A. 如何理解雅斯贝尔斯的教育是一朵云推动另一朵云
影片讲述了一个有阅读障碍的8岁小男孩伊夏的故事。父母不满意他的各种不良表现，把他送到了寄宿制学校。在他孤独、黑暗的小世界里，突然出现一道光，也就是新来的美术老师尼克。在尼克充满智慧的教育行为下，伊夏的绘画天赋被充分挖掘，最终成为地球上璀璨的星星。
如果单纯从剧情内容来看，是一部泪点多，让人感动的电影。我们之所以感动，是因为智障儿童伊夏遇到了视他如珍宝的老师。尼克老师像一盏温暖的灯，照亮了伊夏黑暗的自我世界。为什么在我们的生活中，很难遇到这样爱心和智慧并存的老师和父母呢？因为我们不清楚或者不想弄清楚教育的本质是什么。
在我看来，教育的本质是导演阿米尔•汗想要深层次表达的东西。下面我将结合影片，深层次分析教育的本质，也就是唤醒灵魂的四个阶段：爱的沟通、挖掘潜能、精神成长、成为自己，以及这四个阶段带给我的一些育儿上的思考。
以《地球上的星星》为例分析，雅斯贝尔斯教育理念在电影中的呈现
一、关爱是教育的原动力
雅思贝尔斯认为：“孩子的成长离不开爱，施教者必须是具有爱心之人，才能唤醒孩子蒙昧的灵魂。”
《地球上的星星》中的伊夏从小就有阅读出现障碍，连简单的算术和拼读都不会，作业本上全是叉号。更搞不清楚距离、速度和质量这些概念，不得不在三年级的时候留级。父母又恨铁不成钢，把他送到了寄宿制学校。
尼克老师一直以来的教育对象就是有智力障碍的学生，因此，当他看到伊夏的孤独和无助之后很心疼。他跑到办公室找出伊夏的作业本，搞清楚他有拼写障碍的原因。又单独去伊夏家拜访，无意中发现他有绘画天赋，说服伊夏父母接纳孩子的缺陷和天赋。
在学校，他用充满智慧的教学方式帮助伊夏走出困境。比如在课堂上，他讲了很多有阅读障碍的伟大人物的故事，这让伊夏开始集中注意力；下课后，他又跟伊夏说自己也是这样的人，伊夏的眼睛开始有了光彩；尼克老师又用自己的方式帮助伊夏克服读写障碍；最重要的是，伊夏的性格也变得活泼开朗。
伊夏生活在缺爱的家庭，父母不理解、不接纳他的缺陷，让他生活在一个孤立无助的环境中。从他画的小册子不难看出，他跟父母的关系在渐行渐远，他把这些感受都放在心里，画在纸上。要不是尼克老师的的出现。及时给与关爱，伊夏就会成为性格扭曲的人。
尼克老师用耐心、爱心和信心，让可能呆傻的伊夏人格发展逐步健康、完善，成为情感丰富，在艺术上有所创造的人。因此，爱的沟通和情感上的慰藉是唤醒灵魂的第一步。
以《地球上的星星》为例分析，雅斯贝尔斯教育理念在电影中的呈现
二、挖掘潜能是唤醒灵魂的关键
教育家蒙台梭利认为，教育的任务就是激发和促进儿童内在潜能的发挥，让他按照自身的规律获得自然的自由发展。德国着名教育家斯普朗格也认为：“教育的最终目的不是传授已有的东西，而是要把人的创造力诱导出来，将生命感、价值感唤醒。”
伊夏的思维跟一般孩子不一样，在他眼中的世界跟真实世界是不同的。这让老师们认为他笨的无可救药，连父母也对他心生绝望，把希望寄托在了他哥哥身上。
其实，在他自己的世界里，世界如此丰富多彩。他用充满创造力和想象力的画笔来描绘内心的感受。尼克老师发现了他在美术方面的天赋和潜能，特别注意挖掘他的绘画才能。
他说服校长举办一场全校性的绘画比赛，让校长和老师们都参加。伊夏在这一天凌晨就起床，走到大自然中观察静寂的自然、湖泊和星空。最后，他的作品《星空下的自然》获得了第一名。
从来没有获得过荣誉的伊夏兴奋异常，激动的心情难以言表。尼克老师对他潜能的发掘，给他充分的信心，打开了人生的新格局，确定了人生的方向。
B. 西方油画 被认可派别分类 各个派别的代表人物有哪些
这个问题有些宽泛，个人知识有限，以下是从一位雅昌博客的资深人士那里复制来的，希望是你需要的。
印象派
油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走出画室，奔向大自然的怀抱。由于他们的作品追求的是光线和色彩的变化，色调明亮灿烂，造型松散，不求严谨的笔法，所以被称之为“印象派”。印象派的代表画家较多，有莫奈（1840—1926年）、马奈（1832—1883年）、毕沙罗（1830—1903年）、雷诺阿（1841—1919年）、德加（1834—1917年）、修拉（1859—1891年）等人。莫奈的代表作《日出》（又名《日出?印象》）成为宣告印象派诞生的标志。画面中，一轮冉冉上升的朝阳喷薄而出，水天共一色，都被暖色的云霞和淡淡的晨雾浸染得轻盈和神秘，近处的水倒映出似乎透明的橙黄、淡紫、淡蓝就象是神奇的魔术师在编织光与影的色彩篇章。近处的两、三叶轻舟，远处的吊车、林立的烟囱、厂房依稀可见。长短不一、富有活力的笔触生动活泼地描绘了海边小城阿尔及尔港口富有朦胧诗意的早晨。
由于对官方沙龙的抗议，印象派画家从1863年起举行了落选画展，共举行了八次，这八次画展使得人们对新艺术、新画风的惊讶、嘲讽逐渐走向对真正艺术的接受、欣赏和喜爱。莫奈的《鲁昂大教堂》、《柳树下的女人》、马奈的《阿善特拉的桥》、毕沙罗的《休息的农妇》、德加的《芭蕾舞女》等等画作都是其中的优秀作品。莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下，还创作了他的最大的一组油画《睡莲》。
印象派的影响是巨大的，一代又一代的画家甩掉了学院派沉重的“酱油色调”，奔向大自然的怀抱，描绘阳光与色彩的永恒魅力。19世纪下半叶至20世纪上半叶，俄国出现的三位优秀画家也曾受到印象派的影响，对印象派的作品进行了深入的研究和学习、吸取，他们在日后也对中国的美术界产生了较大的影响，这三位就是现实主义的绘画大师列宾（1844—1930年）、风景画家列维坦（1860—1900年）和列宾的学生谢洛夫（1865—1909年）。伊里亚?列宾有着深厚的绘画底子和高超的艺术天赋，他的很多作品都以现实主义手法深刻地刻画了众多的人物形象，在他的笔下，拉船的纤夫、坚强的革命者、残暴的沙皇都栩栩如生、有血有肉地再现在观众面前。列宾的优秀作品有《伏尔加河上的纤夫》、《拒绝忏悔》以及众多的写实肖像。
谢洛夫擅长表现阳光和空气下的室内景色，作有《少女和桃》、《阳光下的少女》等。
列维坦活了不到40岁，却创作了大量的优秀风景油画，他性格忧郁，创作出来的风景作品却色调明朗，犹如优美的旋律，画家的作品饱含了对生命的无限热爱之情和对祖国广袤土地的热情讴歌。《墓地上空》被视为他的力作。
印象派在中国不但吸引了刘海粟、吴冠中、孙建平等较老一辈的美术教育家对色彩进行积极的探索，同时也影响了许多年轻的画家，并创作出优秀的作品。如罗中立的《父亲》、孙为民的《人间七月》等等。
后印象派
印象派对光与色的潜心研究，以及不管贫病疾苦仍然追求健康、光明和欢乐的精神深深影响了很多画家，如凡高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯等伟大画家在早期都曾经深受影响。凡高、塞尚、高更便是在印象派影响下的产生的后印象派的三位先驱。
