法国人阿尔托是什么派别

Ⅰ 美术鉴赏-立体派系（急）

从20世纪30年代末开始，在欧洲、北美、日本一些国家的庭园和景观设计领域已开始了持续不断地相互交流和融会贯通。在这些地区，景观设计反映出其受到20世纪艺术流派——从立体派到极简主义，和建筑——从鲍豪斯(Bauhaus)到纽约第五大道(NewYorkFive)的影响。在这个文化范围里，3位20世纪着名的艺术家和设计师在推动当代景观艺术的发展上，产生了巨大的作用。他们是巴西画家罗伯托·伯利·马克斯(Roberto Burle Marx)，日裔美籍雕塑家野口勇(Isamu Noguchi)和墨西哥建筑师路易斯·巴拉冈(Luis Barragd n)。这些大师们不需要景观建筑学的专业等级头衔，而科班出身的景观建筑师们却受到这些大师们的影响。托马斯·丘奇(Thomas Church)、丹尼巧此尔·厄本·基利、加勒特·艾克波(Garrett Eckbo)、詹姆斯·罗斯James Rose)和伊恩·麦克哈格(Ian McHarg)都是20世纪50年代以后出现的着名景观建筑师。这些不同的风格联合在一起，产生了综合效应，使景观建筑师能从这些形式复杂多样的风格中获取创造灵感。

设计师们可从诸如当代建筑、艺术、电影等一切领域中获取灵感。虽然20世纪末的景观设计形式多样，但也有其共同的特征。首先是空间特性，当代景观建筑师们从现代派艺术和建筑中汲取灵感去构思三维空间，再把雕刻方法加以具体运用。现代庭园不再沿袭传统的单轴设计方法，立体派艺术家多轴、对角线、不对称的空间理念已被景观建筑师们加以利用。其次，抽象派艺术同样对景观设计起着重要作用，曲线和生物形态主义的形式在庭园设计中得以运用。最后，通过对比的方法从国际建筑风格中借鉴几何结构和直线图形，并把它们在当代庭园设计中加以运用。然而，传统的空间模式并没有被全盘否定。例如西方文明中最经典的庭园设计模式——伊斯兰式设计可与20世纪极简式建筑结合，使住宅与庭园融为一体。总的来说，多样性是当代设计的显着特点。下面我们将举例说明在20世纪末对庭园景观设计产生影响的主要因素。

1、 抽象艺术

它对20世纪所有艺术形式都产生了深远的影响。从20世纪50年代开始，一些早期景观建筑物已在创作手法上有所变化。结构主义大师马勒维奇(Malevich)和罗德琴科(Rodch-enko)铸造了抽象的几何结构和硬边结构；迪澳.凡.兹泊格(Theo van Doesberg)和约瑟夫 .阿尔伯斯(Josef Albers)实现了具体艺术；汉斯.阿尔皮(Hans Arp)和简．米洛(JoanMir6)则运用了抽象的松散结构，即生物形态。

2、 概念艺术

这个词在20世纪60年代由艺术家苏·勒维特(Sol Lewitt)使用，它指出艺术作品的概念比其表现形式更为重要。其根源可以追溯到马塞尔·迪尚(Marcel Duchamp)，20世纪极具影响的艺术家之一，其余两个是伊夫斯·克莱恩(Yves Klein)和皮埃尔·曼佐尼(PieroManzoni)。电视艺术和行为艺术是其附属品。在景观建筑中，最具灵感的概念艺术是大地艺术或泥土艺术。

3、立体主义

这一重要的现代艺术运动得名于法国画家马蒂斯，当郑芹时一位法国艺术评论家听说马蒂斯讥讽布拉克(Braque)的作品仅仅是一些“小方块”。毕加索和布拉克是最早的立体派艺术家，他们改变了自文艺复兴时期以来的主要绘画方法——透视法。在景观建筑中，立体主义表现为抽象概念和联合视点的产生。这一艺术手法首先在20世纪20年代由几个法国设计师——罗特.马利特一斯蒂文斯(Robert Mallet-Stevens)、安德列(Andre)、保罗.薇拉(PaulVera)和加布里埃尔.圭弗莱基安喊宽毕(GabrielGuevrekian)用在庭园景观设计中。从20世纪50年代开始，一些美国景观建筑师如加勒特.埃克波、詹姆斯.罗斯和托马斯.丘奇，也都受到立体主义的影响。

4、达达主义

托弗耳.德莱尼和玛莎.施瓦茨是两位经常谈到达达主义对其作品产生影响的美国景观建筑师。刺激和荒谬是达达主义的特征。马塞尔.迪尚可能会赞赏德莱尼的德沃斯(Divorce) 庭园和施瓦茨的巴格尔(Bagel)庭园。

5、生态意识

早在20世纪前l 0年，詹斯.詹森(JensJensen)就从景观设计角度表现了他对环境问题的关注，其后，许多着名的思想家和景观建筑师也加入到生态问题的讨论中。在20世纪60年代初期，伊恩.麦克哈格领导着这个领域。从20世纪70年代开始，由美国的理乍得．奥伊默(Richard Oehme)和詹姆斯.凡.斯威登(Jamesvan Sweden)，荷兰的托恩.特尔-林登(Tonter Linden)和皮特.奥多尔夫(Piet Oudoff)和汉克.格里森(Hank Geritsen)领导这个领域，他们都为生态环境作出了杰出贡献。不同高度的植物表现出自然的风格，叶子的形状和纹理造成了景观的差异。关于植物的一些问题需要强调，在深秋和冬季，植物美丽的一面会失去，草地维护费会是一笔不小的开支。

6、节约能源

将节约能源、资源的可持续利用意识连同生态保护意识一起融人庭园景观设计中是专业设计师们的一种尝试。重构的石子用来铺路。供户外用的复合板代替了天然木材；为了保存白白流掉的水而修建的水池也用在景观中；水的循环使用是为了防止水资源的浪费；太阳能水泵为室外低压／高强度照明体系发电

7、高科技

我们生活的方方面面因为传真和电子邮件的影响正日新月异，数字技术无孔不入、大行其道。光纤照明、人造雾、视频技术正在成为庭园设计不可或缺的部分，它们也是庭园景观设计变革的重要组成部分。20世纪末高、新、尖科学技术的不断涌现，使得大批新型材料应运而生。从20世纪80年代开始，塑料制品、合成金属、玻璃纤维、光纤照明设备和人工草坪开始在设计公共景观时使用。现在这些高科技合成材料在私家庭园中也同样可以看到。自从CAD，即计算机辅助设计软件出现后，景观建筑和设计开始得益于新科技。CAD对设计大型项目十分有利，设计师可方便获取历史庭园和其他类型庭园的资料，同时也向场所生成式庭园设计师展开了一个广阔的创作空间。

光纤

自20世纪80年代开始，光纤就用于庭园照明。这种材料的研制最初是为电信和医学服务的。低压、高强度、透明或不透明的光纤照明设备适应性极强，可以安装在不同型号的缆线上，使庭园中的任何一处都能被照亮。

人造雾

这是过去20年中被庭园景观建筑师们运用的又一先进的科技手段。它是在高压条件下将水分子原子化而形成的。这一具神奇作用的产品不断使景观元素和边界变得模糊不清，将一个超现实的世界引入设计中。人造雾因其独特的冷却性质，可以在酷热季节用在庭园中。

8、绿色建筑

在屋顶栽种植物的技术，丹麦、德国、墨西哥等地在草坪底下建筑住宅，太阳能水泵在小水池的运用，用干草做住宅等，所有这些都属于绿色建筑范畴。在建筑设计中引入植物的手法是美国、法国景观建筑师的创新，詹姆斯.瓦臣斯(James Wines)和爱德华.弗朗科伊斯(Edouard Francois)走在这个领域的最前端。

