花與核桃等為不祥之物。喜愛藝術和娛樂活動。
飲食特點
法國人會吃，也講究吃。法國菜風靡世界。法國人喜歡吃蝸牛和青蛙腿，最名貴的菜是鵝肝。喜歡喝酒。法國菜的特點是鮮嫩。法國人也非常喜歡中國菜。
服飾
法國時裝在世界上享有盛譽，選料豐富、優異，設計大膽，製作技術高超，使法國時裝一直引導世界時裝潮流。在巴黎有2000家時裝店，老闆們的口號是：「時裝不賣第二件」。而在大街上，幾乎看不到兩個婦女穿著一模一樣的服裝。目前高級時裝最有名的有：「吉萊熱」、「巴朗夏卡」、「吉旺熙」、「夏奈爾」、「狄奧爾」、「卡丹」和聖洛朗」。近年來，特別引人注目的是巴黎女郎的裙子，其式樣之多。款式之新，在別國很難見到。法國人是把收入的最小部分用於穿著的歐洲國家，法國人一般很注意服裝方面的鑒賞力，也接受比較便宜的而不十分講究的仿製品。
小動物
當今法國家庭，對小動物恩寵倍加，不惜耗費巨金收買哺養。有一半以上家庭飼養各種小動物，總頭數在3000萬只以上。1/3的家庭養狗，狗的數量已近4萬條。各種狗醫院、狗服裝店屢見不鮮。動物不僅給法國人帶來了樂趣，也造成一定災難。法國每年發生狗傷人的事件50多萬起。
禮儀
法國是一個講文明禮貌的國家。對婦女謙恭禮貌是法國人引以自豪的傳統。法國人見面打招呼，最常見的方式莫過於握手。不過握手時一是握時間不應過長，二是沒有必要握住人家的手使勁晃動。一般是女子向男子先伸手，年長者向年幼者先伸手。上級向下級先伸手。
吻
法國是第一個公認以吻表示感情的國家。法國人的吻有嚴格的界限：他們在見到久別重逢的親友、同事時，是貼貼臉或頰，長輩對小輩則是親額頭，只有在愛人和情侶之間，才親嘴或接吻。
婚俗
結婚前先訂婚，儀式簡單，一般由女方的家長宴請男方的家長及兄弟姐妹，也可同時邀請其他親戚、甚至一兩名好友出席。婚禮也已逐漸簡化，但仍不失為最隆重的家庭節日，帶有庄嚴神聖的色彩。婚禮由市長或他的一名副手主持，習慣上是在周二、四、五、六早9時至下午5時之間。婚後大宴賓客。法國農村有的地方在婚前要簽訂財產婚約並辦理公證。婚約中要寫明未婚夫婦的全部財產、未婚妻的嫁妝和未婚夫的產業。婚齡紀念在民間已成為一種喜慶的風俗。女子守寡300天後，或宣布與丈夫分居300天後可以再嫁，男子則無時間上的限制。
聖靈節
每年11月1日聖靈節，相當於中國的清明節。法國人習慣上在這一天去墓地祭奠，緬懷為國捐軀的先烈。聖喀德琳娜節 巴黎「大齡女青年」的節日。每年11月25日這一天，年滿25 歲而尚未婚配的姑娘們到喀德琳娜塑像前獻一束鮮花，再到大時裝店跳舞，飲酒狂歡，最後選出一位最美的姑娘作為節日的王後。
用餐習慣
法國人把烹調看成是一門藝術,法國菜也確實風糜全球。在法國一日三餐通常是這樣安排的。 早餐:麵包、咖啡、熱巧克力； 午餐:午餐是法國人最重要的一餐,一般在下午一點左右, 晚餐則在九點以後。法國人社交的正餐一般要持續兩小時以上,開始先是開胃菜,然後是魚或義大利面條,再才是主菜,主菜還附帶許多生菜、沙拉、乳酪,水果,有時還有甜點心,餐後咖啡也必不可少。
1）社交禮儀

與英國人和德國人相比，法國人在待人接物上表現是大不相同的。主要有以下特點：

第一，愛好社交，善於交際。對於法國人來說社交是人生的重要內容，沒有社交活 動的生活是難以想像的。

第二，詼諧幽默天性浪漫。他們在人際交往中大都爽朗熱情。善於雄辯高談闊論，好開玩笑，討厭不愛講話的人，對愁眉苦臉者難以接受。受傳統文化的影響， 法國人不僅愛冒險，而且喜歡浪漫的經歷。