荷兰画家凡·高（1853—1890年）一生坎坷，大部分时间都在穷困潦倒的状态中度过，但是一切都无法阻挡这位天才画家对光明和美好的追求和憧憬，在他的很多作品中，都把稻田、向日葵甚至星空都描绘成红色的，橙黄色的，画家手中的笔象是急促运动的波浪，总是满怀激情地描着阳光下灿烂的景致。凡?高一生都处于一种狂热的创作冲动之中，所以在他自成一派的作品中，我们会很容易被他充满激情的、甚至有些痉挛的狂热所感染。如《向日葵》，瓶中一簇怒放的向日葵，从橙黄到淡黄的，各种丰富的黄色调子，鲜艳灿烂，充分展示了阳光下的蓬勃的生命力；而《村庄》、《有房子和农夫的风景》中红色的田地、云朵流溢的天空，表现了作者对自然、对生活的关注和热爱；即使是在描绘夜晚景色时，凡·高也情不自禁地将星云笼上太阳的光环，在《星月之夜》中，流动的星云斑斓多彩，象一朵朵彩色的梦，哪里还有黑夜的荒凉和恐惧凡·高在不过十年左右的绘画生涯中，共创作了1400幅油画和素描，这位艺术史上并不多见的用自己的心灵和生命作画的天才画家，在37岁的时候，由于精神失控用手枪结束了自己不平凡的一生。
有着秘鲁血统的高更（1848—1903年）生于巴黎，当过水兵和和交易所金融职员，25岁开始启蒙学习绘画，35岁时为了艺术毅然抛弃了所拥有一切。家庭生活的失败、都市文明生活下掩盖的虚伪使高更先是远离法国到了偏远的大洋州上的塔希提岛，后来更是远涉重洋，去到尚未受到所谓“文明”熏染的热带岛屿，去寻找他追求的“原始、纯洁、自由”的世外桃园，最后病死在孤岛上。高更在塔希岛上的创作时期是他一生艺术生涯中最辉煌的时期，他吸取了中世纪的彩色玻璃画、壁画、日本版画等各种创作元素，创造了“综合”画法。高更很重视形式美，在他的后期作品中，都可以看出他对色块之间的关系和布局已经抛开了早期印象派那琐碎的笔法表现，显得纯粹得多了的色块与色块之间表现出一种接近平面的装饰美。在高更的作品中，强烈体现出他对土着人原始自由的生活状态、黝黑健康的皮肤的热爱，体现出他对工业文明的强烈憎恶。高更的作品具有强烈的象征主义色彩，被后人称之为绘画史上的“象征主义之父”。其代表作有《游魂》、《姊妹俩》未完成的大型油画《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》。
塞尚（1839—1906年）是一个喜欢孤独的人，其作品大多以妻子的肖像或苹果、面包等静物为题材。早期作品受到印象派的影响较大，后期专注于表现物体的质感和体积，摈弃了印象派过于琐碎的造型笔触和受自然限制的束缚，更加注重自身主观意识的表现，并着重解决色彩与结构之间的关系。其作品有《苹果盘》《玩扑克牌的人》《马赛湾》《圣维多克山》等等。在油画的里程碑上，塞尚是“完成了色彩——结构的革命”的“现代绘画之父”。
原始主义
原始主义画派的中坚人物是出生于法国诺曼底半岛的卢梭（1844—1910年）。从中年才开始作画的海关职员卢梭一生从未受过任何绘画训练，他的作品全然不顾西方传统绘画中所重视的透视原理，各个画面元素之间根本没有“近实远虚”的关系，人物形象也有些近似木偶；他画树叶是一片一片地画，画树杆和草丛是一根一根地画，画头发也是一根一根地画得很清楚，色彩的使用比较单纯，这使得他的画看上去有点像通过拼贴手法获得的平面装饰效果，而且他的画总是透出一股浓浓的原始气息。在卢梭到底有没有离开过巴黎这一点上，美术史学家们有不同的看法，有的认为他从未离开过巴黎，有的则认为他曾在墨西哥的热带丛林中服役一年多。不管怎样，卢梭笔下常常出现的神秘的热带丛林和有些古怪的人物形象，根本就没有精心雕琢的痕迹，他似乎在自然而然地描绘着一个孩子的梦幻世界，描绘着一个未受污染的美丽原始世界。从他的画上，我们似乎能看到他作画时的认真和固执。这位被称为天才的“雅拙艺术家”，其作品对“立体派”、“野兽派”、“超现实主义”等现代派美术产生了深远的影响，毕加索就曾把自己收藏的卢梭的大量作品和一些非洲雕塑和面具放在一起进行研究。巴黎当时的着名诗人阿波里奈（1880—1918年）曾写道，只要一看到卢梭的画，他就“不得不推开窗子逃避”以逃避卢梭那神秘而荒诞的“自我诱惑”。抽象派的大画家康定斯基的评价也很高，他认为卢梭开辟了“一条新的现实主义道路。”
野兽派
1905年，巴黎的一个画展上，一群年轻画家展出了令人吃惊的作品，这些作品的色彩浓烈刺目、表现手法粗犷，带给画坛一股强烈的冲击波，人们把这个年轻的画派称之 “野兽派”。（“野兽”，特指色彩鲜明、随意涂抹。）实际上，野兽派从未形成过任何运动，也还没来得及形成系统的艺术理论就解体了。野兽派存在的时间很短，大约只有三年左右，但是作为早期的现代艺术流派，其影响是久远的。它的最重要的代表人物是法国画家马蒂斯（1869—1954年），其代表作有《舞蹈》、《红色的和谐》。在处理线条和色彩块面之间的手法上，野兽派追求一种强烈的“蓄意的不调合”的对比效果，在透视上抛弃传统的透视法则，在造型上追求形象的夸张性，这些力求打破传统的艺术法则的创作手法给人带来了随意而又强烈的视觉效果；又由于受到非洲艺术和东方艺术的影响，他们的作品往往带有雅稚、淳朴的意味。在色彩表现的技法上，野兽派画家常常采用类似平涂的手法，使得色彩之间不但对比鲜明，而且还具有较强烈的装饰美。马蒂斯曾在《画家札记》中写道：“总之，我追求的是表现。”野兽派的另外一名画家德兰（1880—1954年）也提出“放弃自我，为色彩而色彩”。现代美术的特征是象征性、抽象性、表现性，野兽所提出的这些以前从未有人明确提出的画论都体现了野兽派画家对主观意识表现的重视，他们勇于向传统挑战的意识也开辟了现代派美术的先河。
立体主义
1908年，西班牙画家毕加索（1881—1973年）在巴黎展示的一幅作品《亚威农的少女》被认为是立体派的问世之作。在反传统的意义上，立体派比野兽派可谓向现代美术更进了一步。毕加索一生所受的影响较多，其中塞尚的晚期作品和非洲的雕刻艺术对其形成立体主义的影响最大。塞尚把物体概括成结构和体积给了毕加索将自然物体概括成圆锥、三角、圆球、圆柱的启示；非洲雕刻使得毕加索找到了反自然特征的灵感，解决了在单个形象中如何并存几个不同视点的难题。在作品《亚威农的少女》中，毕加索用不同的透视方位和不同的光源打破传统的空间表现的法则，用饱满的构图将五个女人体挤压在表不同视点的空间里，给人以种全新的空间感受。油画《格尔尼卡》表达的是毕加索对1937年德国对西班牙人民犯下的的罪行的愤怒。油画中大量使用了蕴含痛苦和恐惧意义的浅青、浅灰色调，画面人物仍采用了立体派的表现手法，将人物悲惨、绝望的各种神态和形象加以夸张变形并进行透叠，人物的质感犹如岩石般凝重。《格尔尼卡》充满了了一种紧张的张力，简明的黑白色调渲染了画面的悲壮情调，强烈地震撼了观众。