9、大地艺术

大地艺术或泥土艺术对景观建筑师和设计师们产生了巨大的影响。诞生于20世纪60年代的早期大地艺术作品由一些在绘画和雕塑上摆脱了抽象派艺术思想影响的艺术家完成。他们抵制画廊、博物馆、评论家夸大的广告，但他们具备环保意识。他们带着这种观点到美国西部广阔无垠的沙漠和荒地进行创造。在那里，大地艺术家们创造出巨型的泥土雕塑，那些土墩和石头结构容易让人联想到老祖宗们的墓地。

10、极简主义

极简主义是最早的摩登艺术，美国的唐纳德．贾德(Donald Judd)，索尔.莱维特(Sol Lewitt)、阿格尼丝.马丁(Agnes Martin)、罗伯特．莫里斯(Robert Morris)、理乍得.赛那(Richard Serra)和戴维.斯密斯(David Smith)是这一风格的领头人。极简结构、线条和同样抽象的几何图形不断地出现在20世纪末的景观建筑师们，特别是彼得.沃克(Peter Walker)的庭园作品中。

11、后现代主义

这一概念最早出现在1949年由约瑟夫.赫德纳特(Joseph Hudnut)撰写的(《人类建筑和精神》一书中，在20世纪60年代末期经由查尔斯.詹克斯(Charles Jencks)推广，最后能成为一种建筑风格则得益于菲利普.约翰逊(Philip Johnson)，迈克尔.格雷夫斯(Michael Graves)和罗伯特.文图里(Robert Venturi)等人。后现代主义是多种文化理念和现象的高度集合。因为现代主义和工业化社会间存在联系，所以，后现代主义和当代高科技社会也有关联。后现代主义是针对现代主义节省、极简风格的一种反应。它是多种文化的混合物，没有明确的概念。在乔治.哈格里夫斯、阿德里安.古兹(Adriaan Geuze)、凯瑟琳.古斯塔夫森和德维涅(Desvigne)以及道尔诺基(Dalnoky)等人的作品中都含有后现代主义元素。

12、包豪斯

20世纪初建于德国德绍(DesSau)的这所着名的艺术建筑学校，堪称现代主义的发源地。自20世纪30年代纳粹党关闭这所学校后，大批艺术家、建筑师和教师纷纷逃往美国，他们中包括瓦特.格罗皮厄斯(Walter Gropius)。格罗皮厄斯是哈佛大学建筑学科的带头人。他的教学科研成果为美国二战后景观建筑学的发展作出了重大贡献。

13、艺术家和设计师

罗伯托·伯利·马克斯

又一个对20世纪景观建筑产生重要影响的人物。他是画家出身，他将艺术的眼光投向自己的祖国——巴西。他的建筑特点是：用巴西木材制成大规模自由流动的能体现生物形态的堆积物，这些堆积物被当作精致的地被。他讨厌“风格”这个词，他将自己的作品视作艺术与自然的结合。

路易斯·巴拉冈

墨西哥现代主义建筑师，对当代结构设计有重大影响。他设计的方形、长方形平面围墙结构是从西班牙、摩洛哥穆斯林的传统建筑勒.柯布西耶式建筑、国际化风格、地中海和墨西哥民居中汲取创作灵感的。通过运用简单的水渠、人工瀑布衬托这极简派风格的围墙．巴拉冈更发展了别致、简朴式风格，并不断影响着全世界的景观建筑师和设计师。

野口勇

野口勇是自20世纪80年代以来在庭卧景观设计领域产生过重大影响的着名日裔美籍雕塑家。他的标志性的景观设计包括有纪念馆、游乐园和桥梁。石头、水和植物的运用在他的杰作中随处可见，例如纽约市曼哈顿银行、泊纳克珍藏本图书馆和手稿图书馆、耶鲁大学、位干加利福尼亚州科斯塔.梅萨(Costa Mesa)的加利福尼亚剧场等。

勒·柯布西耶

密斯.范.德.罗(Mies van der Rohe)和勒.柯布西耶都是20世纪最具影响力的白色直线形国际式建筑风格的积极倡导者。后者梦幻般的手法并没有忽视社会的最底层。在他的影响下，笔直耸立的平民区在二战后遍布全世界，现在这种风格的建筑大部分已经被推倒。法国东部的郎像(Ronchamp)圣母教堂、巴黎西区的萨沃耶(Savoye)别墅等这些建在美丽如画的乡村景色中的建筑物，是仅存的几个能代表他创造风格的作品，并巩固了他在20世纪建筑史中的地位。

阿尔瓦·阿尔托

阿尔瓦.阿尔托(Alvar Aalto)是芬兰伟大的设计师、建筑师和艺术家，现代派运动中重要的建筑师之一，对庭园景观设计作出了重大贡献。他把住宅与庭园结合在一起的手法，及其设计作品所体现出的生物形态结构给托马斯教堂的设计以灵感。

Ⅱ 阿尔瓦阿尔托的建筑思想是什么

阿尔托主要的创作思想是探索民族化和人情化的现代建筑道路。他认为工业化和标准化必须为人的生活服务，适应人的精神要求。阿尔托的创作范围广泛，从区域猜碰带规划、城市规划到市政中心设计，从民用建筑到工业建筑，从室内装修到家具和灯具以及日用工艺品的设计，无所不包。

他说:"标准化并不意味着所有的房屋都一模一样，而主要是作为一种生产灵活体系的手段，以适应各种家庭对不同房屋的需求，适应穗芦不同地形、不同朝向、不同景色等等。"他所设计的建筑平面灵活，使用方便，结构构件巧妙地化为精致的装饰，建筑造型娴雅，空间处理自由活泼且有动势，使人感到空间不仅是简单地流通，而且在不断延伸、增长和变化。阿尔托热吵携爱自然，他设计的建筑总是尽量利用自然地形，融合优美景色，风格纯朴。

Ⅲ 京剧是世界三大戏剧体系之一吗

是的，世界戏剧三大表演体系即分别以斯坦尼斯拉夫斯基(Konstantin·Stanislavsky，苏联戏剧家)，布粗岩莱希特(Bertolt Brecht，德国戏剧家)，梅兰芳为代表的三种表演体系。而梅兰芳就是代表的中国京剧艺术家群体。
世界戏剧三大表闭凳拆演体系即分别以斯坦尼斯拉夫斯基(Konstantin·Stanislavsky，苏联戏剧家)，布莱希特(Bertolt Brecht，德国戏剧家)，梅兰芳为代表的三种表演体系。二十世纪以来，有三个戏剧艺术家团体产生了世界性影响，这就是以斯坦尼斯拉夫斯基为首的莫斯科艺术剧院，布莱希特领导的柏林剧团，以梅兰芳为代表的中国京剧艺术家群体。这三个戏剧艺术家团体创造的戏剧艺术，各自自成一格，体现了现代三种不同的戏剧观或戏剧美学思想。
人们根据他们演剧方式、戏剧观念、美学思想的不同，把他们分别概括为斯坦尼斯拉夫斯基体系;布莱希特体系;梅兰芳为代表的京剧艺术体系。
这三个体系，从舞台艺术实践看，代表着三种不同的轿枣演剧方法;从戏剧理论上看，代表了三种不同的戏剧观和戏剧美学思想;从戏剧艺术风格上看，是三种不同的戏剧艺术流派;从戏剧史的角度看，它们代表了不同民族、不同时代的文化形态。