第三，渴求自由，紀律較差。在世界上法國人是最著名的「自由主義者」。「自由、 平等、博愛」不僅被法國憲法定為本國的國家箴言，而且在國徽上明文寫出。 他們雖然講究法制，但是一般紀律較差，，不大喜歡集體行動與法國人打交道，約會必須事先約定，並且准時赴約，但是也要對他們可能的姍姍來遲事先有所准備。

第四，自尊心強，偏愛「國貨」。法國的時裝、美食和藝術是世人有口皆碑的，再此影響之下，法國人擁有極強的民族自尊心和民族自豪感，在他們看來，世間的一切都是法國最棒。與法國人交談時，如能講幾句法語，一定會使對方熱情有加。

第五，騎士風度，尊重婦女。在人際交往中法國人所採取的禮節主要有握手禮、擁抱禮和吻面禮。

（2）服飾禮儀

法國人對於衣飾的講究，在世界上是最為有名的。所謂「巴黎式樣」，在世人耳中即與時尚、流行含意相同。

在正式場合：法國人通常要穿西裝、套裙或連衣裙，顏色多為藍色、灰色或黑色，質地則多為純毛。

出席慶典儀式時：一般要穿禮服。男士所穿的多為配以蝴蝶結的的燕尾服，或是黑色西裝套裝；女士所穿的則多為連衣裙式的單色大禮服或小禮服。

對於穿著打扮，法國人認為重在搭配是否得法。在選擇發型、手袋、帽子、鞋子、手錶、眼鏡時，都十分強調要使之與自己著裝相協調相一致。

（3）餐飲禮儀

作為舉世皆知的世界三大烹飪王國之一，法國人十分講究飲食。在西餐之中，法國菜可以說是最講究的。

法國人愛吃麵食，麵包的種類很多；他們大都愛吃乳酪；在肉食方面，他們愛吃牛肉、豬肉、雞肉、魚子醬、鵝肝，不吃肥肉、寵物、肝臟之外的動物內臟、無鱗魚和帶刺骨的魚。

法國人特別善飲，他們幾乎餐餐必喝，而且講究在餐桌上要以不同品種的酒水搭配不同的菜餚；除酒水之外，法國人平時還愛喝生水和咖啡。

法國人用餐時，兩手允許放在餐桌上，但卻不許將兩肘支在桌子上，在放下刀叉時，他們習慣於將其一半放在碟子上，一半放在餐桌上。

（4）習俗禁忌

法國的國花是鳶尾花。對於菊花、牡丹、玫瑰、杜鵑、水仙、金盞花和紙花，一般不宜隨意送給法國人。

法國的國鳥是公雞，他們認為它是勇敢、頑強的直接化身。
法國的國石是珍珠。
法國人大多喜愛藍色、白色與紅色，他們所忌諱的色彩主要是黃色與墨綠色。
法國人所忌諱的數字是「13」與「星期五」。

在人際交往之中，法國人對禮物十分看重，但又有其特別的講究。宜選具有藝術品味和紀念意義的物品，不宜以刀、劍、剪、餐具或是帶有明顯的廣告標志的物品。男士向一般關系的女士贈送香水，也是不合適的。在接受禮品時若不當著送禮者的面打開其包裝，則是一種無禮的表現