在毕加索一生中，始终高涨着澎湃的创作热情，他总是尝试用各种不同的艺术手段进行表现，油画、雕刻、拼贴、陶瓷等手法融合在他的作品之中。毕加索的创作生涯主要经历了四个阶段：蓝色时期、玫瑰色时期（又称为粉红色时期）、立体主义时期和新古典时期，其中立体主义时期的成就对现代美术的影响最大。
抽象主义
抽象主义的产生与当时工业发展较快的社会背景有较大的关系，机械化工业产生的速度、效率等抽象因素使一些艺术家逐渐怀疑现代工业文明，同时受到神秘主义的影响，抽象主义者开始希望用一种纯灵性、纯精神的新手法去概括和提炼自己的精神世界。康定斯基就曾提出过：“以色彩影响精神”。抽象主义者尝试着用简洁单纯的线条、色块作符号借以表达某种情绪和神秘的宇宙；又用几何形式分割着画面构图，幻想以一种明晰的井然秩序去规范不可知的神秘世界。
俄国画家康定斯基（1866—1944年）早期受过表现主义的影响，从1910年开始他就对抽象主义作了不懈地探索，在绘画的实践方面和理论方面都对抽象主义作了极为重要的贡献，被称为“现代抽象绘画之父”。他作于1913年的早期作品《即兴30号》，似乎是随兴挥洒着抽象的视觉符号，在表达着一种跳跃的、愉悦的、“纯视觉音乐”的激情；是而作于12年后的晚期作品《绿与红》中的几何形体的组合，则将抽象主义所追求的有序性表达得更加明朗。
将这种有序性的幻想发挥到极致的是荷兰风格派画家蒙德里安（1872—1944年）。在他的着名作品《有红、蓝、黄的构图》中，非常单纯的红、黄、蓝三原色被黑色的线条分割，画中没有任何具象的可视对象，透出的是一种高度理智的稳定感，充分表达了抽象主义最终提倡的和谐性、有序性和平衡性。相对康定斯基而言，蒙德里安喜欢的色彩要偏向灰雅一些，他的绘画作品更具有一种冷峻的理性美，所以蒙德里安被划分为“冷抽象”，而康定斯基则成了我们常说的“热抽象”。
达达主义和超现实主义
达达主义产生于一战时期的反战情绪。达达主义所提倡的是无政府、无理想的、破坏性的虚无主义，他们嘲笑一切既定的价值标准和所有的传统观点，认为当前的所谓文明社会正在作垂死的挣扎。虽然在思想上，达达主义带有一定的消极性，但是他们看似荒唐的一些作品其实正是对传统的叛逆、对新观念的表达以及对新材料的创新使用，这些对现代派美术都起到了一定的贡献作用。达达主义的最主要的代表人物是生活在纽约的法国艺术家杜尚（1887—1968年），其作品《带胡子的蒙娜丽莎》是达达主义向传统审美观念的挑战；现成品作品《泉》是对“完全麻木的状况”讽刺，画家的创作目的并不是“建立在能否在其中发现审美本质的基础上”，而是“建立在这些物品使人们思考的审美的问题上”。
超现实主义的一些思想虽然来源于达达主义，但是超现实主义克服了达达主义的虚无主义，受到弗洛伊德的潜意识理论的影响，超现实主义画家尝试着把“梦与现实这两类表面矛盾的状态”转变成为“一种绝对的现实，一种超现实”。超现实主义画家中有两位杰出的西班牙艺术家，一位是才华横溢的达利，另一位是米罗。
达利（1904—1989年）的杰出作品很多，创作领域主要在油画和摄影当中，摄影作品集有《达利的胡子》，油画作品有《记忆的永恒》、《一个头充满云朵的人》、《〈看海的卡拉〉——在18米外看变成林肯的肖像》等等。深受弗洛伊德学说的达利，其油画作品充满了魔幻世界的荒诞意味，犹如在迷幻怪异而又似曾相识的梦境里寻找着某种暗示或象征。他的作品对后来的设计思想有极深远的影响。
米罗（1893—1983年）先后经历了野兽派、立体主义、达达主义、超现实主义的几次艺术风格的转变。他的大部分作品如《加泰隆风景》、《蔚蓝的金色》、《哈里昆的狂欢》等等常常出现一些奇异的有机体和有趣的符号，作品中往往洋溢着一种神秘的灵性和儿童般的稚趣。但米罗在1938年所创作的晚年作品《妇女头像》却与以前的作品迥然不同，画中有些邪恶的头像象阿米巴虫体一样让人感到恐惧与无助，这是当时欧洲普遍存在的对战争的恐慌感。
C. 看一眼就能画出来的是什么派系
您的问题有些不明确，我把派别贴出来，希望对您有帮助哈！
印象派
油画出现于欧洲几百年以来，一直推崇的是学院派的画风，他们总是只在画室里面作画，讲究的是老套的构图形式，作品总是缺少变化的的阴暗色调，直到19世纪后半叶，这种和大自然隔绝的做法终于受到了新一派画家的唾弃，以莫奈为代表的一批年轻的法国画家提倡走出画室，奔向大自然的怀抱。由于他们的作品追求的是光线和色彩的变化，色调明亮灿烂，造型松散，不求严谨的笔法，所以被称之为“印象派”。印象派的代表画家较多，有莫奈（1840—1926年）、马奈（1832—1883年）、毕沙罗（1830—1903年）、雷诺阿（1841—1919年）、德加（1834—1917年）、修拉（1859—1891年）等人。莫奈的代表作《日出》（又名《日出·印象》）成为宣告印象派诞生的标志。画面中，一轮冉冉上升的朝阳喷薄而出，水天共一色，都被暖色的云霞和淡淡的晨雾浸染得轻盈和神秘，近处的水倒映出似乎透明的橙黄、淡紫、淡蓝象是神奇的魔术师在编织光与影的色彩篇章。近处的两、三叶轻舟，远处的吊车、林立的烟囱、厂房依稀可见。长短不一、富有活力的笔触生动活泼地描绘了海边小城阿尔及尔港口富有朦胧诗意的早晨。
由于对官方沙龙的抗议，印象派画家从1863年起举行了落选画展，共举行了八次，这八次画展使得人们对新艺术、新画风的惊讶、嘲讽逐渐走向对真正艺术的接受、欣赏和喜爱。莫奈的《鲁昂大教堂》、《柳树下的女人》、马奈的《阿善特拉的桥》、毕沙罗的《休息的农妇》、德加的《芭蕾舞女》等等画作都是其中的优秀作品。莫奈在晚年眼睛几乎失明的状态下，还创作了他的最大的一组油画《睡莲》。
印象派的影响是巨大的，一代又一代的画家甩掉了学院派沉重的“酱油色调”，奔向大自然的怀抱，描绘阳光与色彩的永恒魅力。19世纪下半叶至20世纪上半叶，俄国出现的三位优秀画家也曾受到印象派的影响，对印象派的作品进行了深入的研究和学习、吸取，他们在日后也对中国的美术界产生了较大的影响，这三位就是现实主义的绘画大师列宾（1844—1930年）、风景画家列维坦（1860—1900年）和列宾的学生谢洛夫（1865—1909年）。
伊里亚·列宾有着深厚的绘画底子和高超的艺术天赋，他的很多作品都以现实主义手法深刻地刻画了众多的人物形象，在他的笔下，拉船的纤夫、坚强的革命者、残暴的沙皇都栩栩如生、有血有肉地再现在观众面前。列宾的优秀作品有《伏尔加河上的纤夫》、《拒绝忏悔》以及众多的写实肖像。
谢洛夫擅长表现阳光和空气下的室内景色，作有《少女和桃》、《阳光下的少女》等。
列维坦活了不到40岁，却创作了大量的优秀风景油画，他性格忧郁，创作出来的风景作品却色调明朗，犹如优美的旋律，画家的作品饱含了对生命的无限热爱之情和对祖国广袤土地的热情讴歌。《墓地上空》被视为他的力作。
（伏尔加河上的纤夫）
后印象派
