俄羅斯西方藝術史學什麼

『壹』 藝術史論專業課程有哪些

藝術史論專業課程有《藝術學原理》、《藝術文化學》、《藝術心理學》、《藝術教育學》、《藝術傳播學》、《中國藝術學》、《西方藝術學》、《中國藝術史》、《亞洲藝術史》、《西方藝術史》。

藝術史論專業

藝術史論專業培養具備中外藝術史與藝術理論等方面的基本知識，能在各級文化部門、美術館、博物館，以及報紙雜志、廣播電視、出版機構、文化公司等單位工作的復合型人才。

該專業學生主要學習中外藝術學理論和中外藝術史方面的基本理論和基本知識一較為全面的熟悉各個藝術門類的基本知識，掌握藝術鑒賞與藝術批評方面的基本能力。

畢業生可以在文博系統、高考、美術研究院所、出版社等行業從事具有專業知識的鑒定、研究人員、教師和編輯等工作。

『貳』 關於 西方藝術史的 一些問題

1.阿爾塔米拉洞窟,拉斯科洞窟;
2.建築體量巨大，宏偉壯觀，具有強烈的崇高感；雕刻樸素寫實，整體性強，有觀念化、概念化和程式化的傾向；繪畫線條流暢優美，色彩豐富。現遺存一些金字塔、雕刻和墓室壁畫。埃及藝術是人類最早的文化遺產之一，具有重要的歷史價值和藝術價值。
3.古希臘、古羅馬雕刻 特別是古典時期和希臘化時期的雕刻，其共同特點是追求一種和諧的理想美。它的突出成就集中體現在人像（包括神像）雕刻，特別是人體雕刻上。古羅馬的雕刻，其成就集中體現在肖像雕刻上，其特點是既寫實而又個性化。
4.哥特式教堂的結構體系由石頭的骨架券和飛扶壁組成。其基本單元是在一個正方形或矩形平面四角的柱子上做雙圓心骨架尖券，四邊和對角線上各一道，屋面石板架在券上，形成拱頂。採用這種方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱頂重量輕，交線分明，減少了券腳的推力，簡化了施工。
為了增加穩定性，常在柱墩上砌尖塔。由於採用了尖券、尖拱和飛扶壁，哥特式教堂的內部空間高曠、單純、統一。裝飾細部如華蓋、壁龕等也都用尖券作主題，建築風格與結構手法形成一個有機的整體.
5.藝術成就:達·芬奇比之文藝復興時期中的任何一人，有更多的、領域更廣的幻想。他思想深邃、博學多才。他懷著永無休止的探索精神去研究自然和人生的一切奧秘，他把藝術和科學、理智和情感、形體和精神熔於一爐，繼承和發揚了前人的人文主義思想和現實主義表現手法，把藝術推進到一個前所未有的高度，為自然科學的發展作出了巨大貢獻。 達·芬奇是當之無愧的「文藝復興時代最完美的代表人物」。
代表作品:壁畫《最後的晚餐》、祭壇畫《岩間聖母》和肖像畫《蒙娜麗莎》是他一生的三大傑作.
開朗基羅代表了歐洲文藝復興時期雕塑藝術的最高峰，他創作的人物雕像雄偉健壯，氣魄宏大，充滿了無窮的力量。他的大量作品顯示了寫實基礎上非同尋常的理想加工，成為整個時代的典型象徵。米開朗基羅的藝術不同於達·芬奇的充滿科學的精神和哲理的思考，而是在藝術作品中傾注了自己滿腔悲劇性的激情。這種悲劇性是以宏偉壯麗的形式表現出來的，他所塑造的英雄既是理想的象徵又是現實的反應。
6、富麗堂皇而又新奇歡暢，具有強烈的世俗享樂的味道。炫耀財富，不囿於結構邏輯，充滿歡樂的氣氛，標新立異，追求新奇。 代表：貝尼尼
7、它在構圖上有意強調不對稱，喜用纖細、輕巧的婦女體態的造型和華麗繁瑣的裝飾，多選擇愉悅享樂輕松的題材，用愉快活潑的情調來表現社會生活和神話故事，特別是青年男女的愛情風流韻事。在這些作品中，著重刻畫男女調情的細節，甚至追求色相和肉感、性感的描繪，以這種感官刺激的藝術形象迎合上流社會醉生夢死的審美趣味。代表：華托、布歇、弗拉戈納爾
8、代表：馬奈、莫奈、德加、雷諾阿、畢沙羅
他們的藝術成就表現在幾個方面：捕捉瞬間的視覺印象、發現陽光下的色彩
、表現內容上的改變、繪畫模式的開拓、全新的繪畫語言，印象派在繪畫史上的突破是史無前例的。它對傳統寫實繪畫的顛覆是深層的，它並不反傳統，但尋找到了一種新的路，確立了不同的觀念目標和新的審美價值。
9、抽象繪畫已有八十餘年的歷史，它既不是前衛繪畫，亦非已過去的畫派，可說是西方繪畫傳宗接代的正統繪畫，直至目前仍方興不衰。抽象繪畫有部分的傾向與中國繪畫精神很接近，尤其與中國的文人畫，如抒情的和純繪畫性的，在構想上西畫也有許多借用中國「禪」的思想及中國畫面的空間虛實的利用等等。抽象藝術真可稱得上是二十世紀典型的藝術樣式，對於廣大民眾來說，它仍然像喜馬拉雅山一樣——太高、太遠，無從探測，不可理解。
你的問題也太多太大了，費了好久，你覺得還可以的話就加點分吧