Ⅳ 先锋派电影的主要派别

法国20年代（1917——1928）的这场艺术运动的前期和后期有明显的不同。前期的理论探索和艺术实践主要集中于对光的认识；而1925年以后，则倾向于抽象化。所以将1925年以前的法国电影艺术运动称为“印象派，而将1925年以后的法国学派成为先锋派。不过，印象派电影一般被视为先锋派电影的前奏，甚至有人干脆把它归入先锋派，视为该运动的第一阶段。20年代的先锋派电影运动是世界电影史上的第一次电影运动。 法国先锋派电影运动开始于L．德吕克的艺术创作原物慧则，他要求与当时的商业影片彻底决裂，要求以电影手段发掘人与物的特征美。法国先锋派电影运动大致可分为3个阶段。
第一阶段
是以立体派画家F．莱谢尔和R．克莱尔等人的电影实验作品为代表，他们当时也把运动视为电影的本性,但与德国“先锋派影片不同之处是,他们并不把手绘的图形的变化作为表现内容，而是把日常生活中的物品或景像结合起来表现。如莱谢尔于1924年拍摄的短片《机械舞蹈》和克莱尔的《幕间节目》（1924）等，这些影片同样没有一个完整的故事情节和鲜明的主题。这些影片又称作“达达主义电影、“抽象电影或“纯电影。
第二阶段
是以年轻的女电影工作者G．杜拉克、原籍西班牙的L．布努艾尔、舞台剧编剧和青年诗人A．阿尔托等人的实验性影片为代表。
他们的影片受超现实主义文学的影响，表现人的潜意识，包括梦境、幻觉等。G．杜拉克于1928年拍摄的短片《贝壳与僧侣》（编剧A．阿尔托）主要是分析一个僧侣混乱的心理活动。借助一系列并无内在联系的镜头的组接进行一种精神分析；L．布努艾尔于1928年摄制的《一条安达鲁狗》也是以类似方法表现人的潜意识活动或者是对一种荒诞不经的新比喻的追求。这种电信派影又被称作超现实主义电影。
1929年后，法国电影的“先锋派运动也转入纪录电影。这种纪录电影很快就分为两种倾向：一种是以嘲讽社会现象为主,如法国导演J．维果的《尼斯景像》（1929～1930）主要是以怪诞的画面和奇特的剪辑,借实录的尼斯景像，嘲讽市内上流社会的生活丑态；另一种则是具有抒情色彩或唯美主义倾向的纪录片，如J．伊文思当时就是在W．鲁特曼和法国“先锋派运动的直接影响下，拍摄《桥》（1928）和《雨》（1929）的。 法国立体主义画家费尔南·莱谢尔最初从事电影创作的意图是要以电影的手段来进行他在绘画方面的研究，他在创作中自然地意识到电影为什么就不能摆脱叙事和演出的梗桔呢？他在《机器的舞蹈》（1923年）的拍摄中，便进行了这方面的探索。他将日常生活中自然运动的物象，如：钟摆、女孩儿荡秋千、上楼梯的妇女和活动的木马等等，同以电影手段使之运动起来的机器零件、橱窗模特儿的腿、商店里的日用品，以及招贴画和报纸的标题等等一些立体派画家所喜爱的造型物体加以并列，形成了一幕的确富有电影化运动效果的——机器的舞蹈。
由于莱谢尔十分强调纯构图形状的匹配和节奏性剪辑的对位处理，因此，影片中一切活动的物像都如同钟摆的节奏运动起来。那些自然物体成为富有生命力、感染力很强的活动影像，而人物的运动在失去了她的现实性的同时，却造成了一种特殊运动的感受方式。莱谢尔曾谈到他拍摄这部影片的目的，他是想“创造出常见的物体在时间和空间中的节奏，表现出它们的造型的美。然而，事实上正如齐格弗里德·克拉考尔所指出的那样“他在影片中表现出来的这种造型的美是属于节奏的，而不是属于为节奏所掩盖的物体本身的。对于电影视觉节奏的实验，莱谢尔的《机器的舞蹈》无疑是在探索着电影艺术表现的新的领域。 达达主义的艺术主张，被看作是荒谬的第一次世界大战的产物。达达主义的艺术家们以无政府主义者巴枯宁的“破坏就是创造的政治口号作为自己的美学信条，以文艺复兴时期的绘画杰作作为讽刺的对象，向传统艺术观进行挑战。最具有代表意义的是杜桑的《带胡须的蒙娜丽莎》。这一反艺术的艺术流派与20年代超现实倾向的电影美学相吻合，并在实验电影中找到了自己的佼置。曼·雷伊的《回到理性》（1923年），是达达主义的第一部作品。
制作者将钉子、钮扣、照片和带子狡在胶片上感光，创造出画面上杂乱物品的轮廓。影片放映时罩坦答，先锋派电影艺术家们的狂热，几乎捅坏了天花板，人们把这一次看作是非常成功的晚会。达达主义者就是寻求这种所谓“机器和阳伞在手术台上突然相遇的美。而翌年，由雷内·克莱尔拍摄的《幕间休息》，则成为达达主义最为杰出的一部代表作品。
雷内，克莱尔将卓别林的喜剧精神与《机器的舞蹈》中的幽默感溶人到他的作品中，创造出《幕间休息》这部“荒唐的杰作。那些恰似达达主义艺术家的梦境——在巴黎屋海上空飘荡的纸船，香烟变成了希腊庙宇的柱子，和几个达达主义艺术家们的游戏场面——曼·萨蒂在搬运一尊大炮、舞蹈家让·布尔林滑稽地穿着猎装出现在香树里舍剧场的房顶上，以及用高速摄影和低速摄影造成的失去庄严感的送葬队伍和最后从棺材里站立起来的布尔林等等，在富有节奏感的剪辑中，构成了一部既充满想象力，而又荒诞无稽的达达主义的影片。值得注意的是，与曼·雷伊的《回到理性》相比较，雷内·克莱尔的《幕间休息》并不是利用了抽象的形式，而是利用了现实生活的素材。然而，形成其同一风格的关键，则是他们所共有反理性的艺术主张。《幕间休息》中的视觉素材的现实时空，被克莱尔有意识地剪乱，并以一种反逻辑的形式出现。同时，那些次序颠倒的视觉片段本身也没有什么故事结构可言，而是达达主义绘画的“换位法，在电影剪辑技巧上的新的发现。特别是那个着名镜头：开始从下面仰拍的穿着裙子跳着轻盈舞步的芭蕾舞演员，在镜头升上来之后，却使人意外地发现那是一个长着落腮胡子戴着夹鼻眼镜的男人。克莱尔在这里创造出“相互不同质的要素在平面上接触会产生诗意的燃烧的奇异的视觉效果。目的就是要引起观众的哄堂大笑。在雷内·克莱尔的达达主义美学追求中现实素材失去了它的现实性，而成为了超现实性的。 达达主义电影中的超现实性的美学追求，最终导致超现实主义电影的诞生。正如文学和绘画从达达主义演进到超现实主义一样。超现实主义的电影制作者们，在达达主义电影的无逻辑无理性的美学基础上“试图把梦境、心理变饱、无意识或潜意识过程（主要是受弗洛依德的影响，小部分是受马克思主义的影响）搬上银幕。创造出一种存在于艺术家内心的、超越梦幻与现实的绝对现实的电影作品。 超现实主义成为许多先锋派电影艺术的最终归宿。谢尔曼·杜拉克拍摄的《贝壳与僧侣》（1927年刘易士·布努艾尔拍摄的《一条安达鲁狗》）。1928年加斯东·拉韦尔拍摄的《珍珠项链》1929年以及曼·雷伊拍摄的《海之星》等，都成为这一时期超现实主义的代表作品。
在这些具有戏剧因素，但缺少戏剧动作的影片中，爱情成为他们描写梦幻与现实相离异的主要对象。其中杜拉克的《贝壳与僧侣》被看作是超现实主义的第一部电影作品。影片描写了一个禁欲而性无能的牧师幻想着和一个先后扮作传教士、将军和监狱看守的情敌之间为争夺一个女孩儿的故事，然而，影片在以一系列的画面去揭示人物的心理状态时，却更多地突出了牧师的痛苦和悲哀，而缺少那个时代应有的幽默感，因此并没有引起人们的多大兴趣。此后，布努艾尔的《一条安达鲁狗》（萨尔瓦多。达利参加了剧本的创作）以描写一个精神困顿的流浪汉那一连串的梦境，从而进入人类潜意识状态的探索，并试图激起观众的内心冲动的影片，才真正引起人们注意，被视为是一部超现实主义的典型的代表作品。 在影片《一条安达鲁狗》中，人物的梦境和潜意识状态，则是由一个个令人惊怖的恐怖事件和镜头连接起来：男人用剃刀将女人的眼球割开、街道上的一起车祸、半阴阳人凝视着砍断的手、钢琴上堆放的烂驴肉、企图一次强奸、掌心中的一窝蚂蚁等等。
整部影片充满了暴力、性欲和古怪的幽默，突出了超现实主义作品不受理性和逻辑支配的特点。在《一条安达鲁狗》的表现形式中，与印象主义心理叙事和雷内·克莱尔《幕间休息》相比较存在着共同之处，即影片中的景物和人物都是现实的，他们似乎对那些非现实的几何图形、线条等在胶片上作画的方式不感兴趣。自然他们也存在着不同之处：与印象主义心理叙事相比较，影片的剧情没有任何叙事逻辑可言，剧中人物的行为和动机也没有任何的心理依据，一切都是出自于一种原始的无理性的冲动。与克莱尔的《幕间休息》相比较，影片则失去了那种无忧无虑的轻松感，布努艾尔称“《一条安达鲁狗》是一种杀戮的绝望而激烈的呼吁，它象征着20年代末青年知识分子对于社会现实充满矛盾情绪的反抗精神。同时，影片还明显地从先锋派电影对于纯节奏形式的探索转向了对于内容的探索。而“这种富于含义的内容显然是属于幻想领域的。说得更精确一些，那就是要求使幻想不知不觉地变得比我们的感觉世界更真实和更重要。内心现实成为超现实主义者“唯一关心的现实，正如克拉考尔所指出的那样：超现实主义者“深信内心的现实是远远高出于外部的现实的。因此，它们的首要目标是通过本能活动、梦境、幻想等等，具体地表现出内心的生活流和它的全部内容，而毫不借助于故事或任何其他理性的方法。
活跃于法国‘20年代的超现实倾向的各种流派，在对于电影美学充满热情、积极的探索中，尽管那些年轻的电影制作者们思想上还存在着某些局限，尽管他们的某些理论和主张还过于偏激，但是，他们对于“动态的造型艺术的理解，对于电影形象结构的开掘，对于电影视觉语言的贡献都是无可估量的。仅就超现实主义而言，它在电影中真正地实现了超现实主义作家布鲁东的愿望：“（时间）分割、被打乱、被消灭了。现在和将来不再互相抵触。生活在昨天或者明天，和生活在今天一样容易，甚至可以同时生活在昨天和明天。这无疑成为50年代末再度兴起的现代主义电影的创作基础。同时，法国先锋派电影的实验精神也不断地激励着不同时期、不同民族的电影艺术家们对于电影艺术更具想象力、更新颖、更奇特、更深入的美学探索。