3. 各國藝術留學優勢大比拼 該選哪個

1、美國：選擇較多，包容性強
美國可供選擇的藝術類院校非常多，專業上涵蓋全部的藝術類專業。無論是否有專業背景，只要作品集和語言達到學校的要求，都會拿到比較理想的offer。部分學校還有雙錄取，可見美國藝術學院的包容性較強。
美國由於東西部學院風格差異比較大，所以對作品集的傾向也不同。有的學校喜歡綜合能力強，有的則期望見到學生在某個領域鑽研較深。作品集要根據不同學校的要求，有的放矢的准備。
2、英國：對設計功底有要求
美國之外，英國近年來在藝術留學方面也呈現逐年上升的趨勢。不僅有時尚設計，工業設計，空間設計，珠寶設計，平面設計等傳統熱門;時尚管理、策展等也是後起新秀。
英國的風格是比較注重創意極其表現，對學生的設計思維和設計功底有比較高的要求。尤其是倫敦藝術大學、皇家藝術學院之類的學院，入學門檻非常嚴格。
3、法國：底蘊深厚，寬進嚴出
在藝術領域，法國和義大利在世人眼裡都是自備光環的選擇。法國的藝術專業分為兩大類：造型藝術和實用藝術。造型藝術包括油畫，雕塑，建築設計，攝影等藝術性較高的課程;實用藝術包括室內裝飾，設裝設計等實用性課程。選擇好學習方向，對於學生今後的就業非常重要。
特別需要注意的是，法國的特點和英國不同，法國是典型的寬進嚴出型，入學門檻看似較低，但畢業率還需慎重考慮。
4、德國：追求經典 理論較強
創新性方面不像英美等國家那麼狂熱，相反，德國更加呈現出一種崇拜經典的趨勢，對品質的追求非常狂熱，這也是德國藝術風格和其他國家的區別。
工業產品設計 是嚮往去德國藝術留學的學生最大的選擇，門檻不算高，但語言方面要格外注意。
5、義大利：文藝之都，藝術留學聖地
身文藝復興的搖籃，義大利的藝術氣息深入整個國家的骨子裡，赴義大利留學的學生，選擇藝術類的竟然高達80%。
在專業選擇方面，義大利的純藝術、展覽、服裝設計、時尚及奢侈品、古籍修復等專業比較好，對未來就業的方面也是上佳選
6、澳大利亞：最融合東方的西方設計
移民文化給澳大利亞帶來了多元化的藝術氛圍和獨特的設計風格。融合了東西方是優點，相對比較自由，更能激發學生自身的優勢和天賦。所以，對作品集要求方面，澳大利亞也比較看中學生的多元化展示。
藝術生想要申請到澳洲名校讀藝術專業，首先需要申請澳洲大學的預科課程或者快捷大一課程

4. 求流浪貓鮑勃英文影評

The story of a cat changing the life of a man on the margins of society has an inspiring positive energy.

The film is not only a talking point for cat owners, even those who have never owned a cat will be moved to tears by the warm scenes in the film.

In particular, the director used Bob's subjective perspective as the shooting screen also has a fresh feeling, is a healing warm heart film.

譯文：該片中一隻貓改變一位社會邊緣人一生的情節，具備鼓舞人心的正向能量。

該片不僅是貓奴們的話題焦點，就算沒有養過貓的觀眾，也會被片中的溫馨情節感動到眼眶泛淚。

尤其導演這次運用Bob的主觀視角作為拍攝畫面也具新鮮感，是一部療愈系暖心電影。

主角介紹

詹姆斯，落魄的街頭藝人和癮君子，過著朝不保夕的混沌生活，被毒品、酒精和絕望包圍。某天，詹姆斯在家門口發現一隻腿受傷的流浪貓，他沒有因為經濟壓力棄它不顧，反而耐心照顧它直到康復。

鮑勃的出現，讓詹姆斯的生活發生了巨大的變化。他靠著頑強的毅力和鮑勃不離不棄的陪伴，終於戒除了可怕的毒癮，並逐漸步入正常的生活軌道。

5. 藝術生出國留學：到底該選哪個國家

近年來，由於國內藝術類院校少、競爭過度，而且國外藝術發展歷史悠久、院校教學資源豐富、語言門檻相對較低，所以，大多數藝術生都選擇去國外藝術留學。可是，藝術生出國留學最適合選擇哪些國家呢？

6. 法國批判現實主義美術及特點

法國批判現實主義美術

「批判現實主義」是十九世紀盛行於歐洲的一種現實主義文藝思潮。它以暴露和批判現實為主要特徵，故稱「批判現實主義」。

提出「批判現實主義」並給它下定義的是高爾基。高爾基說：「資產階級的『浪子』的現實主義，是批判的現實主義；批判的現實主義揭發了社會的惡習，描寫了個人在家庭傳統、宗教教條和法規壓制下的『生活和冒險』，卻不能夠給人指出一條出路。批判一切現存的事物倒是容易，但除了肯定社會生活以及一般『存在』顯然毫無意義以外，卻沒有什麼可以肯定的。」

「批判現實主義」思潮曾經在歐洲取得了巨大的成就。十九世紀二十年代，批判現實主義開始形成並獲得初步的發展，從三十到四十年代，批判現實主義繼浪漫主義之後，成為歐洲文學藝術的主要潮流。