印象派对光与色的潜心研究，以及不管贫病疾苦仍然追求健康、光明和欢乐的精神深深影响了很多画家，如凡高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯等伟大画家在早期都曾经深受影响。凡高、塞尚、高更便是在印象派影响下的产生的后印象派的三位先驱。
荷兰画家凡·高（1853—1890年）一生坎坷，大部分时间都在穷困潦倒的状态中度过，但是一切都无法阻挡这位天才画家对光明和美好的追求和憧憬，在他的很多作品中，都把稻田、向日葵甚至星空都描绘成红色的，橙黄色的，画家手中的笔象是急促运动的波浪，总是满怀激情地描着阳光下灿烂的景致。凡?高一生都处于一种狂热的创作冲动之中，所以在他自成一派的作品中，我们会很容易被他充满激情的、甚至有些痉挛的狂热所感染。如《向日葵》，瓶中一簇怒放的向日葵，从橙黄到淡黄的，各种丰富的黄色调子，鲜艳灿烂，充分展示了阳光下的蓬勃的生命力；而《村庄》、《有房子和农夫的风景》中红色的田地、云朵流溢的天空，表现了作者对自然、对生活的关注和热爱；即使是在描绘夜晚景色时，凡·高也情不自禁地将星云笼上太阳的光环，在《星月之夜》中，流动的星云斑斓多彩，象一朵朵彩色的梦，哪里还有黑夜的荒凉和恐惧？凡高在不过十年左右的绘画生涯中，共创作了1400幅油画和素描，这位艺术史上并不多见的用自己的心灵和生命作画的天才画家，在37岁的时候，由于精神失控用手枪结束了自己不平凡的一生。
有着秘鲁血统的高更（1848—1903年）生于巴黎，当过水兵和和交易所金融职员，25岁开始启蒙学习绘画，35岁时为了艺术毅然抛弃了所拥有一切。家庭生活的失败、都市文明生活下掩盖的虚伪使高更先是远离法国到了偏远的大洋州上的塔希提岛，后来更是远涉重洋，去到尚未受到所谓“文明”熏染的热带岛屿，去寻找他追求的“原始、纯洁、自由”的世外桃园，最后病死在孤岛上。高更在塔希岛上的创作时期是他一生艺术生涯中最辉煌的时期，他吸取了中世纪的彩色玻璃画、壁画、日本版画等各种创作元素，创造了“综合”画法。高更很重视形式美，在他的后期作品中，都可以看出他对色块之间的关系和布局已经抛开了早期印象派那琐碎的笔法表现，显得纯粹得多了的色块与色块之间表现出一种接近平面的装饰美。在高更的作品中，强烈体现出他对土着人原始自由的生活状态、黝黑健康的皮肤的热爱，体现出他对工业文明的强烈憎恶。高更的作品具有强烈的象征主义色彩，被后人称之为绘画史上的“象征主义之父”。其代表作有《游魂》、《姊妹俩》未完成的大型油画《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》
塞尚（1839—1906年）是一个喜欢孤独的人，其作品大多以妻子的肖像或苹果、面包等静物为题材。早期作品受到印象派的影响较大，后期专注于表现物体的质感和体积，摈弃了印象派过于琐碎的造型笔触和受自然限制的束缚，更加注重自身主观意识的表现，并着重解决色彩与结构之间的关系。其作品有《苹果盘》《玩扑克牌的人》《马赛湾》《圣维多克山》等等。在油画的里程碑上，塞尚是“完成了色彩——结构的革命”的“现代绘画之父”。
（苹果盘）
原始主义
原始主义画派的中坚人物是出生于法国诺曼底半岛的亨利·卢梭（1844—1910年）。从中年才开始作画的海关职员卢梭一生从未受过任何绘画训练，他的作品全然不顾西方传统绘画中所重视的透视原理，各个画面元素之间根本没有“近实远虚”的关系，人物形象也有些近似木偶；他画树叶是一片一片地画，画树杆和草丛是一根一根地画，画头发也是一根一根地画得很清楚，色彩的使用比较单纯，这使得他的画看上去有点像通过拼贴手法获得的平面装饰效果，而且他的画总是透出一股浓浓的原始气息。在卢梭到底有没有离开过巴黎这一点上，美术史学家们有不同的看法，有的认为他从未离开过巴黎，有的则认为他曾在墨西哥的热带丛林中服役一年多。不管怎样，卢梭笔下常常出现的神秘的热带丛林和有些古怪的人物形象，根本就没有精心雕琢的痕迹，他似乎在自然而然地描绘着一个孩子的梦幻世界，描绘着一个未受污染的美丽原始世界。从他的画上，我们似乎能看到他作画时的认真和固执。这位被称为天才的“雅拙艺术家”，其作品对“立体派”、“野兽派”、“超现实主义”等现代派美术产生了深远的影响，毕加索就曾把自己收藏的卢梭的大量作品和一些非洲雕塑和面具放在一起进行研究。巴黎当时的着名诗人阿波里奈（1880—1918年）曾写道，只要一看到卢梭的画，他就“不得不推开窗子逃避”以逃避卢梭那神秘而荒诞的“自我诱惑”。抽象派的大画家康定斯基的评价也很高，他认为卢梭开辟了“一条新的现实主义道路。”
（睡眠中的吉普赛女郎）
野兽派
1905年，巴黎的一个画展上，一群年轻画家展出了令人吃惊的作品，这些作品的色彩浓烈刺目、表现手法粗犷，带给画坛一股强烈的冲击波，人们把这个年轻的画派称之 “野兽派”。（“野兽”，特指色彩鲜明、随意涂抹。）实际上，野兽派从未形成过任何运动，也还没来得及形成系统的艺术理论就解体了。野兽派存在的时间很短，大约只有三年左右，但是作为早期的现代艺术流派，其影响是久远的。它的最重要的代表人物是法国画家马蒂斯（1869—1954年），其代表作有《舞蹈》、《红色的和谐》。在处理线条和色彩块面之间的手法上，野兽派追求一种强烈的“蓄意的不调合”的对比效果，在透视上抛弃传统的透视法则，在造型上追求形象的夸张性，这些力求打破传统的艺术法则的创作手法给人带来了随意而又强烈的视觉效果；又由于受到非洲艺术和东方艺术的影响，他们的作品往往带有雅稚、淳朴的意味。在色彩表现的技法上，野兽派画家常常采用类似平涂的手法，使得色彩之间不但对比鲜明，而且还具有较强烈的装饰美。马蒂斯曾在《画家札记》中写道：“总之，我追求的是表现。”野兽派的另外一名画家德兰（1880—1954年）也提出“放弃自我，为色彩而色彩”。现代美术的特征是象征性、抽象性、表现性，野兽所提出的这些以前从未有人明确提出的画论都体现了野兽派画家对主观意识表现的重视，他们勇于向传统挑战的意识也开辟了现代派美术的先河。
（红色的和谐）
立体主义
1908年，西班牙画家毕加索（1881—1973年）在巴黎展示的一幅作品《亚威农的少女》被认为是立体派的问世之作。在反传统的意义上，立体派比野兽派可谓向现代美术更进了一步。毕加索一生所受的影响较多，其中塞尚的晚期作品和非洲的雕刻艺术对其形成立体主义的影响最大。塞尚把物体概括成结构和体积给了毕加索将自然物体概括成圆锥、三角、圆球、圆柱的启示；非洲雕刻使得毕加索找到了反自然特征的灵感，解决了在单个形象中如何并存几个不同视点的难题。在作品《亚威农的少女》中，毕加索用不同的透视方位和不同的光源打破传统的空间表现的法则，用饱满的构图将五个女人体挤压在表不同视点的空间里，给人以种全新的空间感受。油画《格尔尼卡》表达的是毕加索对1937年德国对西班牙人民犯下的的罪行的愤怒。油画中大量使用了蕴含痛苦和恐惧意义的浅青、浅灰色调，画面人物仍采用了立体派的表现手法，将人物悲惨、绝望的各种神态和形象加以夸张变形并进行透叠，人物的质感犹如岩石般凝重。《格尔尼卡》充满了了一种紧张的张力，简明的黑白色调渲染了画面的悲壮情调，强烈地震撼了观众。