『叄』 西方藝術史上有哪幾種關於藝術的本質論

美學史的藝術本質觀 1 模仿論：認為藝術是對現實的模仿
古希臘的赫拉克利特和德饃克里特都對此進行了論述，但是進行系統闡述的是柏拉圖和亞里士多德。前者的理論建立在客觀唯心主義的基礎上，而後者則是唯物主義的。
2 游戲論：認為藝術是不帶功利的游戲
席勒把「自由」理解為人精神上的解放和完善人格的形成。審美教育是人走向自由的必由之路。游戲是協調人的感性沖動和理性沖動的唯一途徑。斯賓塞認為藝術以以任何功利為目的，為人類的高級技能提供消遣，為他們的剩餘精力提供一條出路。
3 理念論：認為藝術是理念的感性顯現
4 情感論：認為藝術是情感的表現
托爾斯泰《藝術論》給藝術下了一個定義：作者所體驗過的感情感染了觀眾和聽眾。
5 直覺論：藝術是直覺的表現。

『肆』 西方美術史分為那些時期

1、中世紀是從公元2世紀開始到15世紀文藝復興之前的一段時期的統稱，2到5世紀是早期基督教美術時期，從5到15世紀被稱作拜占庭藝術時期。

2、文藝復興泛指14-16世紀，其中15世紀以前稱為前文藝復興時期，文藝復興正式開始還是從15世紀以後。

3、文藝復興後期還出現過樣式主義等流派。

4、巴洛克藝術的盛行時期是17世紀，同時盛行的還有現實主義、學院派之類18世紀歐洲藝術中心西移，法國出現過古典主義和洛可可風格。

5、19世紀主宰畫壇的有四種風格：新古典主義、浪漫主義、寫實主義、印象派這之前的流派基本都可以納入古典藝術范疇（印象派除外），從塞尚梵高高更等人的後印象派開始，以及之後的所有流派都被納入現代藝術范疇。

6、現代派藝術是發端於19世紀末的，盛行於20世紀前期，到了二戰以後又有了後現代派藝術，但現代派和後現代派都是屬於現代藝術的大范疇。

(4)俄羅斯西方藝術史學什麼擴展閱讀：

發展時期

古代美術

西方習慣把新石器末期到中世紀稱為古代，具體來說就是指公元前4000年（文字的出現）到公元476年（西羅馬帝國滅亡）。 主要包括美索不達米亞、埃及、希臘和羅馬時期的美術。

美索不達米亞（即幼發拉底河和底格里斯河之間的地區，又稱兩河流域）的雕塑，如巴比倫王國的「漢謨拉比法典」浮雕，亞述王國那些表現戰爭和狩獵的緊張場面、手法極為寫實、充滿激烈動勢的浮雕。

古埃及的龐大金字塔建築，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威嚴的獅身人面像。

古希臘的自由民主創造了具有民主思想的建築、雕刻和繪畫作品，其中留存於世的不少健美而優雅的雕刻形象，如《擲鐵餅者》、《米洛斯的維納斯》等，尤其具有無窮的魅力。

古羅馬美術承繼著古希臘的傳統，但羅馬人的美術更傾向於實用主義。規模巨大的科洛西姆競技場和萬神廟是古羅馬建築的傑出代表。而曾被維蘇威火山灰掩埋達1700多年的龐貝壁畫，則給我們展示了古羅馬繪畫的獨特面貌。

『伍』 藝術史論專業都學些什麼

藝術史論專業的就業范圍較窄,學生畢業後能從事美術教育、美術研究、文博藝術管理、新聞出版等方面的工作。
藝術概論、設計概論、美學、當代文藝理論、美術考古、中外美術史、中外工藝美術史、中外藝術設計史、藝術設計史料學、文化人類學、社會學等。
本專業培養具有系統的中外美術史和中外藝術設計史(含中外工藝美術史)及理論知識,能夠從事藝術研究等的高級應用性專門人才。 本專業教學以馬克思主義史學與文藝學原理作為指導思想,學生主要學習美術史論、美術教育等方面的基本理論、基礎知識和專業技能,以及與之關的文史哲知識,培養學生史與論相結合,理論與實踐相結合的良好學風。
1. 全面理解和掌握美術學的專業基本理論和基本知識;
2. 運用辯證唯物主義和歷史唯物主義的基本方法去闡述美術發展的規律;
3.具有較好的藝術鑒賞能力、邏輯思辯能力、綜合分析研究能力、理論表達能力;
4. 了解和關注美術學的理論動向及前沿課題;
5. 掌握文獻檢索、資料查詢的基本方法、具有一定的科學研究能力和實際工作能力。

『陸』 關於在國外留學學習藝術史專業的問題

呃，我在悉尼大學修藝術史，其實還好吧，art門下沒有幾科不需要大詞彙量的，我這邊中國人讀藝術史的不多，我說悉尼大學，tutorial的時候會比較麻煩，因為要大家討論對畫，雕塑或者建築，照片之類的感想，所以第一學期會比較慘，又很累，尤其是剛開始的一個月都要死了，我好不好還學了一門文藝復興史，好多宗教語言和拉丁語，義大利人的名字也超級難念，不過這門課倒是很有意思。藝術史念完了一般作評論或者電影，美術館之類的職業，3年畢業，二年級專業課，一年級有兩門必修，上半學期是電影類的，下半學期主要就是不同時期的美術品，巴洛克，洛可可什麼，從古至今主要是歐洲的。能堅持下來的話，這是挺有意思的一門課。但是論文超多，不過我這里一年級必修的兩門課不用期末考，就是有兩個大論文，這樣你到期末的時候就比別人輕鬆些，只是平常多泡泡圖書館就行了。當然這只是悉尼大學的情況， 順便說一句我也是不會畫畫雕塑啥的，所以想通過修藝術史走偏電影的major