（我認為，「批判現實主義」這個詞是一個有強烈意識形態色彩和政治偏見的詞語，西方直接就是叫「現實主義 Realism」或者「寫實主義」，我們把這一章理解成法國19世紀現實主義美術就可以）

庫爾貝 (Gustave Courbet，1819-1877年)

居斯塔夫·庫爾貝出生於法國東部小鎮奧南，祖父是法國1789年大革命的雅各賓黨人，父親是葡萄園主，後來做過地方行政長官，庫爾貝幼年就接受過革命思想影響。29歲的庫爾貝到巴黎學習法律，後來竟成了自學成功的畫家。庫爾貝天生具有濃烈的藝術氣質，他的自我為中心的意識很強，總是以俯視的高傲神態看待世界和人生，他十分關心社會，積極參加革命活動，巴黎公社時期曾任公社委員和藝術家協會主席，他的名字和所有巴黎公社的英雄並列，在藝術中主張現實主義，他宣稱：「現實主義藝術就其本質來說是民主的藝術。」他所創造的藝術，是不加人工修飾再現他周圍的現實生活。

庫爾貝是一個天生性格直率的男子漢，那些學來的社會習氣絲毫掩蓋不住他那真正的陽剛氣概。他的一生命運多舛，不僅因為他爭強好勝，有虛榮心，主要是他對被壓迫者富有同情心和正義感，所以他獻身於無產者革命事業，為這個理想，他可以犧牲一切。19世紀中期庫爾貝已經是位有世界聲譽的畫家，受到世界進步人士愛戴，拿破崙三世為收買他，授給他榮譽勛章，卻被他拒絕了，他說：「除了自由制度外，他從未從屬過任何其他制度」。他贏得人民給予的最大榮譽和愛戴，1870年巴黎美術家擁護他為國家藝術品保管委員會主席。巴黎公社失敗後，他被捕入獄、示眾、罰款，最後被迫流亡瑞士，死於貧病交加之中，終年58歲。
庫爾貝重要代表作：
《奧南的葬禮》（A Burial at Ornans，1849-50，Oil on canvas，314×663 cm）
畫家所描繪的是他家鄉的風俗場景，這種地方性的葬禮往往也是當地各式各樣人物出現的場合，有官吏、商人和神父之類的頭面人物，也有死者的親屬友人。一般人物的表情神態都是嚴肅而冷漠的，唯有死者的親屬才顯出哀悼情態。這里所畫的是風俗場面，實際上是奧南地方一群人的肖像，畫家以嚴謹朴實的藝術語言，精確地塑造了眾多人物肖像，其中有畫家自己家庭的成員。當這幅畫問世時，受到官方評論的指責，說它是「粗俗的、片面的，不懂得起碼的繪畫規則」。然而卻受到青年畫家們的歡迎，他們稱贊「這幅畫是以令人驚異的技巧畫成的，風景的色彩具有絕妙的透明感，以及那些紅、白、青各色的調子，使整個畫面為之豐富起來」。在這幅畫中畫家以紀實的形式，不加任何修飾和美化，描繪了這真實而平凡的生活場面，因此有人說這幅畫是「浪漫主義的葬禮」。
《畫室》（The Painter』s Studio，A Real Allegory ，1855，Oil on canvas，361×598 cm）
《畫室》的全名叫《畫家的工作室——一個現實的寓意，概括了我7年來藝術生活的情況》。畫家的立意在於展示自己從1848年以來的藝術創作生涯，並寄寓一種意味深遠的社會哲理。畫家把7年來對生活和思想有影響的朋友和他曾經畫過的模特兒集中畫在一個畫面上。另外還集中了上流社會各個階層的形象，表現一個法國社會的縮影。