Ⅳ 阿尔托的理论有什么特点

阿尔托的理论带有一种模糊的性质，因此，人们对他的理论的诠释也是不同的。他所提出的“残酷戏剧颂蔽”的概念，他本人的解释也并非那么明确。他说，“我说的残酷是指事物可能对我们施加的、更可怕的、必然的残酷，我们是不自由的。天有可能在我们头上塌下来。野哪州而戏剧的作用正缓慧是首先告诉我们这一点。”

Ⅵ 现代建筑的主要派别 叙述代表人物 作品 主要风格特点

派别

战后初期影响较大的有表现派(expressionism)、风格派(de stijl，也称新造型派neo-plasticism，或要素手培派elementarism）和构成派(constructivism)。德国、法国、荷兰以及十月革命后最初几年的苏联是这些新流派最活跃的地方。1919～1920年建造的德国波茨坦市的爱因斯坦天文台（建筑师E.门德尔松）是表现派的代表作品。建筑师G.T.里特弗尔德1924年设计的荷兰乌德勒支市一所小住宅体现了风格派的特征。苏联美术设计师B.E.塔特林1929～1930年所作的第三国际纪念碑建筑设计方案是构成派的作品。

美术方面的派别
表现派、风格派、构成派等原是美术方面的派别。它们对建筑创作的影响主要是在造型风格方面。要解决建筑向何处去的问题，还需要回答一系列实际的与理论的课题。其中包括建筑如何满足现代生产和生活提出的功能要求；建筑如何同工业和科学技术相配合；建筑如何适应新的社会经济条件；毕银唯建筑师如何改进自己的工作方
中国的现代建筑
法等等。在这些方面，19世纪下半叶以来已有一些人作过探索。在此基础上，第一次世界大战后，西欧一批青年建筑师提出了比较系统比较激进的改革建筑创作的主张,并且推出一批大胆创新的优秀作品,大大推动建筑改革走向高潮。德国建筑师W.格罗皮乌斯和L.密斯·范·德·罗，法国建筑师勒·柯布西耶是他们中的杰出代表。
特点：广义的现代建筑指折中主义搏羡之后出现的以新结构、新材料、新形式为核心的建筑
1、现代建筑的主要特点：
强调建筑要随时代而发展，现代建筑应同工业化社会相适应；
强调建筑师要研究和解决建筑的实用功能和经济问题；
主张积极采用新材料、新结构，在建筑设计中发挥新材料、新结构的特性；
主张坚决摆脱过时的建筑样式的束缚，放手创造新的建筑风格；
主张发展新的建筑美学，创造建筑新风格。
2、现代建筑在美学上的特点：
表现手法和建造手段的统一；
建筑形体和内部功能的配合；
建筑形象的逻辑性；
灵活均衡的非对称构图；
简洁的处理手法和纯净的体型；
在建筑艺术中吸取视觉艺术的新成果。
参考资料：《外国建筑史》《艺术史》
代表人物：德国的格罗佩斯和米斯·凡·德·罗,法国的勒·柯布西耶,芬兰的阿尔瓦·阿尔托
这个也许不全，建议你搜现代主义建筑会更好

Ⅶ 建筑设计的派别

建筑派系分类

浪漫主义建筑（ROMANTICISM ARCHITECTURE）18世纪下半叶到19世纪下半叶欧美一些国家在文学艺术中的浪漫主义思潮影响下流行的一种建筑风格。浪漫主义在艺术上强调个性，提倡自然主义，主张用中世纪的艺术风格同学院派的古典主义艺术相抗衡。这种思潮在建筑上表现为追求超尘脱俗的趣味和异国情调。18世纪60年代至19世纪30年代是浪漫主义建筑发展的第一阶改穗段，又称先浪漫主义。出现了中世纪城堡式的府邸，甚至东方式的建筑小品。19世纪30～70年代是浪漫主义建筑的第二阶段，它已发展成为一种建筑创作潮流。由于追求中世纪的哥特式建筑风格，又称为哥特复兴建筑。