在毕加索一生中，始终高涨着澎湃的创作热情，他总是尝试用各种不同的艺术手段进行表现，油画、雕刻、拼贴、陶瓷等手法融合在他的作品之中。毕加索的创作生涯主要经历了四个阶段：蓝色时期、玫瑰色时期（又称为粉红色时期）、立体主义时期和新古典时期，其中立体主义时期的成就对现代美术的影响最大。
（格尔尼卡）
抽象主义
抽象主义的产生与当时工业发展较快的社会背景有较大的关系，机械化工业产生的速度、效率等抽象因素使一些艺术家逐渐怀疑现代工业文明，同时受到神秘主义的影响，抽象主义者开始希望用一种纯灵性、纯精神的新手法去概括和提炼自己的精神世界。康定斯基就曾提出过：“以色彩影响精神”。抽象主义者尝试着用简洁单纯的线条、色块作符号借以表达某种情绪和神秘的宇宙；又用几何形式分割着画面构图，幻想以一种明晰的井然秩序去规范不可知的神秘世界。
俄国画家康定斯基（1866—1944年）早期受过表现主义的影响，从1910年开始他就对抽象主义作了不懈地探索，在绘画的实践方面和理论方面都对抽象主义作了极为重要的贡献，被称为“现代抽象绘画之父”。他作于1913年的早期作品《即兴30号》，似乎是随兴挥洒着抽象的视觉符号，在表达着一种跳跃的、愉悦的、“纯视觉音乐”的激情；是而作于12年后的晚期作品《绿与红》中的几何形体的组合，则将抽象主义所追求的有序性表达得更加明朗。
将这种有序性的幻想发挥到极致的是荷兰风格派画家蒙德里安（1872—1944年）。在他的着名作品《有红、蓝、黄的构图》中，非常单纯的红、黄、蓝三原色被黑色的线条分割，画中没有任何具象的可视对象，透出的是一种高度理智的稳定感，充分表达了抽象主义最终提倡的和谐性、有序性和平衡性。相对康定斯基而言，蒙德里安喜欢的色彩要偏向灰雅一些，他的绘画作品更具有一种冷峻的理性美，所以蒙德里安被划分为“冷抽象”，而康定斯基则成了我们常说的“热抽象”。
（构图）
达达主义和超现实主义
达达主义产生于一战时期的反战情绪。达达主义所提倡的是无政府、无理想的、破坏性的虚无主义，他们嘲笑一切既定的价值标准和所有的传统观点，认为当前的所谓文明社会正在作垂死的挣扎。虽然在思想上，达达主义带有一定的消极性，但是他们看似荒唐的一些作品其实正是对传统的叛逆、对新观念的表达以及对新材料的创新使用，这些对现代派美术都起到了一定的贡献作用。达达主义的最主要的代表人物是生活在纽约的法国艺术家杜尚（1887—1968年），其作品《带胡子的蒙娜丽莎》是达达主义向传统审美观念的挑战；现成品作品《泉》是对“完全麻木的状况”讽刺，画家的创作目的并不是“建立在能否在其中发现审美本质的基础上”，而是“建立在这些物品使人们思考的审美的问题上”。
超现实主义的一些思想虽然来源于达达主义，但是超现实主义克服了达达主义的虚无主义，受到弗洛伊德的潜意识理论的影响，超现实主义画家尝试着把“梦与现实这两类表面矛盾的状态”转变成为“一种绝对的现实，一种超现实”。超现实主义画家中有两位杰出的西班牙艺术家，一位是才华横溢的达利，另一位是米罗。
达利（1904—1989年）的杰出作品很多，创作领域主要在油画和摄影当中，摄影作品集有《达利的胡子》，油画作品有《记忆的永恒》、《一个头充满云朵的人》、《〈看海的卡拉〉——在18米外看变成林肯的肖像》等等。深受弗洛伊德学说的达利，其油画作品充满了魔幻世界的荒诞意味，犹如在迷幻怪异而又似曾相识的梦境里寻找着某种暗示或象征。他的作品对后来的设计思想有极深远的影响。
米罗（1893—1983年）先后经历了野兽派、立体主义、达达主义、超现实主义的几次艺术风格的转变。他的大部分作品如《加泰隆风景》、《蔚蓝的金色》、《哈里昆的狂欢》等等常常出现一些奇异的有机体和有趣的符号，作品中往往洋溢着一种神秘的灵性和儿童般的稚趣。但米罗在1938年所创作的晚年作品《妇女头像》却与以前的作品迥然不同，画中有些邪恶的头像象阿米巴虫体一样让人感到恐惧与无助，这是当时欧洲普遍存在的对战争的恐慌感。
等··
D. 欧洲文艺复兴绘画特点的认识
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。
（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂
着名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的着作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最着名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--着名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：着名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色着称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最着名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目着称。
代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
5：意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了着名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中着名的杰作。
（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观着称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
（3）法国文艺复兴美术
百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中着名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以着名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
（4）西班牙文艺复兴美术
西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶着名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。