在這幅畫中描繪了三十多人，每個人物都有自己的寓意：畫面中間是畫家自己正在畫一幅風景，畫前小孩代表「無邪的眼睛」；裸體女模特兒代表畫家心目中的繆斯，或真理；畫幅背後一個十字架上釘著聖徒聖賽巴先，代表僵死的學院派藝術。圍繞這個中心畫面分成兩部分：右邊坐著看書的是詩人波德萊爾，他象徵「詩」；前面站立一對男女，為「繪畫的鑒賞者」；依次每個人都有象徵意義：「散文」、「哲學」、「音樂」等。畫的另一部分，大多是畫家畫過的模特兒，可謂集社會上之三教九流，他們被隱喻為貧困、憂郁、被損害者和被剝削者。總之畫中出現的人和物都有一定的寓意，看來十分費解，但它體現了畫家的民主思想和現實主義的藝術方向。有人說他的這幅畫是驕傲的抒發、感傷的回憶，以及十足的沾沾自喜，賦予了整個的構圖以如此天真和溫暖的生命力，如此的真摯感，以致它並不顯得可笑。還有人說他以高超的表現技巧挽救了一個本來是非常幼稚的構思。但是人們不得不承認這幅畫構圖的完整、畫面氣氛的和諧，以及色彩的統一是無與倫比的，畫面中心的裸體更是美妙絕倫。有人認為丟在地上的粉紅色衣服就是一幅極好的靜物畫。這幅巨畫顯示了畫家很強的把握復雜構圖的能力以及畫家寫實的造型和色彩技巧，畫的物象具有充分的質感和量感，這一切都表明庫爾貝是偉大的現實主義大師。1855年，巴黎舉辦世界名畫展覽，評審委員會拒絕接受庫爾貝的這幅《畫室》，原因是太具有社會主義性質。於是畫家決定就在世界名畫展附近租一間房子單獨展出這件作品，並題名為「現實主義展覽館」，同時發表「現實主義宣言」，現實主義藝術流派因此得名。
《雷雨後的峭壁》（The Cliffs at Etretat after the Storm，1870?）
在這幅描繪海邊斷崖的海景畫中，庫爾貝運用挺拔的線條與堅硬的塊面，塑造了剛勁有力的斷崖峭壁，有陽剛之氣。畫中色彩的豐富變化和明亮度的提高所構成的純形式魅力，是他早期作品所無法比擬的。其粗獷的大刀闊斧的「庫爾貝式」刮刀筆觸，使畫面形象簡潔而充滿了力度感，使人感覺鏗鏘有聲。正是這些使莫奈等年輕的印象派畫家十分欽慕贊嘆，並在自己的作品中也嘗試用「庫爾貝式」的畫法。風平浪靜的大海、陡峭的山崖在陽光照射下，放射著絢麗豪華的壯美氣質，這正是庫爾貝精神氣質的再現。
《睡》（Sleep，1866，Oil on canvas，135x200cm）
庫爾貝在40歲以後越來越多地迎合巴黎人的欣賞趣味，不再畫那種粗壯有力的裸體，而去描繪巴黎的雅緻的裸女了。他於1866年畫的這幅《睡》受到公眾的歡迎，上流社會冷淡的善意歡迎卻受左拉的責難，說他轉到了敵人的營壘：「庫爾貝是一個強有力的智者，恰恰是當他已經失去了自己的一部分力量時，人們才開始贊賞他」。
此外，庫爾貝還有很多優秀的自畫像。
我們這里所說的現實主義是法國藝術發展進程中一種獨特的藝術現象，專指19世紀產生的藝術思潮，當時人們稱之為「寫實主義」，這個流派無疑是使用現實主義藝術創作方法的。它的哲學觀是求真求實，導致它的美學觀是以真為美、以實為美，它是寫實主義的主要特徵。
法國社會中的對立和斗爭，反映到畫壇上就成為古典主義與浪漫主義的爭論，一部分畫家對此種種不屑一顧，悄悄地進入巴黎郊區楓丹白露森林附近的巴比松村，他們都無限熱愛大自然，主張到大自然中去直接描繪豐富多彩的風景，他們把描繪自然的豐富奇偉、優美秀麗和內在生命作為終生追求。他們從不把自己的藝術信仰強加於他人，因為都居住在巴比松村，共同描繪大自然，所以這群畫家被稱之為「巴比松畫派」 （Barbizon School），主要代表是盧梭、科羅、特羅容等。
盧梭 (Théodore Rousseau，1812-1867年)