『柒』 西方藝術史入門有哪些

藝術史是一門不斷發展中的學科，再權威的觀點也可能過時。盡管（西方）藝術史可以完全基於視覺上的形式分析，循著風格的演進加以講述，但最近幾十年來的新趨勢，是將其跟相關的社會與文化背景有機結合，從而加深讀者對藝術史的理解。

目前市面上流行的多種西方藝術史書籍，除了貢布里希的名著《藝術的故事》，實際上都是美國大學的藝術史導論教材。《藝術的故事》是一本適於入門的好書，我卻更青睞那些教材。說起來，導論教材的閱讀門檻其實與面向大眾的普及讀本相當，更具學術性又兼顧可讀性，且在系統性和嚴謹性上遠勝於後者。而那個讓《藝術的故事》如此成功的秘訣，同樣也融入了導論教材中。

什麼秘訣呢？貢布里希採用了一個比過往理論更具有解釋力的觀點來講述藝術史。那是一代代藝術家圍繞著「錯覺主義」，不斷進步並發展「再現性藝術」的歷史，說白一點，就是如何更好地在二維平面上表現三維世界的歷史。循著這樣一條主線，便有了從古埃及—希臘羅馬—中世紀—文藝復興—巴洛克—浪漫主義—印象主義最後到現代涌現各種流派的藝術史，它基於藝術風格的轉變，把原本碎片狀的歷史有效地黏合起來，成為各種教材敘事的範本。

『捌』 西方美術史的流派

野獸主義

20世紀初西方現代藝術開始形成，最初的前衛美術運動是「野獸主義」。
「野獸」一詞在這里是用來形容他們的繪畫作品中那令人驚愕的顏色，扭曲的形態，明顯地與自然界的形狀全然相悖。
在法國1905年的秋季沙龍展覽會展出了以馬蒂斯為首的九名青年畫家的作品，由於畫風令人驚愕，以致輿論嘩然。評論家路易·沃克賽勒看到在一片色彩狂野的繪畫作品中間有一件馬爾古所作的模仿義大利文藝復興初期雕塑家多那泰羅風格的作品，便隨口說了一句：「多那泰羅置身於一群野獸的包圍之中。」從此，這個畫家群體就被稱為「野獸主義者」。
以馬蒂斯為首的這群青年畫家不滿足於象徵主義的神秘色彩，主張色彩的徹底純化，以便更加清晰地表現畫家的感情。表現感情是野獸主義畫家的宗旨。
野獸主義畫家弗里茨給野獸主義下的定義是：「通過顏色的交響技巧，達到日光的同樣效果。狂熱的移寫（出發點是受到大自然的感動）在火熱的追求中建立起真理的理論。」
野獸主義的主要原則是通過顏色起到光的作用達到空間經營的效果，全部採用既無造型，也無幻覺明暗的平塗，手段要凈化和簡化，運用構圖，在表達與裝飾之間，即動人的暗示與內部秩序之間，達到絕對的一致。馬蒂斯說過：「構圖，就是以裝飾方法對畫家用以表達自己感情的各種不同素材進行安排的藝術。」
野獸主義畫家們廣泛利用粗獷的題材，強烈的設色，來頌揚氣質上的激烈表情，依靠結構上的原則，不顧體積、對象和明暗，用純單色來代替透視。馬蒂斯的老師莫羅曾對他說過：「你必須使繪畫單純化。」所以作為野獸主義始終的代表馬蒂斯頑強地使色彩恢復它本來具備的力量，單純和表現的意義。
野獸主義自1905年發端到1908年已趨消沉，爾後由立體主義所取代。

行動派繪畫

行動派繪畫又稱動作派，屬於抽象表現主義藝術。
在美國北卡羅萊納州黑山學院，素來採用美國教育的最激進的試驗，它沒有規定課程。在黑山學院及歐洲傳入的先鋒派思想中，有一種超現實主義自動化的藝術理論，西班牙畫家米羅實踐了這種理論，他把顏料濺灑在畫布上，然後把蘸了顏色的畫筆在畫布上到處移動，這種技法上的自動主義，直接啟發了美國的行動派畫家；還有法國的馬松比米羅的筆觸更為輕松，整個畫布上是一種線條的猝發，一種顫動的色彩的放電。他們對美國的戈爾基和波洛克有直接的影響。
在這個時期，美國畫家中正風行存在主義哲學，認為寧可冒失敗危險來努力爭取達到新的高度。因此他們大膽試驗。抽象表現派的畫家們主張寧可徹底擺脫所有傳統的美學觀，也不要有什麼社會意義。他們提倡任意的、自發的個人表現，創造了一種無意識的自動繪畫。代表畫家是波洛克。

新寫實主義

現代美術呈多元化格局，流派紛呈各顯神通。一度被否定的寫實主義藝術在新的歷史條件下又重新登上畫壇。但必須認識到它決不是回到過去的創作觀念、創作方法上。新寫實主義畫家在創作目的、繪畫觀念以及表現方法方面，並不是老一套翻版，他們吸收了現代藝術的觀念進行創作。可以說他們是現代藝術的另一種藝術形式的繼續。正如美國評論家希爾頓·克雷默說的：「這個運動的很大一部分，都是非常直接地從現代藝術理論和實踐中派生出來的，它是現代派的另一種形式的繼續。」當今許多寫實主義畫家只是用寫實的手法來達到現代派探索的造型、色彩、線條與畫面的關系的目的而已。[/COLOR]