古典复兴建筑：18世纪60年代到19世纪末在欧美流行的复古思潮的一种表现形式。它可分为罗马复兴和希腊复兴两种倾向。在建筑方面，古罗马的广场、凯旋门、纪功柱等纪念性建筑成为效法的榜样。但他们没有简单地抄袭古典建筑式样，古典复兴建筑体形单纯、独立、完整，细部处理朴实，形式合乎逻辑，纯装饰构件较少。采用古典古典复兴建筑风格的主要是国会、法院、银行、交易所、博物馆、剧院等公共建筑和一些纪念性建筑。

折衷主义建筑ECLECTIC ACHITECTURE19世纪上半叶在欧美兴起的一种建筑创作思潮。折衷主义为了弥补古典主义与浪漫主义在建筑创作中的局限性，任意模仿历史上的各种风格，或自由组合各种式样，故有“集仿主义”之称。折衷主义建筑师不讲固定的法式，只讲求比例均衡，注重纯形式美。刻意求新，立足于创造丰富多彩的建筑。他们将罗马、希腊、拜占廷、中世纪、文艺复兴和东方情调的各式各样融会于自己的建筑作品里，以求摆脱一脉相承的谱系，创造本时代的建筑风格。

工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）：亦称手工艺运动。19世纪后期英国出现的设计改革运动，提倡用手工艺生产表现自然材料，以改革传统稿胡形式，反对粗制滥造的机器产品。在建筑上主张建造“田园式”住宅来摆脱古典建筑的束缚。因建筑风格打破传统手法，根据功能需要自由设计平面与造型，又得名为“自由建筑运动”。代表人物是拉斯金和莫里斯。代表作品是魏伯设计的“红屋”。

新艺术运动（Art Nouveau）：19世纪80年代始创自比利时，它的特点在于运用自由曲线模仿自然形态。代表人物有凡•德•费尔德（Henry van de Velde）、霍尔塔（Victor Horta）等。在建筑风格上反对历史式样，采用流键歼拦动的曲线和以熟铁装饰的表现方式，试图创造适合工业时代精神的简化形式。但由于仅限于在建筑形式上尤其是室内装饰的创新，而未能解决建筑形式、功能、技术之间的结合，因而很快就逐渐衰落。

维也纳学派（Vienna School）：19世纪90年代末受新艺术运动的影响在奥地利的维也纳形成的以瓦格纳为代表人物的建筑家集团。他们主张建筑形式应是对材料、结构与功能的合乎逻辑的表述，反对历史样式在建筑上的重演。代表作品是瓦格纳设计的维也纳邮政储蓄银行。
分离派（Secession）：1897年维也纳学派中的部分成员成立的建筑派系。主张造型简洁和集中装饰，装饰的主题采用直线和大片光墙面以及简单的立方体。代表人物是奥别列去、霍夫曼（J.Hoffmann），代表作品是奥别列去设计的分离派展览馆。

风格派：1917年由万•陶斯伯主编的期刊《风格》在荷兰问世，并把风格一词作为同时成立的集团名称。成员有画家、雕刻家、建筑家和作曲家。风格派的目标是把艺术从个人情感中解放出来，寻求一种客观的、普遍的、建立在对时代的一般感受上的形式。建筑造型基本以纯净的几何式：长方
德意志制造联盟：在沐迪修斯的倡导下，1907年德国成立了由企业家、工程技术人员、艺术家参加的全国性的的组织“德意志制造联盟”。目的在于提高工业产品的质量以开辟国际市场。提出的指导思想是运用先进的工业技术，经过优良的设计，生产质地优良，美观实用的产品，范围包括从日用品到房屋建筑。联盟促进了德国建筑领域的创新活动向与工业结合的方向发展，联盟成员的建筑作品如贝伦斯的AEG透平机车间、格罗皮乌斯和梅耶的法古斯工厂都具有了现代建筑的特征。
风格派（Stijl De） 风格派的目标是把建筑、雕刻和绘画有机地组成一个明白易懂的、基本的、不动感情的结构。主张把艺术从个人情感中解放出来，寻求一种客观的、普通的、建立在对时代的一般感受上的形式。风格派建筑师努力寻求尺寸、比例、空间、时间和材料之间的关系，否定建筑中封闭构件的作用，消除其内部和外部的两重性，打破室内的封闭感与静止感而强调向外扩散，使建筑成为不分内外的空间和时间结合体。建筑造型基本以纯净的几何式：长方、正方、无色、无饰、直角、光滑的板料作墙身，立面不分隔区别作用，认为最好的“艺术”是基本几何形象的组合和构图。风格派的主要成员有画家蒙德里安、万•陶斯伯、雕刻家万顿吉罗（G•Vantongerloo）、建筑师万特霍夫（Matn’Hoff）、奥德（J.J.P.oud）、里特维德（G.T.Rietveld）等。，风格派代表作是1924年由里特维德设计的乌德勒支（Utrecht）的施罗德住宅。

构成主义（Construction） （亦称构成派）前苏联“十月革命”以后，雕刻艺术家K•马里维奇（Kasimir Malevich 1878~1933）和N贾波（Naum Gabo 1890~1977）、A•佩夫斯纳（Antoine Pecsner）两兄弟把未来主义与立体主义的机械艺术相结合，发展成为构成主义，其纲领为：谋求造型艺术成为纯时空的构成体，使雕刻、绘画均失其特性，用实体代替幻觉，构成既是雕刻、又是建筑的造型，建筑的形成必须反映出构筑手段。代表作品是1920年踏特林设计的第三国际纪念碑模型、1924年维斯宁兄弟设计的“列宁格勒真理报分社”方案、1925年梅尔尼柯夫（Konstantin Menikov）设计的巴黎国际现代装饰工业艺术博览会苏联馆。

未来主义（Futurism）（亦称未来派）1908年由意大利青年诗人托马索•马利内蒂（Tommaso Marinetti）在米兰发起，次年在巴黎发表未来主义宣言。1914年意大利建筑家安东尼奥•圣•埃利亚在米兰加入未来主义行列，并发表“未来主义建筑宣言”。他在城市建设工程中提出“动”与“变”，用构图方案表达高层建筑物的电梯以及地铁和多层车道的高速关系及新时代精神，形成了建筑领域中的未来主义倾向。未来主义者反对古典的、庄重的、祭祀的、戏剧性的、装饰的、纪念性的、轻巧的及一切取悦于人的建筑，反对保护、修复和重建古典建筑。他们反对垂直线和水平线，反对立方体、方锥体和圆，提倡斜线和椭圆的创造的富有动态的建筑机体。

表现主义（Expressionism）（亦称表现派）产生于20世纪的德国和奥地利，于1910年前后趋于成熟。表现主义画家重个性、重感情、重主观需要，设想通过外在表现、扭曲形象或强调某些色彩，把梦想世界显示出来，以引起观者情绪上的激动。表现主义建筑师采用奇特、夸张的建筑形体来表现某些思想情绪、象征某种时代精神。最能代表表现主义风格的作品是由门德尔松1920年设计的德国波茨坦市爱因斯坦天文台。

纯粹主义（Purism） 以新帕拉图哲学为基础，涉及到所有塑性表现的造型设计倾向。由建筑师兼画家勒•柯布西耶和画家奥占芳发展起来的。1920年以后，在柯布西耶的力主下，建筑领域出现了纯粹主义创作思潮。它以“数学”即秩序为基础建立新的美学观，提倡由经济法则和数字计算形成不自觉的美。建筑师应该注意的是构成建筑自身的平面、墙面和形体，并应在调整它们的相互关系中创造纯净与美的形式。“法线”是在创造纯净与美的形式的过程中，用来作为构图参考的。在建筑造型上，纯粹主义摒弃个人情感，反对装饰，认为比例是处理建筑体量与形式中最为重要的问题，提倡表现立方体，圆锥体以及它们在阳光下的光影变化为主的构图手法。萨伏伊别墅是纯粹主义的经典作品。