泰奧多爾·盧梭被認為是巴比松畫派中最光輝最敏感的代表，科羅稱他是「藝術上的革命家」。盧梭出生於巴黎的一個裁縫家庭，母親的親屬中有畫家和雕刻家，他在外婆家受到最初的藝術影響，立志要做一個畫家。他初師表舅——風景畫家聖馬當，爾後入雷蒙畫室。16歲去楓丹白露森林作畫，開始加入巴比松畫家行列，他是第一個定居巴比松村的畫家。盧梭很窮，因此不能像科羅那樣廣游他鄉，當他名利俱來時，只是將茅屋換成磚瓦房而已。他一生酷愛自然，如痴如醉，他常常帶著牛奶和麵包從早到晚不停步行於自然中觀察、寫生，爾後創作。盧梭作品的新意，用米勒的話說是「有力，首先是有力」。在盧梭的風景畫中，所表現的是法國鄉村景色的陽剛氣質美，他非常重視塑造自然界物體的堅實造型，注重構圖所能顯示的意境和對光的描繪，光在他的畫中不是一個憑借物，而是主題生命之外溢。光是大自然的生命，被巴比松畫派捕捉到了，並嘗試表現出來了，這就啟發了後來的印象畫派。
盧梭代表作有：
《山谷中一村莊》（A Village in a Valley，1820s late，23.2×40.6 cm，Oil on paper，mounted on canvas）
《諾曼底市場》（Market-Place in Normandy，1830s，29.5×38 cm，Oil on panel）
科羅 (Jean-Baptiste-Camille Corot，1796-1875年)
讓·巴蒂斯特·卡米耶·科羅的一生就像是一首才華橫溢的優秀詩篇。1796年他誕生的那一年，是法國大革命的風暴和拿破崙戰爭之間的過渡時期。他在流血和恐嚇、野心和偏執、仇恨、欺詐報復的年代中成長。但他並沒有被那年代的野蠻和愚昧所玷污。他的父親是個理發師，母親是位服裝師，勉強也算個藝術家，他們都是心地光明的人。父母希望兒子成為商人，父親願意出10萬法郎讓兒子去經商，可是科羅沒有接受這個實惠的建議，他要畫畫。這使父母親大為失望：「天哪！誰會想到我們的兒子這么不成器！」科羅堅持要畫畫，父母只好依從了，每年給他1200法郎，讓他去搞他那瘋狂的冒險。天曉得科羅直到44歲時才賣掉他的第一幅畫。
科羅曾兩次訪問過義大利，據說不是去研究義大利藝術大師的技巧，而是去欣賞義大利天空的美麗，他一生只以大自然為師，從不臨摹，總是直接寫生。他說，不要仿效別人，仿效別人總要落在人家的後面，你必須朴實無華地、按著自己的情趣去描繪大自然，絲毫不要受古代大師或當代畫家的影響。只有這樣，你才能畫出具有真實感情的作品。要遵循自己的信念，千萬不要作其他畫家的應聲蟲。科羅一生崇拜大自然，作畫忠實於自然，從不誇張自然的顏色，決不過分渲染他的畫面。他對自然忠誠勝於一切。
他終身未娶，對人說：「我唯一的情婦就是大自然。我的一生只對她忠誠，永不變心。」他在臨終前還想再看一看自然界的景色。科羅早期的風景畫受古典主義的影響，多表現在他的義大利風景畫中。而他的法蘭西風景畫才真正體現了他的藝術成就。
科羅的重要代表作是《夢特楓丹的回憶》（Recollection of Mortefontaine，1864，65×89 cm，Oil on canvas）
夢特楓丹位於巴黎北方桑利斯附近，是個景色迷人的地方。畫家在那裡，被這仙境般的美景所傾倒，這幅風景畫就是對那裡美麗景色的回憶。
在鄉村的湖邊，一個晨霧初散的時刻，清新的晨風交融著湖面散發的水氣，朦朧一片，溫潤的花草和林木的枝葉吐露著芳香，被風吹斜的古樹覆蓋畫面大部空間，另一棵枯樹曲折向上升華與之呼應，使畫面十分平衡和諧，樹木枝條的順勢造成一種流動感，從中可以領略到自然的生機。畫面中間景色是一片平滑如鏡的湖面，透過薄霧的陽光灑在湖面和草地上，四處綻開的小花，映襯著茸茸綠草，更顯現出大自然的無窮魅力。科羅喜歡在美麗的大自然中點綴人物活動，使自然與人構成藝術生命的整體。在這幅景色中，他畫了一位身著紅裙的女子正仰首摘取小樹上的野果，樹下有兩個孩子，女孩低頭采擷草地上的野花，男孩手指樹上的果子。