象徵主義

世界上的藝術探索有兩種基本形式，即形象和象徵；直覺感受和精神表達。自1885年起一種以象徵主義為名，對理想主義傾向的逆反在文學和造型藝術領域同時發展起來，畫家和作家不再致力於忠實地表現外部世界，而是要通過象徵的、隱喻的和裝飾性的畫面來表現虛幻的夢想以啟示於人。
按評論家阿爾貝·歐立葉1891年3月的一篇文章中確定的象徵主義的定義，認為藝術作品應該是：(1)精神的，因為它唯一的理想是表現精神；(2)象徵主義的，因為它是以形狀來表現這一精神的；(3)綜合的，因為它是根據一種普遍理解的方式來畫這些形狀和記號的；(4)主觀的，因為它從來也不將對象作為對象來看待，而是作為被題材發現的精神記號；(5)(作為結果)裝飾的，因為由埃及人，或極可能由希臘人或原始人發明的純裝飾繪畫就是一種主觀的、綜合的、象徵主義的和精神的藝術表現。
具有象徵主義的代表畫家主要是莫羅、夏凡納和雷東。象徵派畫家們並未創造一種新的形式流派，他們關心的只是詩意的表達、玄理的揭示。象徵主義繪畫是一種以感情為基礎對新內容的探索，不是以理智或客觀的觀察為基礎，而是超越外表的直覺的內在力量和想像。

現代美術

人類社會進入資本主義的發展階段，現代工業文明改變了人與人之間的關系，也改變了傳統的生活方式，加速了生活節奏。美術作為商品走進市場，給藝術發展帶來激烈的競爭。現代科技的發展改變了人與自然的關系，人類的眼睛延伸到宏觀與微觀世界。因此現代藝術家必然要創造和選擇新的藝術語言去表現自己所認識的新世界。現代哲學直接影響現代美術創造，叔本華的唯我主義的本體論思想、唯意志論觀點導致認識上的直覺主義，這使藝術家的天才和靈感升華為藝術創造的根本。爾後的尼采、弗洛伊德對人的精神領域又作了全面的分析和揭示，又成為現代藝術創造之源泉。柏格森「非理性主義哲學」是對現代工業文明帶來的負面和傳統價值觀的徹底否定和背叛，從此藝術不再是客觀世界的反映，而是主觀世界的表現。
現代美術的產生和發展是沿著必然規律運行的，西方藝術自遠古產生始就注重實用、物質性的再現，經歷不同時代的發展和完善，到歐洲文藝復興時期已達高峰。當照相術發明，再現的寫實主義繪畫已被攝影部分取代，繪畫必然另擇其路，由再現走向表現，由寫客觀物質的形態走向表現畫家自我內在精神為追求。繪畫自產生起就以為別人服務為宗旨，原始社會為實用，後來為神、為人的生活、為政治斗爭等服務。西方藝術家宣稱他們不再為誰服務，藝術就是為完善藝術自身而獨立存在。因此藝術的價值觀與傳統決裂了。所有這一切都是隨著社會發展、思潮的演變，緩慢地由量變到質變的。現代美術的發端是從印象派開始的。
印象派的出現是西方藝術劃時代的里程碑。為了表現自然界豐富的瞬間即逝的光和色的變化，它忽視或否定了客觀事物的內在本質，更是破壞或放棄了西方幾千年完善起來的嚴謹造型，因此衍生出後來一系列的反叛畫家、畫派。首先起來與傳統決裂的是塞尚，他要創造一種絕對的繪畫，它不再是客觀事物的模仿，而是注入畫家主觀解釋的永恆性的形體和堅實的結構。同時還有畫家高更，他從強烈的主觀出發，對客觀事物獲得的印象和感覺加以分析、綜合，創造出一種突破時空制約的具有象徵意義的繪畫。而荷蘭人凡·高用明亮的色調與顫動奔放的線條傳達了熾烈的思想，他們共同開創了西方現代美術之先河。從他們的理論派生出爾後的眾多現代流派。
一部分追隨塞尚的畫家們確認畫面的經營構造是畫家的能力和權利，畫家是畫面的創造者，應該像上帝一樣任意去安排畫面，形成了以畢加索為代表的立體派。認為繪畫不應該作自然對象的奴隸，也不應僅是畫面的精心構造，而必須表現畫家的心情意志，必須是畫家內在情感的外在圖像，從而誕生了法國的野獸派和德國的表現派。俄國人康定斯基縱覽了這一畫壇變化之後認識到，繪畫已不是靠著物象的支持，而是靠色彩、線條與形狀主宰整個畫面，是這些繪畫的元素賦予了畫面生命與美，是他第一個創造了抽象繪畫。上述幾個流派都是對藝術作出思考後的探索表現。
當藝術家面對社會和現代物質文明進行思考後，得出的結論是傳統已經過時，現代是不完整不健康的，產生了破壞一切、打倒一切的達達派，他們希望在純粹空白的基礎上建立一種新文明。當藝術家面對人生時，人的意識被過多的概念裝飾得已經不真實了，唯有潛意識領域才是最真實的領域，這個領域從未被表現過，畫家著意於這個精神世界，創造了超現實主義繪畫，這種繪畫以表現反邏輯常理的物象組合展現一個鮮為人知的潛意識世界。
第二次世界大戰後現代美術中心由法國巴黎轉向美國紐約，又開始了一個新的探索和創造，更多地是以注重觀念改變為特點。50年代興起抽象表現主義，只重繪畫行為過程而不注重畫面結果的行為繪畫，體現了美國人自由創造的活力。當人們不滿於偶然的發泄和主觀對繪畫的恣意所為，轉而崇尚讓畫面自為地發揮出它的全部潛力，於是就出現了大色域繪畫、極少主義繪畫、硬邊派等，這些藝術多以冷靜、簡單的大色塊布置畫面，不摻任何感情的表現。60年代波普藝術登上畫壇，首先風行美國，它使藝術與現代文明互相滲透，讓藝術成為更為普及的交流手段，與現代人的生存息息相關。自70年代後，現代美術完全進入一個多元化的格局，藝術家在更廣泛的層面上探索藝術和藝術表現,自此以後再無風格流派可尋，可謂一個人一個派，花樣翻新、層出不窮，從此西方美術走進一個遠離常識世界的無盡的大千世界。