E. 有关于艺术的成语故事
退避三舍：春秋时期，晋国内乱，晋献公的儿子重耳逃到楚国。楚成王收留并款待他，他许诺如晋楚发生战争晋军将退避三舍（一舍为三十里）。后来重耳在秦穆公的帮助下重回晋国执政。晋国支持宋国与楚国发生矛盾，两军在城濮相遇，重耳退避三舍，诱敌深入而大胜。
一鸣惊人：相传楚庄王（另一说为齐威王）临政三年终日作乐，不理朝政。一臣下对庄王说：“听说国中有一只大鸟，三年不飞，三年不鸣，是怎么回事？”庄王说：“此鸟不飞则已，一飞冲天；不鸣则已，一鸣惊人。”然后整顿朝政，富国强兵，短短数年形成大治局面。
卧薪尝胆：春秋时期，吴王夫差打败并俘虏了越王勾践。勾践给夫差喂了三年的马，受尽折磨，回国后立志报仇复国，请范蠡帮助训练军队，任用有贤能的人，自己亲自参加劳动并坚持睡在柴草上，每次饭前均要尝一个苦胆，后来终于灭掉吴国。
老马识途：春秋时期，齐桓公应燕国请求，带兵打败了山戎国的侵犯；山戎国国王密卢逃到孤竹国请求救兵，管仲跟随齐桓公打败了孤竹国的援兵。在回国途中，因假向导引入迷谷，使齐军受困。管仲建议用一匹老马带路而化险为夷。
负荆请罪：战国时，赵国有两位重臣廉颇与蔺相如，因蔺相如多次立功，赵王封他为相国，廉颇不服气，认为自己的武功盖过他的嘴。蔺相如为了国家，对廉颇多次避让，廉颇得知他的良苦用心后惭愧不已，便背着荆条，到蔺相如家门请罪，从此两人和好，成为同生共死的交情。
纸上谈兵：战国时，战国名将赵奢的儿子赵括饱读兵书，能健谈用兵之道，连父亲也难不倒他，自认为是天下无敌。赵奢认为他是纸上谈兵不知交通。后来赵奢死了，赵括顶替廉颇带兵，蔺相如等人极力反对，赵王坚持，赵括在长平之战中损兵40万。
三令五申：孙武流寓于吴，吴王想试试孙武的军事才能，就将180名年轻宫女交给孙武操练。孙武将宫女分作两队，让吴王的宠姬当队长。孙武向宫女们交代了口令之后击鼓传令，宫女们一阵哄笑，队伍乱成一片。孙武再一次下达命令，宫女们只觉得好玩，根本不听命令。孙武说号令既然已经明白又不听令，这是头领之罪，下令将两名队长处死。吴王急忙叫人传令不能斩杀王妃，孙武仍然杀了两个王妃。然后，孙武重新操练宫女，这回没人敢不听号令了。
围魏救赵：战国时，魏军围困赵国京城邯郸。赵国向齐国求救，齐威王命田忌为将，孙膑为军师，出兵救赵。田忌原想直接引兵去救赵国的邯郸，孙膑主张引兵去围攻魏国的京城大梁，魏必回兵自救，这样，不但能解除赵国的围困，还能使魏军疲劳不堪。田忌采纳了孙膑的策略，引兵直奔大梁。魏军闻讯急忙撤回围攻邯郸的部队，星夜回军援救大梁。走到桂陵，齐军以逸待劳迎击魏军。魏军大败，几乎全军覆没。
胡服骑射：战国时，赵国国君武灵王决心变革图强。武灵王见胡人（少数民族）身着窄袖短褂便服，骑着战马，边跑边射箭，行动迅疾，十分灵活，便决定向胡人学习，改革士兵服装，发展骑兵。不到一年功夫，赵国拥有一支强大的骑兵，经过南征北战，赵国成了当时有数的强国之一。
窃符救赵：战国时，秦国派兵围攻赵国的都城邯郸。赵国向魏国求救，魏国派兵前去救赵。秦国听说魏国派兵救赵一事，派人去魏国威胁魏王，魏王屈服于秦国，下令让前去救赵的魏兵按兵不动。赵王向魏国公子信陵君写信求救。信陵君曾为魏王的宠妃如姬报了杀父之仇，信陵君请求如姬从魏王那里盗出了兵符，从而夺取了兵权，率领几万精兵，奔赴邯郸，打败了秦军，解了邯郸之围。
F. 有诗意的云朵风景画名字
里森博格，山上的晨雾。
美术作品名称：里森博格(日出前的山间风景)美术作品作者：卡斯帕·大卫·弗里德里希，美术原作收藏国家：德国，原作收藏方所在城市：德国柏林，原作收藏方：柏林-柏林国家博物馆-阿尔特国家美术馆。
风景画通俗地说是以风景为题材的绘画。中国画中的山水画属于风景画，但不用此概念。该词约在20世纪传入中国，仅使用于西方传入的油画、水彩画等。
G. 奥尔夫音乐云朵上的歌教案
奥尔夫音乐教学
链接：https://pan..com/s/1GoQTmovRhvxi2Y7oEMOLag
提取码：q32o
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音乐是人类共同的语言，他可以跨越国界，种族，年龄，让不同国家的人，不同肤色的人，不同年龄的人产生共鸣，甚至胎儿能理解音乐。
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H. 平面设计中的简约理念 5000字论文 有人有吗
试析平面设计中的简约理念
王宗然 武 珊
摘要:在高科技快节奏的生活状态下，当今，崇尚自然的文化潮流逐渐被人们推崇。单纯、简洁的形式受到越来越多人的追求，也体现在现代设计的各个领域。文章通过对简约理念在平面设计中的形成、发展及特征进行梳理和总结，从形态元素、空间层次、画面构成三方面，加之实例浅析简约理念在现代平面设计中的运用，希望能为设计者在风格的把握上提供些许参考。
关键词:平面设计;简约理念;元素;空间构成
简约可以作为一种审美风格，或者一种主义，或者一种理念，又或者一种美学思想，虽然不能有一种被大家同时认可的称谓，但并不影响对它的探究，这里暂且以作为一种理念进行浅析。
一、简约理念的形成及发展
简约理念并非发源于当代，而是有其历史形成的源头。无论东西方都蕴含简约理念的形成及发展历程。从东方古老民族的原始图腾、符号古文字中就能找到端倪。各种图腾、纹样、符号，它们大都以简洁或单纯的形式存在。
在战国时期，墨子就提出了以“简约”为美的思想，与儒家美学对立而产生。但是进入封建社会以后，受宗教文化和封建统治阶级追求奢华的审美意识的影响，艺术形式也越来越趋向繁复和华丽。在17世纪，西方由于受巴洛克、洛可可文化的影响，文化艺术中雍容华贵、雄伟壮观成为主流，反映在艺术作品上则表现为色彩艳丽、过分的装饰。中国的唐朝文化艺术则与之异曲同工。在这种文化背景中，人们的审美观念一方面被影响，但同时在另一方面开始“反叛”。
而后随着西方工业革命的推进和科学技术的迅速发展，在19世纪中后期艺术开始以“简洁、实用、舒适”为审美趋向，最具代表性的开端应是20世纪初期德国包豪斯设计思想的流行。到20世纪四五十年代，国际主义平面设计风格成熟，简约理念也在各种设计运动影响下不断发展。到20世纪60年代后现代主义的出现，在日益多元化文化观念和设计理论的影响下，“简约”汲取多元化理念的营养，向前发展。
二、简约理念在平面设计中的特征
简约不是简单，也不是单纯的元素减少。简约理念在平面设计中的特征从两方面概括。如果构成画面元素少，画面就精炼而意味深长，即“以简胜繁”;如果元素丰富，画面就多而不乱，多而有序，多而有趣，即“多而不繁”。
(一)“少即是多”影响下的“以简胜繁”