在這幅畫中仍含有古典主義的意蘊，如黃金律的構圖和均衡，但更多的是畫家的真情實感，科羅作畫愛添加枯枝，枝條曲伸多姿、輕飄搖曳，猶如美人翩翩起舞。色調輕柔，景物虛實中層次豐富，如夢如幻。科羅多用暖色鋪染畫面，愛用銀灰色和褐色調子，因為這類色調具有寧靜感，能使燦爛的陽光和彌漫的雲霧更具朦朧詩意。
此外，科羅還有很多優秀的風景作品以及人物肖像作品。
米勒 Jean Franois Millet (1814-1875年)
在19世紀法國畫壇上，與科羅同放異彩的是別具風格、自成一家的農民畫家米勒。讓·弗朗索瓦·米勒出生在諾曼底省的一個農民家庭，青年時代種過田。23歲時到巴黎師從於畫家德拉羅什，畫室里的同學都瞧不起他，說他是「土氣的山裡人」。老師也看不慣他，常斥責他：「你似乎全知道，但又全不知道。」這位鄉下來的年輕人實在厭惡巴黎，說這個城市簡直就是雜亂荒蕪的大沙漠，只有盧浮宮才是藝術的「綠洲」。當他走進盧浮宮的大廳時驚喜地說：「我好像不知不覺地來到一個藝術王國，這里的一切使我的幻想變成了現實。」米勒在巴黎貧困潦倒，亡妻的打擊和窮困壓得他透不過氣來。為了生存，他用素描去換鞋子穿，用油畫去換床睡覺，還曾為接生婆畫招牌去換點錢，為了迎合資產者的感官刺激，他還畫過庸俗低級的裸女。有一次他聽到人們議論他說：「這就是那個除了畫下流裸體、別的什麼也不會畫的米勒。」這使他傷透了心。從此他下決心不再迎合任何人了，堅決走自己的藝術道路。1849年巴黎流行黑熱病，他攜家遷居到巴黎郊區楓丹白露附近的巴比松村，這時他已35歲。在巴比松村他結識了科羅、盧梭、特羅容等畫家，在這個窮困閉塞的鄉村，他一住就是27年之久。米勒對大自然和農村生活有一種特殊的深厚感情，他早起晚歸，上午在田間勞動，下午就在不大通光的小屋子裡作畫，他的生活異常困苦，但這並沒有減弱他對藝術的酷愛和追求，他常常由於沒錢買顏料就自己製造木炭條畫素描。他愛生活、愛勞動、愛農民，他曾說過：「無論如何農民這個題材對於我是最合適的。」他在巴比松的第一幅代表作品是《播種者》。以後相繼創作了《拾麥穗》和《晚鍾》等名作。
《播種者》（The Sower，1850，101.6×82.6 cm，Oil on canvas）
米勒定居巴比松村的第一幅作品是《播種者》，畫了一位頂天立地、身著紅藍短衫的青年農民，邁著雄健的步伐，在夕陽下撒播種子，他那深褐色的帽子與明朗的天空形成了強烈的明暗對比，傾斜的地平線和邁步的巨人形成有力的交叉。在米勒表現的農民題材中，始終將農民形象與土地緊密聯系在一起，作為大地的主人突出在畫面上。藝術批評家戈蒂埃看了這幅畫以後指出：「播種者好像是用泥土本身塑造出來的一樣。」從這幅畫中我們看了農民和土地生命與共的關系。
《收獲者的午餐》（Harvesters Resting，1850-53，67.3×119.7 cm，Oil on canvas）
農民在高大的麥垛旁歇息午餐，晚到的村姑靦腆地低著頭不敢入餐，而那個青年農民極力勸說，其他人也以期待的目光看著她，她那忸怩遲疑的神態純朴而憨厚。米勒的畫沒有一點矯揉造作，沒有一點粉飾和誇張，用真誠眼光把農民的生活情景再現出來，看他的畫就像是看生活本身一樣。米勒所塑造的人物從不著重細節的精微刻畫，而以人物的動勢傳達內在思想感情。
《拾穗者》（The Gleaners，1857，83.5×111 cm，Oil on canvas）
1857年畫家43歲時，完成了《拾穗者》。作品問世以後產生了驚人的社會反響，評論家憑著他們的敏感，從政治上作出論斷：「畫里有農民的抗議聲。」、「這3個拾穗者如此自命不凡，簡直就像3個同命運的女神。」還有人驚呼道：「在這3個突出在天空前的拾穗者後面，有農民暴動的刀槍和1793年的斷頭台。」事實上畫家並沒有他們想得那麼多，他只是把自己的經歷和感受畫出來而已。