理性主义（Rationalism）简称Rats。20世纪初期，欧美建筑界扬弃古典理性主义思想，科学地探索现代建筑发展方向的创作思潮。理性主义的基本原则是：1、注重建筑目的的逻辑性，将房屋与使用者联系在一起，把经济放在首要的地位。试图以建筑参与或解决部分社会问题。2、注重建造过程的逻辑性。系统地引进工业技术、标准化和在环境设计的各个层次进行预制化。反对装饰，提倡建筑形式与结构体系及建造过程协调一致，建筑外形能如实地反映建筑结构及构造特点。3、注重建筑使用的逻辑性。提倡简洁、清晰、明朗的建筑风格，视空间为建筑的实质，强调空间设计的重要性，建筑应尽可能地满足功能要求。理性主义不是一种流派，而是一种创作思潮。

国际式 International Sryle（亦称“国际风格”）20世纪20年代以后，各国的建筑相互影响，在条件相似的情况下，出现的一种彼此接近的形式风格。1925年，格罗皮乌斯编印过一本建筑图集，其中收集了德国建筑师贝伦斯、法国建筑师贝瑞、勒•柯布西耶等人，以及他自己的作品，这本图集题名为《国际建筑》。这个书名在20年代末期转变为一种特定建筑风格的名称——“国际式”。1932年，纽约现代艺术博物馆展出过75幅欧美新建筑图片，约翰逊和希契科克（R.H.Hirchcock）为此编写了一本书，名为《国际式：1922年以来的建筑》（International Style,Architecture Since 1922）。从此，“国际式”这个名称在许多地方被当作现代建筑的同义语了。国际式不是一种创作思潮，而是现代社会发展中存在的一种极为普遍的建筑形象。国际式建筑的特点是手法洗练，以矩形体为主，平顶、多窗、少装饰，房间布局自由，把秩序作为设计的要素之一。

功能主义（alism）在现代建筑中设计中，将实用作为美学主要内容、将功能作为建筑追求目标的一种创作思潮。芝加哥建筑师沙里文是功能主义的奠基者。提出“形式服从功能”的口号。早期功能主义的重点是解决人的生理需要，其设计方法为“由内向外”逐步完成。在功能主义发展的晚期。人的心理需要被引进建筑设计之中，建筑形式成为功能的一个组成部分。

芝加哥学派 （Chicago School） 美国最早的建筑流派，是现代建筑在美国的奠基者。芝加哥学派突出功能在建筑设计中的主要地位，明确提出形式从功能的观点，力求摆脱折衷主义的羁绊，探讨新技术在高层建筑中的应用，强调建筑艺术应反应新技术的特点，主张简洁的立面以符合时代工业化的精神。芝加哥学派的鼎盛时期是1883年~1893年之间，它在建筑造型方面的重要贡献是创造了“芝加哥窗”，即整开间开大玻璃，以形成立面简洁的独特风格。在工程技术上的重要贡献是创造了高层金属框架结构和箱形基础。工程师詹尼（William Le Baron Jenney 1832~1907）是芝加哥学派的创始人，他1879年设计建造的第一拉埃特大厦。1885年他完成的“家庭保险公司”十层办公楼（Lnsv rancr uilding）,标志芝加哥学派的真正开始，是第一座钢铁框架结构。沙利文是芝加哥学派的一个得力支柱，他提倡的“形式服从功能”为功能主义建筑开辟了道路。

包豪斯学派（Bauhaus School）20世纪20年代德国以包豪斯为基地形成与发展的建筑学派。格罗皮乌斯是包豪斯的核心人物，他与包豪斯其他成员共同创造了一套新的、以功能、技术和经济为主的建筑观、创作方法和教学观。他们重视空间设计；强调功能与结构的效能；把建筑美学同建筑的目的性、材料性能和建造方式联系起来；提倡以新的技术来经济地解决好新的功能问题。包豪斯的教学特点是：反对模仿因袭，将产品设计同机器生产、社会发展及各门艺术结合起来，培养学生的动手能力和理论素养。包豪斯学派的代表作是包豪斯校舍。

草原式住宅（Prairie Style）美国着名建筑师莱特（Frank Lloyd Wright ,1869~1959）于1900年前后设计的一系列住宅，这类住宅大多座落在郊外，用地宽阔，环境优美。建筑从实际生活需要出发，在布局、形体、以至取材上，特别注意同周围自然环境的配合，形成了一种具有浪漫主义闲情逸致及田园诗意般的典雅风格。草原式风格追求表里一致性，建筑外形尽量反映出内部空间关系，注意建筑自身比例与材料的运用，力图摆脱折衷主义的常套，造型效果犹如植物覆盖于地面一样。建筑往往利用垂直方向的烟囱将高高低低的水平墙垣、坡度平缓的屋面、层层叠叠的水平方向阳台与花台及舒展而又深深的挑檐统一起来。它既具有美国建筑的传统风格，又突破了传统建筑的封闭性，很适合于美国中西部草原地带的气候和地广人稀的特点。建筑以砖木结构为主，尽量表现材料的自然本色，重点装饰部分的花纹大多图案化的植物图形或由直线组成的几何图形。伊利诺州的威立茨住宅（Willitts House 1902）是草原式住宅的代表。

有机建筑 （Organic Architecture）20世纪20年代产生于美国的现代建筑理论及创作思潮。1900年，沙里文（Louis Henry Sullivan,1856~1924）明确地提出了有机建筑的观点，他强调整体与细部、形式与功能的有机结合。真正把有机建筑发扬光大，并推动其成为现代建筑创作思潮的是美国着名建筑师莱特。有机建筑特点可概括为四个方面：1、建筑的整体性与统一性。特别突出视觉和艺术的统一，常以母题构图贯穿全局；2、空间的自由性、连贯性和一体性。主张“开放布局”（Open planning）;3、材料的视觉特色和形式美；4、形式与功能的统一。主张从事物事物的本质出发，提倡由内而外的设计手法。流水别墅（亦称考夫曼别墅1936~1939）是有机建筑的代表作。有机建筑的代表人物还有哈里宁（Hugo hlaring）、阿尔托•夏隆（Hans Scharoun）、奥托（F.Otto）等。

国际现代建筑协会 （CIAM the International Congress of Modern Arohitecture）简称：“国际建协”，亦译“国际新建筑会议”。1928年，由24位代表各国的建筑师（法国6人、瑞士6人、德国3人、荷兰3人、意大利2人、西班牙2人、奥地利1人、比利时1人）在瑞士一古堡聚会，成立了“国际现代建筑协会”。其目的是反抗学院派的势力，讨论科学对建筑的影响、城市规划以及培训青年一代等问题，为现代建筑确定方向。CIAM的基本观点是：建筑是与人类生活有密切关联的基本活动；建筑师的使命是用新建筑反映现代精神、物质生活；建筑形式随社会、经济等条件的改变而改变；要谋求调和各种不同的因素，把建筑在经济与社会方面的地位摆正。它的宗旨是坚持研究与创作的权力，树立独特见解。

机器美学 其含义有三方面：其一，建筑应象机器一样符合实际的功用，强调功能和形式之间的逻辑关系，反对附加装饰；其二，建筑象机器那样可以放置在任何地方，强调建筑风格的普遍适应性；其三，建筑应象机器那样高效，强调建筑和经济之间的关系。柯布什耶的“房屋是居住的机器”就是基于这种思想而提出的。