現代建築藝術

20世紀初，建築藝術如同繪畫、雕塑藝術一樣，也發生了很大的變化。由於建築科技的發展，使建築結構和樣式迅速走向現代，呈現出許多新的特點：高層建築的大量發展和新的建築設計思潮的層出不窮，多元建築形式風行一時。
20世紀上半期，尤其在二戰後，古典復興建築仍然流行，政府性建築和紀念性建築的發展，將不同時代、不同民族和不同地區的建築樣式結合在一起的折衷主義建築也不斷出現。由於社會生活飛速發展變化，建築物的功能要求日益復雜，房屋的層數和容積量不斷增加，建築材料和結構已與古代大不相同，因此學院派建築師不得不對傳統建築加以改造和簡化，同時革新的現代派建築興起。
建築牽涉到功能、技術、工業、經濟、文化和藝術等多個方面，建築的革新也是多方面的，在20世紀上半期出現了很多流派和不同風格的建築樣式。20世紀初，在德國和奧地利先後產生了表現主義，一切都出自藝術家的主觀表現，目的是引起觀眾情緒上的激動，這一派建築師往往採用奇特、誇張的建築形體來象徵某種時代精神。德國建築師門德爾松（1887—1953年）在20年代，設計過一些表現主義建築，其中最有代表性的作品是1919—1920年建成的波茨坦愛因斯坦天文台。荷蘭表現派的住宅甚至把外觀處理得使人聯想起荷蘭人的傳統服裝和木鞋。
未來派是第一次世界大戰之前首先在義大利出現的文藝流派，它對現代生活的運動、變化、速度、節奏表示欣喜，他們否定一切文藝規律和傳統，宣稱要創造一種全新的未來的藝術。義大利的未來主義者桑·伊利亞（1888-1917年）所設計的圖樣中都是高大的階梯形的樓房，電梯放在建築物外部，林立的樓房下是川流不息的汽車、火車，分別在不同高度上行駛，他說：「應該把現代城市建設改造得象大型造船廠一樣，既忙碌又靈敏、到處都是運動，現代房屋應該造得象大型機器一樣。」
風格派與構成派的代表是荷蘭的建築師奧德·里特韋爾等。他們認為最好的藝術就是基本幾何形體的組合和構成。風格派有時又被稱為「新造型派」，他表現在建築造型裝飾，最能代表風格派特徵的是里特韋爾設計的椅子，象蒙德里安的繪畫，運用水平和垂直線構成紅、黃、藍三色。他還設計了著名的荷蘭烏德勒支地方一所住宅，運用簡單的立方體，橫豎直線，玻璃等組成的建築。這個派熱衷於幾何形體空間和色彩的構圖效果。
第一次世界大戰後，創造現代建築的任務被提到日程上，涌現出一批思想敏捷，而且具有一定建築經驗的建築師，在前人革新實踐的基礎上，提出比較系統而徹底的建築改革主張，代表人物是德國的格羅皮烏斯，密斯·凡·德·羅和法國的勒·柯布西耶等。
格羅皮烏斯的代表作是1926年設計建造的德國鮑豪斯學院校舍。「鮑豪斯」是德國現代建築師格羅皮烏斯在魏瑪籌建的一所培養新型設計人才的工藝學校的簡稱。這所學校採用一套有特色的新的教育方針和方法，曾培養了一批傑出的現代派藝術大師，是西方激進的藝術流派搖籃。鮑豪學院建築主要特點是，把建築物的實用功能作為建築設計的出發點，按照各部分的實用要求互相聯系，突出它們各自的位置和體型，他還採用各種形體的對比手法，如大小、長短、虛實、透明與不透明、厚薄等，產生清新活潑的美感，顯得單純樸素、富有變化，給人以獨特的印象。
第二次世界大戰後，建築活動與建築思潮有很大的變化和發展。由於各國政治、經濟、文化傳統各不相同，建築活動和思潮也很不一致，因此發展也極不平衡，西歐和美國為建築現代化繼續探索創造作出新貢獻，其他地區和國家也相繼走入現代化。
英國在50年代出現以史密森夫婦為代表的新粗野主義（又譯為新野性主義）；60年代，以柯克為代表的稱之為阿基格拉姆派所提出的未來烏托邦城市的設想：以鋼和鋼筋混凝土的巨型結構來綜合解決多種與可變要求的設計。
在法國戰後的「現代建築派」取代了學院派成為法國建築的主要風格。勒·柯布西耶設計的馬賽公寓大樓和其後又設計的朗香教堂，轟動了整個建築學壇。法國在二戰後建築技術上不斷創新，1958年興建國家工業與技術中心的陳列大廳，跨度218米，是迄今跨度最大的空間結構，也是跨度最大的薄殼結構。1973年建的巴黎蒙帕納斯大廈高229米，是歐洲最高建築；後來建的國立蓬皮杜藝術中心更引起人們的關注。
德國受到的戰爭破壞很大，戰後著力重建。在希特勒統治時期，只允許折中主義建築樣式，戰後則堅持走現代建築道路，尤以鮑豪斯為代表，後來出現不少具有國際先進水平的現代建築，如夏隆設計的柏林愛爾音樂廳和斯圖加特的羅密歐與朱麗葉公寓等。
在設計思想上義大利比其他國家顯得多樣和善變。古代傳統在義大利從未間斷，現代思潮又給予強烈影響，戰後全面地走上現代建築道路，在羅馬和都靈等地推行新現實主義，提倡緊密結合人們的日常生活，魯道夫設計的羅馬泰波蒂諾區為代表。在義大利具有國際聲望的建築師無疑是奈爾維，他設計的羅馬小體育宮和米蘭的皮瑞利大廈被公認為國際先進水平的傑作。
美國具有強大的物質技術力量，雄厚的技術人員隊伍和一大批專門投資房屋建設的大業主，他們共同使美國建築迅速走向現代化。發展高層建築是美國建築的主要方面，1974年的芝加哥西爾斯大廈110層，高443米，是世界迄今最高建築。在藝術和建築方面，歐洲不論有什麼新思潮都很快影響美國，各種思潮和各種建築流派，樣式在美國都得到反映。
澳大利亞悉尼歌劇院是一座富有個性的象徵性建築作品。它的設計師是丹麥的伍重，於1957年設計，1973年建成。歌劇院位於貝尼朗島，面臨大海，建築師把它設計成一艘乘風破浪的大船，很有象徵個性。