“少即是多”是密斯·凡德洛在建筑设计上的提出设计思想，简约的特征是将设计的元素、色彩、照明、原材料简化到最少的程度，但对色彩、材料的质感要求很高。因此，简约的空间设计通常非常含蓄，往往能达到以少胜多、以简胜繁的效果。平面设计受到这它的影响，很多人把这一思想作为简约理念的核心思想，因为在19世纪初期，这一思想正好迎合了工业化带来的社会变革下追求功能化的设计，追求纯粹和简单的舍弃装饰的设计，各种设计风格和流派此起彼伏，简约理念在设计的不同领域都有体现。包括工业设计、服装设计、平面设计、建筑设计等等。“以少胜多”在平面设计中的表现:追求纵横排列，追求画面的理性、数学网格分割;强调字体的简洁有力，多用无饰线体;色彩上追求单纯、明朗，常用原色和基本色的应用，搭配流行色的应用。比如热抽象的代表蒙德里安在色彩方面，他提出所谓通用原色的概念。将色彩的使用严格限制在红、黄、蓝三原色与黑、白、灰非色系的搭配上，在版式上，以纵横线分割画面，以高度精炼的抽象元素概括自然，提炼生活，设计作品简洁而有生命力。
(二)“少则乏味”影响下的“多而不繁”
20世纪60年代以后，设计的简约走向了“多而不繁”。1966年，美国建筑师文丘里的着作中提出了“少则乏味”的主张，这一主张是针对受密斯·凡德洛影响下的设计而言的，特别是针对走向极简主义极端的设计，这一主张的提出在设计上带来的有益之处在于把部分设计从即将或已经走入极端简约的胡同中解放出来。多而不繁表现在用于平面设计中，有两方面体现:(1)观念多，丰富，却无秩序。现代世界全球化，多民族文化交融，观念的多元集合，加之后现代主义带来了人性自由的极度解放，也使各种观念无序混杂;(2)构成画面的在形态元素多，这也是容易使设计走向繁琐的一个原因，因为主题思想丰富，想要表达的主题层次多，选定元素不能再减少，但是可以用形式美法则和多种表现手法，使画面达到多而不乱的效果。
三、简约理念在平面设计中的应用
(一)简约的形态元素
形态的简约就是构成元素的简约。这里总结为两方面:(1)从图形、文字、色彩等构成画面的元素来看，不管是抽象简洁的几何图形还是具象的图形，需做到尽量简练。(2)从各元素的连接看，需要符合主题的搭配连接。就像一座建筑的形成不仅需要砖石、玻璃、钢筋、混凝土，同时也要根据建筑的风格，建筑的名称将各种材料连接，才能称之为建筑物。平面设计中根据不同主题，元素需要不同的关系连接。比如标志设计要求元素关系紧凑，以相对整体的形式出现，而DV封套设计就要求对空间里的元素的安排更具艺术性。版式设计中的信息量相对比较多，就要根据信息的主次安排元素，连接元素，运用形式美法则使信息主次分明，条理有序。
如图1中用单纯简洁的近似水滴的抽象元素，构成了一副相亲相爱，温馨可爱的幸福家庭场景。元素间用透叠和重复的方式彼此连接，元素虽然少，但不失内容的丰富，画面活泼生动。图2汽车沙龙的海报，用写实归纳手法使汽车的灵活和精巧外形跃然于画面之上，以高度概括的抽象元素为素材，用重复的形式把简洁活泼的视觉元素连接起来，元素多而不繁，使整个画面呈现活泼热闹的氛围。图3是一则保护环境的公益广告，构成画面的元素实在可以说简洁，两片树叶，好像是一双无辜的眼睛注视正在破换环境的人类。极少元素构成简约的画面，在元素的连接上要求更高，两片树叶根据形式没法则中的均衡对称原则，位置在画面的三分之一处，是人的视觉比较舒服的位置。画面元素间空隙较大，树叶与下面的文字构成倒三角的关系，使元素进行自然连接，这也是中国画中比较用的构图方法，注重留白，形成一种“此地无声胜有声”的意境。
(二)简约的画面构成
画面的构成关系，是指在二维的画面中，根据主题需要，把空间进行分割，把不同的元素安排到适当的位置。再拿建筑来说吧，建造用的钢筋玻璃混凝土等等都预备好了，就用它们搭建建筑的框架结构，支撑于地面，人一看到就知道它竣工后会是什么外观了。同样平面设计中只要根据主题将元素安排适度，舒适简洁的感受便会油然而生。现代设计画面构成很大程度上受国际平面设计风格和包豪斯设计的影响，很多优秀作品不仅吸取了国际风格的追求严谨，简洁明快的布局，和谐的整体感的简约风格，也尝试用各种表现手法或形式法则弥补国际风格缺乏艺术性和人情味的不足，简约的画面构成在海报招贴和版式设计中应用比较广泛。
如图4，是一倡导保护树木的公益招贴，用具象表现手法，把由树木而来的纸做成锋利的齿轮的样式，使用旋转重复的表现方式，将元素进行中心旋转。画面布局简洁而有力度，画面静中有动。如图5，背景完全统一于蓝色天空中，高架电线上的小鸟像跳跃的五线谱上的音符一样，有飞出画面的倾向，从下面露出的稚气童真的双眸仰望蔚蓝的天空，加之远处的云朵，画面清新简洁，点的大小对比，线的长短黑白对比有序而自然，使人心旷神怡。如图6，具象和抽象元素自由、灵活统一于画面中，除了概括的具象手型，其余都是简洁的抽象元素，点、线、面布局虽然没有严谨的秩序感，但整体和谐，简洁明快，浓厚的趣味性充满整个画面。
(三)简约的空间层次
一张没有纵深空间的纸张能装下整个世界，这就是二维平面的魅力吧。或者每个人都应该感叹人类的智慧，人类的奇妙创造和秉性跃然纸上，或活泼、或高贵、或庄严、或典雅。“平面不能平”，即利用各种平面元素，在平面材质上(比如纸张等)，努力拉伸视觉空间。这一理论，画家塞尚早我们一百年就开始尝试了，并已作到了极致。若能注意空间层次的简约处理，即使构成画面的元素再多也能构成简约有层次的画面。
如图7，用颜色的对比，拉开空间层次，红色首先映入眼帘，因为红色具有跳跃和醒目的视觉效应，还有光影的效果增加了画面的层次，此作品有四层信息，但却多而不乱。这说明，再多的信息内容，只要处理好空间层次关系，就能使层次分明，主题突出。如图8，虽然视觉元素很多，但作者大胆用大面积的规则图形分割了画面，包括大面积的文字排列附着于大的快面上，是画面形成很强的秩序感，多而不乱，还有透视效果的两块黄色梯形，使画面产生很强的空间透视感。画面元素虽多，但是设计者对信息的把握适度，借鉴透视的近大远小原理使画面简洁有张力，增加画面趣味，引人注目。
四、结语
现代城市逐渐被建筑、喧嚣和灰尘等污染围裹，空间越来越狭窄，噪音越来越烦乱，生活工作竞争压力也越来越大，市民的心越来越得不到安静与休息。因而，越来越多的都城人开始摒弃繁缛豪华，力求拥有一种自然平实的心境，人们更加向往清新自然，随意简洁的画面。平面设计中的简约设计正好能体贴到人们心理生理的需求，所以平面设计会继续受简约理念的影响是不容质疑的，而且伴随着新技术新材料的发现，设计中会也会相应有新的表现形式来体现这一理念的不断发展。
参考文献
[1]王受之.世界平面设计史[M].中国青年出版社，2002.
[2]毛溪.平面构成[M].上海:上海人民美术出版社，2003.
[3]滕守尧，聂振斌.知识经济时代的美学与设计[M].南京:南京出版社，2006.
[4]薛舒阳.极简风格[J].设计平台，2007，(12).