模度（Molor）又称模数理论。柯布什耶从人体尺度出发，选定下垂手臂、脐、头顶、上伸手臂四个部位为控制点，与地面距离分别为86、113、183、226cm。这些数值之间存在着两种关系：一是黄金比率关系；另一个是上伸手臂高恰为脐高的两倍，即226和113cm。利用这两个数值为基准，插入其他相应数值，形成两套级数，前者称“红尺”，后者称“蓝尺”。将红、蓝尺重合，作为横纵向坐标，其相交形成的许多大小不同的正方形和长方形称为模度。但有人认为柯布什耶的模度不能为工业化所利用，因为其数值系列不能用有理数来表达。

居住单位 柯布什耶把他所设计象马赛公寓那样带有服务设施的居住大楼当作组成现代城市的一种基本单位而称做“居住单位”。

少就是多 密斯把他先结构、后形式，先空间、后功能和讲究条理的设计方法归结为把他在1928年说过的这句话“少就是多”，其具体内容寓意于两个方面：一是简化结构体系，精简结构构件，使产生没有屏障或屏障很少的可作任何用途的建筑空间；二是净化建筑形式，精确施工，使之成为不附有任何多余东西的只是由直线、直角组成的规整和纯净的钢和玻璃方盒子。

十次小组 （Team X）以史密森夫妇为首的一个青年建筑师组织。他们因在CIAM十次大会上公开倡导自己的主张，并对过去的方向提出创造性的批评而得名。十次小组形成于1954年1月在杜恩召开的CIAM十次大会的准备会议。十次小组提倡以人为核心的城市设计思想：建筑与城市设计必须以人的行为方式为基础，其形态来自于生活本身的结构发展。

典雅主义 （Fornalism）亦译“形式美主义”，又称“新古典主义”、“新帕拉蒂奥主义”、“新复古主义”。二次世界大战后美国官方建筑的主要思潮。它吸取古典建筑传统构图手法，比例工整严谨，造型简练轻快，偶有花饰，但不拘于程式；以传神代替形似，是战后新古典区别于30年代古典手法的标志；建筑风格庄重精美，通过运用传统美学法则来使现代的材料与结构产生规整、端庄、典雅的安定感。典雅主义发展的后期出现两种倾向：一是趋于历史主义，另一是着重表现纯形式与技术特征。典雅主义主要代表人物有：美国建筑师菲利蒲•约翰逊（P.Johnson 1906~）、斯东（Edwand.D.Stone,1902~1978）、和雅马萨基（M..amasaki,1912~）。斯东设计的美国在新德里的大使馆（U.S.Embassy New Delhi 1955~1958）于 1961年获美国AIA奖，是典雅主义代表作。

粗野主义 （Brutalism）亦译“野性主义”或“朴野主义”。以着名建筑师勒•柯布西耶比较粗犷的建筑风格为代表的一种设计倾向。1、粗野主义同纯粹主义一样，以表现建筑自身为主，讲究建筑的形式美，认为美是通过调整构成建筑自身的平面、墙面、空间、车道、走廊、形体、色彩、质感和比例关系而获得；2、把表现与混凝土的性能及质感有关的沉重、毛糙、粗鲁作为建筑美的标准。粗野主义在建筑材料上保持了自然本色；3、以大刀阔斧的手法使建筑外形造成粗野的面貌。突出地表现了混凝土“塑性造型”的特征。马赛公寓是粗野主义达到成熟阶段的标志。粗野主义对现代建筑思潮演变起了较大的作用，但它正式得名是在1954年史密森夫妇（A.&P.Smithon）提出“新粗野主义”概念之后。史密森夫妇追随柯布西耶粗犷的建筑风格，热衷于对建筑材料特性的表现，并将之理论化、系统化，形成一种有理论、有方法的设计倾向。他们自称是“新粗野主义”，即柯布西耶以前的探索则为“粗野主义”。两者一脉相承，并无本质上的差异。

高技派 （High-Tech）亦称“重技派”。20世纪50年代后期起的、建筑造型、风格上注意表现“高度工业技术”的设计倾向。高技派理论上极力宣扬机器美学和新技术的美感，它主要表现在三个方面：1、提倡采用最新的材料——高强钢、硬铝、塑料和各种化学制品来制造体量轻、用料少，能够快速与灵活装配的建筑；强调系统设计（Systematic Planning）和参数设计（Parametric Planning）;主张采用与表现预制装配化标准构件。2、认为功能可变，结构不变。表现技术的合理性和空是的灵活性既能适应多功能需要又能达到机器美学效果。这类建筑的代表作首推巴黎蓬皮杜艺术与文化中心；3、强调新时代的审美观应该考虑技术的决定因素，力求使高度工业技术接近人们习惯的生活方式和传统的美学观，使人们容易接受并产生愉悦。

密斯风格 （Miesian Architecture）又称“简素主义”、“纯净主义”由着名建筑师密斯•凡•德•罗（Ludwig Mies Van Der Rohe 1868~1970）提倡的，40年代末到60年代盛行于美国的一种建筑设计倾向，以“少就是多”为理论根据，以“全面空间”、“纯净形式”和“模数构图”为特征的设计方法与手法，其设计原则是“功能服从空间”。它具有表现主义倾向、提倡忠实于结构和材料，特别强调简洁严谨的细部处理手法。

象征主义 （Symbolisn）20世纪60年代较为流行的一种建筑设计倾向。象征主义追求建筑个性的强烈表现，设计的思想及意图常寓意于建筑的造型之中，能激起人们的联想。象征主义建筑在满足功能的基础上，把艺术造型和环境设计作为首要考虑的问题。它可分为具体的象征和抽象的象征二种形式。E•萨里宁（Eero Saarinen 1910~1961）设计的纽约环球航空公司航空站（TWA Terminal , Keunedy Airport,1956~1960）是象征主义代表作。

银色派 （The Silvers 亦称：“光亮派”slick style）20世纪60年代流行于欧美的一种建筑思潮。银色派在建筑创作中注重先进技术、综合平衡、经济效益和装修质量。其风格特征主要表现在大面积的玻璃幕墙上。其建筑特点是：1、通过大面积镜面或半反射玻璃使建筑融合在四周环境的映象或蓝天的背景之中，并能创造出影像不断变化的动态效果；2、反映工业化的时代特点，反映出新的艺术观，它光泽晶莹、现代感强；3、由于建筑材料的限制，它具有风格程式化的趋向，缺乏地方特色；4、由于透明，反射的效果，给街上的汽车驾驶带来了一定困难。银色派的代表人物是耶鲁大学建筑学院院长佩利。1971年佩利创造了银色派的经典作品——洛杉矶太平洋设计中心。

灰色派 （The Grays 亦称：“兼俗主义”或“包含主义”）20世纪60年代流行于欧美的一种建筑思潮。灰色派公开宣布与现代主义分道扬镳，认为建筑应该歉收并蓄各种形式，可以将古往今来不同建筑特点结合在一起。开放的、包罗万象的、联系传统的建筑。灰色派的建筑理论基础来自于美国着名建筑师文丘里（Robert Venturi 1925~）。文丘里所着的《建筑的复杂性与矛盾性》（Complexity and Contracdiction in Architecture.1966）和《向拉斯维加斯学习》（Learning from Las Vegas.1972）是灰色派的经典着作。灰色派是后现代派的主要创作思潮。