現代工藝設計

進入20世紀西方現代化工藝設計的中心轉移到了德國，尤其是被稱作「現代設計搖籃」的鮑豪斯，為現代工藝設計指出了明確的方向。總的看來現代工藝設計有這樣幾個特點：一是確立了以「人」為本的設計思想，強調設計的目的是人而不是產品；二是打破了傳統的「純藝術」（繪畫和雕刻）和「實用藝術」（現代建築和工藝）的分離；三是使藝術與技術獲得了新的統一，從而架起了「藝術」與「工業」之間的橋梁；四是現代工藝設計是現代生活、現代藝術和現代科學的結晶，它並不試圖設立一個不可變更的典範，它將隨著時代的步伐，不斷獲得發展。

現代雕塑藝術

西方雕塑發展的歷程中出現過三個高峰：古希臘、羅馬是第一個高峰，雄居峰巔的是菲狄亞斯；義大利文藝復興是第二個高峰，雄居峰巔的是米開朗基羅；第三個高峰是19世紀的法國，雄居峰巔的巨匠是羅丹。菲狄亞斯、米開朗基羅和羅丹所創造的藝術，是人類智慧的結晶，體現了古典文明的最高成就。
羅丹為傳統雕塑藝術劃了一個句號。此後西方雕塑進入一個新的時代——現代雕塑時代。所謂「現代雕塑藝術」，是指羅丹、馬約爾等之後的西方雕塑藝術，雕塑家們企圖擺脫古典雕塑的束縛，追求新觀念和新價值，並採用新的表現形式，這種藝術流派，統稱現代派。現代派的藝術家們遠離理性，接近感性，不再模仿自然，開始「脫離自然」，「安排自然」，「表現自然」，「解剖自然」，「感受自然」，把自己融化到自然中去。
總的說來，現代派藝術家重感性和主觀內在的精神表現，用感覺代替觀察，運用綜合、抽象和半抽象代替具象，不再表現客觀存在的形，而努力追求發掘自我心靈的形，否定藝術的功利性，認為藝術只是有意味的形式。現代藝術是傳統藝術發展的必然，也是現代社會在藝術家精神上反映的產物。
綜觀20世紀西方美術創作的基本傾向，出現了表現、抽象和象徵三種趨勢。在這類藝術家中較為突出的是布朗庫西，他對於現代雕刻的影響猶如馬蒂斯和畢加索對現代繪畫的影響一樣。

未來主義

1909年2月20日義大利詩人馬里內蒂在巴黎《費加羅報》上發表《未來主義的創立和宣言》。宣言一方面謳歌現代工業文明、科學技術使傳統的時間與空間的觀念完全改變，「宏偉的世界獲得了一種新的美——速度美」，因而主張未來的文藝應當反映現代機器文明、速度、力量和競爭；另一方面詛咒一切舊的傳統文化，掃盪從古羅馬以來的一切文化遺產，主張摧毀一切博物館、圖書館和學院。他們高喊：「干起來吧！點燃圖書館的書架！把河水引來淹掉一切博物館畫廊，啊！看著那些自命不凡的古畫被撕破了，褪色了，在水面上隨波逐流地飄浮是多麼地開心！舉起斧頭鐵錘毫不手軟地搗毀那些被人奉若神明的城堡吧！」
1910年3月8日畫家波丘尼、卡拉、巴拉等也響應地發表了《未來主義畫家宣言》，4月初又發表了《未來主義繪畫技巧宣言》宣言表明，他們的繪畫技巧，從本質上說仍然來源於立體主義。他們在立體主義多視點的基礎上加上了表現速度和時間的因素。
雕塑方面的未來主義是由波丘尼實行的，他於1912年4月11日發表《未來主義雕塑宣言》，宣布「絕對而徹底地拋棄外輪廓線和封閉式的雕塑，讓我們扯開人體並且把它周圍的環境也包括到裡面來」。
1914年7月11日由聖特利亞發表《未來主義建築宣言》，主張用機械的結構與新材料來代替傳統的建築材料，而城市的規劃則以人口集中與快速交通相輔相成，建立一種包括地下鐵路、滑動的人行道和立體交叉的道路網的「未來城市」計劃。並用鋼鐵、玻璃和布料來代替磚、石和木材來取得最理想的光線和空間。
還有《未來主義服飾宣言》號召人們廢除色彩暗淡、線條呆板，的服飾，代之以色彩鮮明，線條富有運動感的新服飾。
這個流派到1918年大戰結束，實際上也結束了。