這幅畫的生命就在於真實，這種真實能引起人們對那個社會的懷疑。米勒在他所有的畫中都採用了簡潔手法，表現豐富的內涵，他的思想觀點都通過真實的形象和場面自然地流露了出來。他創造了一種無與倫比的農民典型，他筆下的農民具有一種朴實、善良、憨厚和稚拙的美，永遠散發著泥土的氣息。米勒是偉大的農民畫家，他的藝術是公認的農村生活的庄嚴史詩。他用畫筆和顏色表達了農民對土地的依戀，也揭示了人類圍繞土地的喜悅與悲哀。人們稱米勒是「鄉巴佬中的但丁、土包子中的米開朗琪羅」。
杜米埃 (Honoré Daumier，1808-1879年)
奧諾雷·杜米埃是法國19世紀最偉大的現實主義諷刺畫大師。他出生於馬賽一個有文學修養的玻璃匠家庭，6歲時全家遷居巴黎，由於生活貧困，杜米埃少年時就自謀生計，曾當過聽差、店員，這使他深知官場齷齪和民間疾苦，產生民主思想和正義感。杜米埃20歲時師從於法國皇家博物館館長、畫家涅努瓦學習繪畫，爾後又隨布登學習，還在業余時向石版畫家拉米列學習版畫藝術。他最初從事版畫創作，以尖銳的藝術語言揭露和諷刺社會的黑暗，他的大量諷刺作品可稱之為「沒落階級集體形象的辭典」。已經40歲的杜米埃開始畫油畫，他的油畫仍如同諷刺畫一樣，造型不求形似，只重視色塊與形體的「神肖」。他往往以棕色和粉紅為基調，從文學名著和生活中選擇表現題材，以批判的藝術眼光審視自己所創造的形象，他說過「要做一個自己時代的人」。杜米埃的藝術生涯始終與法國的現實主義相聯系，他運用現實主義和浪漫主義相結合的藝術語言，塑造自己獨特的藝術形象。為了真理和正義，他一生坎坷，遭到過監禁、罰款，作品被銷毀，難以謀生。巴黎公社時投身於革命，被選為藝術家聯合會執行委員。拿破崙三世為籠絡人心，曾授予他「榮譽勛章」而被拒絕，他始終是位不屈的為正義奮斗一生的偉大現實主義大師。
杜米埃代表作：
《洗衣婦》（The Laundress，1863，48.9×33 cm，Oil on panel）
《兩位律師》（The two Attorneys，1855-57，20.5×26.5 cm，Oil on wood）
《唐·吉訶德與桑喬·班薩》（Don Quixote and Sancho Panza，1870，100×81 cm，Oil on canvas）
杜米埃具有強烈的浪漫主義精神氣質，對現實有著高度敏感和深刻的理解，並能以自己高度誇張的藝術語言表現出自己對社會生活的認識和評價。
唐·吉訶德是塞萬提斯創造的傳奇式人物，這個人物在杜米埃的心目中是一個崇高的形象，因為他敢於為理想去冒險，去赴湯蹈火。杜米埃以極富想像又極為誇張的造型來表現這個心目中的英雄。這幅畫的造型給人以現代派的感覺，具有強烈的表現主義傾向，人物形體僅取幻影形式，與這非現實的主題完全一致。在人物的面部沒有五官，這位俠義騎士昂首挺胸騎在那匹又高又瘦的馬上，與他旁邊那位只講實利的桑喬形象構成滑稽的對比，一個激烈，一個遲鈍，一瘦一胖，一高一矮，這是生活中不可調和的對立矛盾體。為了一個幻想目標，他們目空一切，自恃高傲。這個藝術形象隱含著深刻的人生哲理。杜米埃的造型完全憑感覺，色塊、筆觸和各種線條都成為一種精神符號，藉以傳達畫家心中的意象。

7. 奧地利為什麼是音樂王國那裡的人藝術細胞為什麼這么高

在西歐的中古有一個小提琴形狀的國家。那裡的文化讓人嚮往，那裡的音樂氣息更是，豐富濃郁。這個國家就是奧地利，位於德國的南部和瑞士的東部，雖然是個小國家，但是經濟文化都非常的強盛。而之所以被稱之為音樂王國，不僅僅是因為有維也納金色大廳，而那裡的人之所以藝術成就這么高，也得益於文化氛圍的熏陶。