作者简介:王宗然(1982- )，女，山东潍坊人，陕西科技大学设计与艺术学院硕士，研究方向:设计艺术学。
试论平面设计中的空白意象
料 垄
摘要 空白可被视为意象表达的一类特殊形式，将空白意象引入平面设计中，研究其在平面设计中的表现和作用可以更好的传递作品深意，挖掘作品内涵。
关键词 平面设计 空白 意象
“意象”一词是中国古代艺术创作中一个非常重要的理论概念，一直被人们广泛使用，它是一个拥有多元涵义的统一体。尽管在不同的学科有不尽相同的蕴意，但有一点却是共同的，那就是必须呈现为“象”。意象赖以存在的要素是象，即物象。物象是意象的基础，但意象却不是物象的客观的机械模仿。
意象是客观物象经过创作主体独特的审美活动而创造出来的物化的艺术形象，是“融入了主观情意的客观物象，或者是借助客观物象表现出来的主观情意。”
“意”是无形的、抽象的，如同融入水中的盐，无形而有味。“意”必须借助语言或图形符号的“形象”才能表达出来。意象即“表意之象”、“意中之象”，是主体与客体、心与物、意与象的有机交融和统一，是主观情思与客观物象相融合的产物。在一个意象中。人们看得见的是“象”，而品味出来的是“意”。
“意象”一词最初萌芽于《周易》。《周易》又称《易经》，是我国古代着名的哲学着作，儒家把它冠为“六经”之首。其中的系辞是对《周易》的整体概述，阐释了《周易》的哲学意义。使《周易》逐渐升华为中国传统文化的根源和一切学术思想的源泉。它最早阐述了“意”和“象”的关系以及“象”的特殊表意功能《周易·系辞》这样表述:
子曰:“圣人立象以尽意，设卦以尽情伪，系辞焉以尽其言，变而通之以尽利，鼓之舞之以尽神。”
“立象以尽意”不仅阐明了“象”与“意”的关系，也明确了“立象”的目的是为了“尽意”。“象”以“尽意”为存在根据。这里的“象”不是自然的物象，而是卦象，即“寓意之象”、“意中之象”的符号。“象”具有极大的表意功能:“尽意”、“尽情”、“尽言”、“尽神”。
中国古代早期的意象都是作为一种抽象至理的载体被使用的，那时的“意”是一种表象之意，运用的是象征的手法，它的指涉基本上只是停留在哲学领域之内，只能算是一般意义上的观念意象。刘勰是在我国文艺理论领域中第一个提出意象概念的人。他在《文心雕龙·神思》中说:“独照之匠，窥意象而运斤。此盖驭文之首也，谋篇之大端。”他强调了内心意象在艺术生产过程中的重要性，把它提高到“驭文之首也，谋篇之大端”的高度。刘勰的意象观产生了深远的影响，唐人多在此基础上使用意象概念。司空图在《诗品·缜密》中说“意象欲出，造化已奇”，指的也是“内心意象”。宋代以后，以及明清学者往往把意象当作艺术形象来看待，意象的古意渐渐隐去，意象的意义开始泛化。
意象是人类心灵中自由衍生与驰骋的大千气象，它是一种自然美妙而无羁绊的真情洋溢。当代的艺术创作从传统文化中汲取养分，呈现出蓬勃的生机，但无论用哪一种形式表现，“意象”都仍是现代设计语言中的潜语言成分，都与“意”密切相关，都渗透了设计者的理念、意念、情感等诸多“意”的因素。
传统的意象观与现代设计理论相结合，形成了独具时代特色的设计意象。作为艺术创造活动的设计意象，是把以感受形式出现的表象当作创作的前提条件，然后再对这种看似纷繁复杂的表象进行解析、综合。但这并不是简单的理性逻辑层面上的观照。也不是简单的对事物感性形态进行概括出抽象的普遍内容，而是根据设计的需要在表象中寻找与主体情感、直觉、认知和人生体验相对应的同构元素，并借以构筑设计意象。
平面设计中的各种图形符号常作为意象的载体出现在画面中，传达内在的一些含义，引发观者的一定联想。除去植物意象、动物意象、景物意象等一些常见的意象表现形式外，还有一类特殊的意象表现形式，即空白意象。
空白即“虚”，反之为“实”。虚即虚无，实指实有。在平面设计中，可将空间分为实空间和虚空间。其中实空间是组成画面空间的实体部分，虚空间则是指除此之外的其余部分。虚空间并不是背景，更不是设计中多余的部分，它也是画面形象的重要组成之一。平面设计中的空白是设计作品的“以白当黑”，“言外之意”。这种空白，看似无形之境，实乃设计者的匠心独运，笔虽未到。而意已至。所以，空白即意象。正如清代笪重光《画鉴》昕说:“虚实相生，无画处皆成妙景。”
中国传统艺术并不像西方美学那样讲究理性的认知和推理。而更多的是以感性的方式来领悟自然，体味人生。在中国画论中，墨色、彩墨属于色，白色画纸本身的白也属于色。所以，画家极其重视“留白”，以虚实相生的处理手法形成一种特殊的意境形式。山水画中的天、云、水等等。往往不着墨色，只留纸面，以虚当实，寥寥数笔，意尽形全。但观者却能在画面中“实”的反衬下，获得对这种“虚”的感受，从而达到以有限寓无限和空白处即画的效果。
如南宋画家马远的《寒江独钓图》，整幅画面中只画了一叶扁舟漂浮于水面，一位老翁坐在船头，独自垂钓。四周除了几笔波纹，画面大面积为空白，但确有力地表现了江面的空旷及寒意。萧条的气氛，更加集中地衬托出渔翁凝神贯注于一线的神气。也给观赏者提供了驰骋想象的余地。这幅画面中的空白不是白纸，而是画中之白。虚中有实。是一种特殊形式的图形符号。正如清张式在《画潭》中所云:“空白，非空纸。空白即画也。”在画家眼中，画中的空白可以是天，是地，是云。是水……
中国画对于虚实、空白的处理手法，在现代平面设计版式编排中得到了很好地发挥。在《清流》的编排设计中，借鉴了中国画空白的艺术元素符号，并将其与现代设计语言相融合，以大面积的空白充斥版面，结合画面中心几条正在畅游的金鱼，将其余的空白部分巧妙地转化成水面。带给观者和谐宁静之感，更拓展了画面“清流”的意境。这里的“白”表现的是没有具象的虚空，它们能和画面外部的空间连成一片，具有视觉和心理上的双重延伸性。
现代平面设计以传达信息为主要目标。设计作品往往需要在短时间内引起观众的注意，给人们留下深刻的印象。仅靠直接的表述往往显得单调乏味。而且意象的意是难以穷尽的，因此恰当地运用“虚”与“实”的对比才能达到很好的艺术效果。有时只有在“虚”的衬托下才能更好地凸显“实”。虚在这里并不是“虚空”，而是蕴含了“景”的“虚”。暗含了“情”的“虚”。在一套张家界的旅游宣传册设计中就成功地运用了以“虚”托“实”的手法。设计者用传统笔墨的表现技法勾勒出了宝瓶等一些器物的外形，再将张家界美丽的自然风光安排其中，除去右上角一些必要的文字说明外，画面其余部分就是大面积的空白，只在靠近器物外形处看似随意地描绘有两只飞鹤或几朵祥云，这种大面积地留白方式除了营造出一种缥缈的情境之外，还很好地烘托出了创作的主体物。
有时设计作品中的空白处理就如同文学作品中的省略符号一样，能够造成人们视觉和心理上的沉思。并由此引发一定的联想。如为大家所熟悉的苹果电脑的标识设计，右边的一处空缺，看似破坏了图的完整性，实则恰与背景融合，打破了形的拘束，带给人们更多的联想和想象的空间。此时的空白已成为形象的组成部分，是形象的延续与衍生。
平面设计中的空白，是一种“虚空间”。是画面中存在的一种“气场”，画面中各构成要素正是被这种无形的“气场”协调统一在一起，从而表现出一种完整性。这一元素如果运用的巧妙的话，可以成为设计中最突出、最令人瞩目的地方。它所传达出来的信息有时甚至实体的元素还有丰富的多，深刻的多。对画面版式留白所产生的虚空间的合理运用应受到更多设计者的关注。因为它能最大限度地激起观众的艺术想象力，从而更好地去挖掘和体味作品中所潜藏的深“意”。