維也納分離派

19世紀末維也納美術界以學院派為主建立的「藝術家協會」中，一些持不同藝術見解的青年藝術家於1897年重新成立了「奧地利造型藝術協會」。不久克里姆特等八位青年藝術家因觀點不同退出該協會，於1897年4月3日在維也納另行組織藝術家團體。他們並沒有明確的藝術綱領，只是創作思想相近，便形成了所謂維也納分離派。分離派畫家反對古典學院派藝術，宣稱與其分離，主張創新，追求表現功能的「實用性」和「合理性」，既強調在風格上發揚個性，又盡力探索與現代生活的結合，創造出一種新的樣式。分離派是在繪畫、裝飾美術、建築設計上有過影響的新藝術流派。它在形式上雖好使用直線而其根本精神卻在於反對傳統規范藝術，主張與現代的文化接觸與現代生活的融合。這個派的畫家們在反對學院派舊藝術形式這一點上是一致的，但在藝術傾向和風格上，始終是多種多樣的，所以說它並沒有明確統一的綱領，它對德國的影響很大。

納比派

世人公認塞尚、凡·高和高更是開創20世紀現代藝術的祖師，在他們活著或死後都影響有限。把他們的思想繼承光大，傳播給20世紀前衛派畫家的是一個小小的藝術家派別——納比派。
1888年夏天，24歲的塞呂西耶在法國西北部布列塔尼的阿旺橋與在那裡作畫的高更相遇，高更那時剛畫完《雅各與天使在搏鬥》一畫，那主觀的、帶有神秘意味的象徵性色彩征服了這位年輕畫家。他後來又隨高更到一個稱為「愛之林」的森林寫生，高更指出色彩的奧秘：「樹木應當是什麼顏色？你看到多多少少的紅色嗎？很好，在畫面的那個地方放上真正的紅色。——那麼影子呢？假如在那兒有一點藍色就好了。那麼你把調色板上最漂亮的藍顏色放到那兒去！」塞呂西耶邊聽邊隨手在一個煙盒上按高更的指點畫了一幅小風景畫，他拿著這張畫回到正在學習的巴黎朱利安學院，圍觀的同學有博納爾、維亞爾、蘭森、瓦洛通等。他們一下子成了高更主義者並把塞呂西耶這幅小畫稱「護符」，而把自己有幸得到這「福音」的一夥人稱著「納比」即希伯來語中的「先知」。這就是納比派的由來。
納比派接受了高更的藝術影響而從事新的探索發展：即高更的綜合理論導致了象徵主義的庄嚴、簡化和變形的裝飾風格，也就是說，把自然移植到了智慧與想像的領域之中。所謂變形有兩種類型：依據一種純美學和裝飾味的設想以及一些著色與構圖技術原則進行的客觀變形；使畫家本人的感受進入繪畫表現之中的主觀變形。
納比派從塞呂西耶的「護符」開始，到以德尼的《向塞尚致敬》宣告結束。這說明納比派自身的價值僅在於闡明了塞尚和高更的視覺方式。這是一種更強調自我的心靈觀照的觀察方法。
爾後納比派分裂為分離派、綜合派、新傳統派

『玖』 俄羅斯藝術類讀研

說到藝術，我們會想到音樂，美術，舞蹈，談到這里，就不得不說有著悠久的文化底蘊的俄羅斯。

俄羅斯擁有世界上最遼闊的疆域，承載著歐亞兩大洲所特有的文化氣息。俄羅斯繪畫藝術真誠、厚重、富於精神內涵和寓意，以其特有的深沉、略帶憂郁的藝術語言和情調描述和再現了俄羅斯文化發展的不同歷史階段，不僅具有極高的藝術價值，也是研究俄羅斯歷史的珍貴財富。

很少有像俄羅斯那樣在藝術領域全面開花的民族，也很少有俄羅斯那樣重視全民藝術教育的國家。俄羅斯的文化普及率是99.4%，是全世界最高的文化普及國家，整個國家幾乎全部掃除文盲，一般百姓都可以上頂級的藝術類大學，所以俄羅斯也被稱為最適合藝術生留學的地方。
如今申請俄羅斯藝術留學的同學也越來越多，可是有很多同學並不是很了解俄羅斯有哪些藝術院校。今天我就給大家介紹一下俄羅斯藝術留學院校有哪些，希望能有所幫助。

聖彼得堡列賓美術學院

俄羅斯的美術類院校最知名的當屬列賓美術學院，學美術的同學一定聽說過這個名字。列賓美術學院和巴黎美術學院(法國)、 佛羅倫薩美術學院(義大利)、英國皇家美術學院(英國)並稱為四大美術學院。但其招生標准和收費都比其他三所學校低得多（俄羅斯的高校收費普遍較低）。

列賓美院位於聖彼得堡市中心美麗的涅瓦河畔，毗鄰聖彼得堡國立大學。從聖彼得堡亞歷山大花園廣場開始，沿著涅瓦河向西前行，一路上涅瓦河兩岸的風光無限，一邊享受習習涼風拂面的快感，一邊欣賞聖彼得堡的美麗景色，穿過一座橋往右行走不遠不知不覺就已到達列賓美院。這里可以說是整個聖彼得堡美景的縮影。