白色派 （The Whites） 以“纽约5[埃森曼（Peter Eisenman）、格雷夫斯（Michael Graves）、格瓦斯梅（Charles Graves）、赫迪尤克（John Hedjuk）、和迈耶（Richard Meier）]”为核心的建筑创作组织，在本世纪70年代前后最为活跃。他们的建筑作品以白色为主，具有一种超凡脱俗的气派和明显的非天然效果，被称为美国当代建筑中的“阳春白雪”。“纽约5”与“白色派”常为互代。他们的设计思想和理论原则深受风格派和柯布西耶的影响，对纯净的建筑空间、体量和阳光下的立体主义构图、光影变化十分偏爱，故被称为早期现代主义建筑的复兴主义。白色派建筑的主要特点是：1、建筑形式纯净，局部处理于净利落、整体条理清楚。2、在规整的结构体系中，通过蒙太奇的虚实的凹凸安排，以活泼、跳跃、耐人寻味的姿态突出了空间的多变，赋予建筑以明显的雕塑风味；3、基地选择强调人工与天然的对比，一般不顺从地段，而是在建筑与环境强烈对比，互相补充、相得益彰之中寻求新的协调；4、注重功能分区，特别强调公共空间（Public Spaces）与私密空间（Private Spaces）的严格区分。迈耶设计的道格拉斯住宅（Douglas House 1971~1973）是白色派作品中较有代表性的一个。80年代以后，白色派的五位主要成员各自沿着自己的创作方向奋力前进，他们获得了举世瞩目的成就。但是，白色派做为一个建筑组织却随之逐渐消失了。

阿基格拉姆学派 （Archigram亦译“建筑电讯团”或“阿基格拉姆集团”）1960年以彼得•库克（Peter Cook）为核心，为伦敦二建筑专业学生集团为主体成立的建筑集团，他们把使用建筑的人看成是“软件”、把建筑设备看成是“硬件”，是建筑的主要部分。“硬件”可依据“软件”的意图充分为之服务。至于建筑本身，他们强调最终将被建筑设备所代替，因此被看成是“非建筑”（Non-Architecture）或“建筑之外”（Beyond Architecture）。阿基格拉姆学派反对传统、反对专制、反对任何形式的束缚，提倡自由，对技术抱着乐观的态度。

新陈代谢派 （bolism）在日本着名建筑师丹下健三的影响下，以青年建筑师大高正人、植文彦、菊竹清川、黑川纪章以及评论家川添登为核心，于1960年前后形成的建筑创作组织。他们强调事物的生长、变化与衰亡，极力主张采用新的技术来解决问题，反对过去那种把城市和建筑看成固定地、自然地进化的观点。认为城市和建筑不是静止的，它像生物新陈代谢那样是一个动态过程。应该在城市和建筑中引进时间的因素，明确各个要素的周期（Cycle），在周期长的因素上，装置可动的、周期短的因素。1966年，丹下健三完成了山梨县文化会馆。它较为全面地体现了新陈代谢派的

Ⅷ 阿尔瓦阿尔托的建筑风格是什么

阿尔托主要的创作思想是探索民族化和人槐兆情化的现代建筑道路。他认为工业化和标准化必须为人的生活服务，适应人的精神要求。阿尔托的创作范围广泛，从区域规划、城市规划到市政中心设计，从民用建筑到工业建筑，从室内装修到家具和灯具以及日用工艺品的设计，无所不包。 阿尔瓦·阿尔托最初的计划是在不使用任何工具的情况下进行随意的勾勒，因此，在保证功能性关系和细节问题的前提下，无论在不规则的形状上还是在结构上，他所设计的作品都表现出其创造性和随意性。他使用不同的材料，并采用综合的结构，同时还充分了解现场的场地特征，然后对每项建筑项目进行完美的设计。阿尔托采用大量重叠的手法开辟了更大的空间，并将窗户的衔接、外界的景物通过一种光滑的曲线形式连接起来，以达到动感十足的目的。阿尔托经常在他的设计中采用这种设计方式，他认为这种设计可以达到人神共性的目的，而且可以留出更大的空间。当然，他也非常关注人性的特征。
阿尔托使用诸如木材、砖块、石头、铜以及大理石等天然资源，同时也利用自然光线进行自然的衔接，风格实在而且连贯。鉴于他对土地的轮廓、光线的角度和方向的敏感性，因此他需要自然环境和与自然环境相通的社会环境之间直接的联系，并能充分利用当地的自然景观。他们通过对自然环境的考察、自然资源的使用以及对景观和植被环境的利用等，在建筑设计上获得了巨大的成功。大自然、阳光、树木以及空气等都在自然与人类和谐与平衡之间起了相当重要的作用。
和勒·柯布西耶的观点相反，阿尔托认为自然不是机器，不应该为建筑的模式服务，这种观点与 弗兰克·劳埃德·赖特的不谋而合。同时他还强调：“建筑不应该脱离自然和人类本身，而是应该遵从于人类的发展，这样会使自然与人类更加接近。” 他说：“标准化并不意味着所有的房屋都一模一样，而主要是作为一种生产灵活体系的手段，以适应各种家庭对不同房屋的需求，适应不同地形、不同朝向、不同景色等等。他所设计的建筑平面灵活，使用方便，结构构件巧妙地化为精致的装饰，建筑造型娴雅，空间处理自由活泼且有动势，使人感到空间不仅是简单地流通，而且在不断延伸、增长和变化。阿尔托热爱自然，他设计的建筑总是尽量利用自然地形，融合优美景色，风格纯朴。
阿尔托大量不朽的建筑不但在纹理上相当丰富，而且在传统原料上来说也是相当广泛，主要体现在流动的空间、自然光线、空间的分配以及其他大量的细节等方面。他的装饰也影响到了国际水平，正如他曾经说过：“没有什么可以再生，同时也没有什么可以完全消失，任何东西都会以一种新的形式呈现出来。”他认为，众多的建筑对于建筑学的一系列问题而言是一种单独的解决方式，而这一系列问题又是建筑学方面的驱动力量，因此，这种观点后来得到国际上的认可和接受。
芬兰地处北欧，盛产木材，铜产量居欧洲首位。阿尔托设计的建筑的外部饰面和室内装饰反映木材特征;铜则用于点缀，表现精致的细部。建筑物的造型沉着稳重，结构常采用较厚的砖墙，门窗设置得宜。他的作品不浮夸，不豪华，也不追随欧美时尚，创造出独特的民族风格，有鲜明的个性。在芬兰首都赫尔辛基，阿尔托的杰作比比皆是，有赫尔辛基理工大学的校园，芬兰大厦（Finlandia）音乐厅及会议中心，赫尔辛基文化宫，斯道拉·恩索（Stora Enso）公司总部大楼等等。 简洁、实用是芬兰设计的特点，构思奇巧是芬兰设计的精髓。芬兰人特别擅长利用自然资源达到设计目的。Alvar Aalto开辟了家具设计的新道路，在30年代创立了“可弯曲木材”技术，将桦树巧妙地模压成流畅的曲线。阿尔托将多层单板胶合起来，然后模压成胶合板，这些实验创造了当时最具创新的椅子。
1936年，阿尔瓦·阿尔托为他负责室内装修设计的赫尔辛基甘蓝叶餐厅（Ravintola Savoy）设计了一款花瓶作为装饰品之一，即后来以他的名字命名的经典玻璃制品，不仅在1937年巴黎国际渗陆博览会上展现了芬兰现代设计的水平，还成为世界众多博物馆的珍藏品，并在1988年获得国际桌上用品奖。其设计趣味来自随意而有机的波浪曲铅喊租线轮廓，完全打破了传统的对称玻璃器皿的设计标准。人们猜测波浪曲线轮廓象征着芬兰星罗棋布的湖泊。这是天才的设计大师阿尔托除了建筑之外，为玻璃器皿制造业留下的经典杰作。从年龄上看阿尔托花瓶已经是“古董”，但从设计上看，他至今仍然很超前，很现代。

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