柴可夫斯基音樂學院

莫斯科國立柴可夫斯基音樂學院，學院在全球音樂學院里的排名基本在5-15名之間。由傑出鋼琴家、指揮家兼音樂推廣者尼古拉·魯賓斯坦，於1866年9月1日創立。原名莫斯科音樂學院，是全世界最優秀的音樂學院之一，歐洲音樂學院聯盟成員，無數大師級的藝術家都曾在這里留學過。創建初期柴可夫斯基在此任教。後為了紀念柴可夫斯基，更名為莫斯科國立柴可夫斯基音樂學院。

聖彼得堡音樂學院

聖彼得堡音樂學院，全稱聖彼得堡國立Н.А.里姆斯基-科薩科夫音樂學院。建立於1862年，是世界著名的培養專業音樂人才的高等音樂院校之一，也是俄羅斯聯邦最古老的音樂學府。由著名的Anton Rubinstein(安東·魯賓斯坦);以及Henryk Wieniawski(亨里克·維尼亞夫斯基);Karl Schubert(卡爾·舒伯特)等建立。同時聖彼得堡音樂學院也是與茱莉亞音樂學院、柯蒂斯音樂學院、柴可夫斯基音樂學院、英國皇家音樂學院齊名的世界一流音樂學院。

聖彼得堡國立文化藝術大學

聖彼得堡文化藝術大學是俄羅斯歷史最悠久的國立大學之一，至今已經有一百年歷史。這里是俄羅斯培養藝術家的最大的中心之一，也是俄羅斯人文創作教育的領導者，培養了無數有才華的音樂家、舞蹈家、藝術史學家、文藝家、圖書館工作人員和教師。學校坐落在聖彼得堡市中心獨特的歷史建築中。莫斯科被稱為俄羅斯的心臟，聖彼得堡被稱為俄羅斯的靈魂，而聖彼得堡國立文化藝術大學就是點綴在靈魂上的光芒。

聖彼得堡國立大學藝術設計學院

作為俄羅斯大學兩大殿堂之一，和莫斯科國立大學齊名的聖彼得堡國立大學擁有著290餘年的歷史。聖彼得堡大學最主要的榮譽是其畢業生和合作者們，他們當中有很多是在科學、政治、商業、體育、文學以及藝術領域的世界名人。如今，聖彼得堡國立大學不斷的擴大和咖加強科學活動和教學活動，創建了俄羅斯獨無的科技園，不斷地豐富高爾基科學圖書館的藏書，擁有俄羅斯最好的大學圖書館，開放博物館等。

俄羅斯的藝術類留學

俄羅斯藝術類的研究生都比較好畢業（除了有些院校不收外來的研究生，只接受自己的本科生讀研），藝術類本科高校反而會卡的更嚴一些。
值得一提的是，這里的部分藝術類院校（如柴可夫斯基音樂學院和聖彼得堡音樂學院等）不接受國內本科畢業過來讀研的學生，因為這里實行的是蘇聯特有的專家學制（即五年專家制度，畢業即為碩士，相當於本碩連讀五年），沒有專門的研究生學位，所以學生要麼高中畢業過來本碩連讀，要麼研究生過來讀博。
當然，在學校讀完5年專家學位教育後，可先歸國認證文憑為碩士，然後繼續申請副博士學位，這樣比較靈活，也比直接申請讀博方便很多。

藝術類學生的出路

既然說到了俄羅斯的藝術類大學，那就說一下藝術類學科吧。一提起藝術生，很多人的腦海里，立馬浮出了高額投資，文化程度低等名詞。他們畢業後的收入，是否對得起前期藝術培訓時的花掉的金錢呢？很多人對這一點都不是很清楚。其實，藝術生的就業前景，遠比你想像中還要精彩！
藝術生對於一般的文理科生來說，最大的優勢就是幾年甚至更長時間的藝術熏陶，很重要的一點是，你知道什麼是美的，以及你有非常扎實的繪畫基礎或者是造型能力基礎。

一般藝術生從事的行業有非常多的選擇。以藝術類高考招生最多、應用最廣的美術專業說起，服裝，建築，室內，動畫，產品等等，這些行業都需要美術生的存在。你可以選擇某一個自己擅長以及有興趣的行業繼續學習。再經過幾年的設計思維訓練，你就會成為一個合格的設計師。接著，你出來工作，負責一些比學校更落地的項目，隨著經驗的累積，你就變成一個具有項目經驗的設計師。一個好的設計師無論在哪裡就業前景都是好的。

有人覺得純藝術類就業難，藝術類沒用，那他們可能是並不熟悉這一行業，不知道近年來特別受歡迎的動漫、室內裝飾等專業都極度缺人。游戲、新媒體、數字藝術、科學藝術、互動藝術……，太多的稱呼已讓人眼花繚亂。藝術類學生的工作方向包括游戲公司、動畫公司、軟體公司、電影製作公司、廣告公司、電視台、教育機構、雜志社或出版社等單位。

目前來說，藝術類學生常規的就業選擇是成為職業藝術家、藝術總監、美術編輯、美術指導，以及美術教師等，如果有相當的水平可以選擇成為自由藝術家、成立工作室、進入大型畫廊或者藝術公司工作或者從事策展性活動等。並且，由於純藝專業學生的基礎非常深厚，所以想轉行其他領域也是非常有優勢的，像廣告公司、出版社、教育培訓機構這些行業都可以半路選擇。

當然，每個行業都有一般的人才和好的人才，其實到最後還是要看自己的能力，這些對於藝術生也一樣。